ÉCOLE ESPAGNOLE

gumes comme Murillo, mais il leur est bien interdit de faire des anges qui aient cette grâce et ce charme.

Dans son art, l'Espagne n'a pas eu le dédain de la laideur, de la misère et de la malpropreté. Sous ce haillon, sous cette dilTormilé, sous cette crasse, il y a une àme, ce gueux est un chrétien, ce mendiant dévoré de vermine ira peut-être « en la gloire ; » donc il mérite d'être peint tout aussi bien qu'un roi, et voilà Murillo qui, sur sa palette de rose, de lis et d'azur, chargée parles anges pour peindre la Vierge, sait trouver des tons fauves, des bruns-dorés , de chauds bitumes quand il a un Mendiant à représenter. Au pied d'un mur que frappe un rayon de soleil, il nous montre un jeune pouilleux, entr'ouvrant sa chemise en loques et faisant une chasse abondante. Une merveille de vie, de lumière et de couleur! Don Diego Vélasquez de Silva, le peintre grand seigneur, n'était pas plus dégoûté que Murillo. Il laissait très bien les rois, les reines, les infants, les infantes et les ministres pour peindre des ivrognes, des nains, des philosophes, des gitanos, et jusqu'à des phénomènes de la foire, et ce ne sont pas ses moins belles peintures.

La Vierge connue sous le nom de Vierge au Chapelet, parce que l'Knfant Jésus qu'elle, tient joue avec les grains d'un rosaire, ne ressemble nullement aux madones italiennes. C'est la sainte Vierge andalouse aux yeux noirs veloutés, brune blanche au teint vermeil et qui porterait la mantille mieux encore (jne le voile traditionnel. Sa candeur est

moins froide, sans pour rela être moins pure , et elle joint au mérite d'une forme charmante celui d'une adorable couleur.

Herrera le Vieux était un maître d'une humeur terrible et farouche. L'aspect de sa peinture confirme la légende. Le Saint Basile irrésidant un concile a bien la mine la plus rébarbative qui se puisse imaginer, et le Saint-Esprit qui plane au-dessus de sa mitre ressemble à un faucon se précipitant sur sa proie. Jamais bandits n'eurent des tètes plus sinistremenl féroces que les évèques, les moines et les inquisiteurs qui l'entourent. Il y a surtout un moine hâve, maigre, osseux, à demi englouti dans sa cagoule, dont le sourire convulsif et sardonique fait vraiment peur. S'il jetait son froc, on verrait apparaître le pourpoint rouge, le petit manteau et le pied de cheval de Méphistophélès.

Un tableau de Zurbaran, la Mort de saint Pierre Noiasque, un paysage de Collantes et un portrait de Goya terminent la galerie espagnole.

KCOLF.S AIJ.KMANDK, FLAMANDl".

Kï IIOI.r.ANDAISK.

Nous voici ù l'endroit de la galerie où deux groupes de colonnes couplt'os , adossées à chaque paroi , forment une sorte de vestibule précédant l'espace réservé aux ('coles de Flandre, de Hollande ot d'AI-

lemagne. Là sont placés quelques tableaux dune date antérieure indiquant les origines de l'art dans ces pays du Aord, d'une manière incomplète, sans doute, comme science et chronologie, mais suffisante pour l'imagination. A qui appartient ce tableau d'une composition singulière, divisé en trois zones dont la supérieure contient un Saint François d'Assise recelant les* stigmates, l'intermédiaire les Apprêts de la sépulture dit Christ, et l'inférieure la Sainte Cène, où figurent, entre Jésus et les douze apôtres, deux personnages, le donateur vêtu de noir et les mains jointes, et le peintre sous les traits d'un serviteur qui verse à boire? On ne sait. Les noms de Lucas de Leyde, de Quintin Matsys , de llolbein ont été prononcés tour à tour, mais sans preuve valable à l'appui. Il semblerait plutôt être de Mabuse : en tout cas, c'est une œuvre d'un rare mérite où, à travers une certaine raideur archaïque, perce un vif sentiment de nature. Le dessin est serré, la couleur vraie, et tout annonce un maître.

Le Christ descendu de la croix, qu'on peut selon toute vraisemblance attribuer à Quintin Matsys, est aussi une très belle œuvre. L'art commence à s'y dégager des langes gothiques qui l'emmaillotaient. Les figures prennent de l'expression , les mouvements expriment le drame , et le soin excessif donné aux accessoires ne lait pas oublier la pensée générale. 11 y a bien encore çà et là des plis raides cas.sés à angles droits, des emmanchements gauches, des pieds démis ou ankylosés faute de per-

speclive. .Mais comme la douleur des saintes femmes est rendue, comme les larmes qu'elles versent sont sincères, comme la tristesse navrante de la scène vous pénètre !

Quintin Matsys a répété souvent ce motif du peseur d'or avec des différences dans les accessoires. Celui du Louvre, le Banquier et sa femme, représente un homme coiffé d'une toque noire, vêtu d'une robe bleue garnie de fourrures. 11 pèse des pièces d'or au trébuchet sur une table couverte d'un lapis vert. Près de lui sa femme, en robe rouge, tient un missel à miniatures. Des bagues, des perles, un miroir convexe qui réfléchit des objets en dehors du tableau sont répandus sur la table. Au fond, sur des tablettes, des bouteilles de verre, une orange, des paperasses, des registres, des liasses de lettres et toutcequi peut encombrer la boutique d'un changeur. Il est difficile de pousser plus loin la vérité et la perfection du rendu.

On ne se douterait guère, en voyant cette jeune femme nue, coiffée d'un chaperon rouge et portant au col un cercle de pierreries, se promener dans un paysage dont l'horizon est dentelé par une ville gothique avec ses tours, ses beffrois et ses clochers, qu'on a devant soi la mère et la reine des Amours. C'est pourtant bien Vénus, madame Vénus, comme disaient les Minnesingers, qui, profitant de ce que le bon chevalier Tanhauser fait un somme, se hasarde hors de la montagne, sa résidence ordinaire. Les peintres du moyen âge ont peu fait de nudités, et il est curieux, lorsque le cas se présente, de voir quel

ÉCOLES ALLEMANDE, FLAMANDE, ETC. li\

était leur idéal en fait de beauté féminine. Celte Vénus, de Lucas Cranach, est mince, fluette, les seins peu développés, les hancfies étroites, comme une jeune fille qui n'est pas formée encore ; on dirait une de ces statuettes appli(iuées aux porches des cathédrales déshabillée de sa robe de pierre. Elle est jolie, après tout, dans sa maigreur ferme et vivace, et sa nudité a une gaucherie étonnée qui ne manque pas de grâce.

Lucas Cranach a encore au Louvre deux beaux portraits d'homme : le Portrait de Jean-Frédéric III, électeur de Saxe, et celui d'un homme en riche costume dont on ne connaît pas l'origine, quoique le dessin des perles qui brodent sa poitrine forment des S et semble indiquer que son nom commençait par cette lettre.

Citons la Vierge et V Enfant Jésus de Mabuse avec sa tète de mort et ses inscriptions chrétiennement mélancoliques; le Christ amené demint Pilate, de Wohlgemuth, le maître d'Albert Durer; les magnifiques portraits de Hans Holbein, représentant l'Astronome du roi d'Angleterre Henri VIII , et Vétêque de Londres Guillaume Warham, et finissons par la Mort d'Adonis, de Hottenhamer, peinture mythologique d'un maniérisme italien surprise de se trouver parmi ces œuvres d'une gravité un peu raide; le Nain tenant en laisse un dogue, d'Antonio Moro, qui s'appelait Antonis de Mor, et la Vénus, de Zustris, une grande figure d'une élégance superbe qui fait penser à la grâce hardie et svelte de la Diane de Jean Goujon.

En entrant dans le sanctuaire de larl du Xord, saluez llembrandt, le plus original, le plus magique, le plus intense de tous ces maîtres qui, du fond de leur brume, rêvaient le soleil et l'ont peut-être mieux rendu que les Italiens avec leurs chairs brunes, ayant pour fond un inaltérable azur. Quelle merveille que X Ange Baplia'él quittant lohie! C'est un petit tableau de chevalet, mais où il y a plus de grandeur que dans d'immenses toiles couvrant de vastes pans de muraille. Dans ce cadre étroit, llembrandt a su faire tenir tout le ciel. L'ange protecteur de Tobie, ayant rempli sa mission, dépouille son déguisement et remonte au ciel, d'un mouvement si rapide que ses ailes semblent palpiter à son dos presque invisibles dans un tremblement de lumière; sa robe vole comme un nuage, sa chevelure d'or étincelle au milieu des rayons, et il va disparaître à travers une trouée de splendeurs. A gauche, au seuil de la maison exhaussé de quelques marches, la jeune femme de Tobie dans une attitude admirative, sa mère Anne qui a doute de l'intervention céleste et laisse tomber sa béquille d'élonnement à la vue du miracle, et plus bas le jeune époux et son père agenouillés ou prosternés, remerciant Dieu. Toute cette parliedu tableau est baignée dans une ombre transparente et chaude où éclate, connue un jet de foudre, l'éblouissante clarté que l'ange répand autour de lui.

Rembrandt n'est pas seulement un faiseur de tours de force pyrotechniques, tirant, comme on dit, des coups de pistolet dans les caves, un magicien de la lumière n'ayant pour but que les effets ; il a au plus

haut degré le sentiment humain, religieux et pathétique. Avec des formes parfois communes, triviales, manquant de noblesse comme dessin, car sa couleur est toujours d'une rare distinction, il parvient à exprimer les nuances les plus déhcates de l'âme. Quelle onction, quelle tendresse, quelle charité évangélique dans ce Bon Samaritain qui recommande aux gens de l'hôtellerie où ill'a transporté le pauvre blessé ramassé au bord de la route et dont il paye la dépense ! Digne Samaritain, tu vaux tous les pharisiens du monde, et Rembrandt t'a donné la plus honnête, la plus cordiale et la plus sympathique physionomie qu'on puisse voir dans ta bonne laideur hollandaise. Celui-là est un brave homme, et il ira en paradis, en dépit de sa nationalité et de sa secte.

Dans les Pèlerins d'Einmails, l'auréole soudaine qui s'allume au front du Christ, rompant et bénissant le pain à la table ou il s'est assis avec ses disciples, illumine tout le tableau de sa lueur d'étoile. Que d'amour, d'adoration et de surprise heureuse dans les expressions et les attitudes des disciples reconnaissant leur maître chéri !

Il semble que Rembrandt, en peignant le Philosophe en méditation, ait voulu créer un intérieur pour loger selon ses rêves sa pensée mystérieuse. Ce peintre à façons d'alchimisie a dii souhaiter pour atelier et laboratoire une grande salle voùti-e comme celle-ci, aux coins remplis d'ombre où montent des escaliers en spirale, aux profondeurs ténébreuses peuplées de vagues chimères, aux murailles épaisses,

éclairée par une fenêtre unique, maillée de plomb, vitrée de carreaux verdàtres laissant filtrer une lumière avare sur la table encombrée de sphères, de sextants, d'almagestes, de vieux bouquins à tournure de grimoire, près de laquelle médite, enfoncé dans son fauteuil, quelque vieillard à robe fourrée, magicien autant que philosophe, souffleur herméti(iue autant que docteur. Nous croyons voir le génie même de Rembrandt dans ce personnage à physionomie de rabbin rêvant sous un rayon au milieu dombres qui s'épaississent en s'éloignant de lui. Kembrandt a répété deux fois ce sujet avec quelques variantes; dans l'un des tableaux, le philosophe est absolument seul avec son fatras de docteur Faust. Dans l'autre, la vie domestique circule autour du rêveur, discrète, silencieuse, marchant sur la pointe du pied: une femme portant un seau monte un escalier en colinm(;on; une autre servante, accroupie devant la cheminée, suspend uu chaudron à la crémaillère et attise le feu ; mais il faut chercher ces détails à travers les p(MK>mbres, les bitumes et les obscurit(''S des fonds assoupis pour ne laisser briller que le crâne et le livre du savant.

Trois ou quatre portraits de Rembrandt, que possède le Louvre, le représentent à divers âges. 11 aimait à se prendre pour modèle et il a multiplié son image sous différents aspects. Tous ces portraits, arrangés avec un goùl fantasque, pourpoints de velours où des chaînes d"or mettent des points lumineux, où des linges font luire par quelque interstice leur blancheur dor-'-e, loques au cordon agrafé d'une

pierre, sont des chefs-d'œuvre incomparables, des prodiges de modelé, de couleur et de vie. Mais le plus beau peut-être est ce jeune homme sérieux et pâle, à l'ovale accompagné de longs cheveux comme en portaient les romantiques de 1830. Jamais Rembrandt ne montra autant de noblesse que dans cette belle tète d'un charme romanesque.

Citons encore deux ou trois têtes de vieillard dont la touche heurtée de Rembrandt exprime avec un rare bonheur les rides profondes et les méplats séniles. Dans la série des coloristes, le peintre de la Ronde de nuit a trouvé une gamme nouvelle. Il semble qu'un vernis d'or, pareil à ces tons fauves de harengs saurs qui font l'elTet d'être glacés de bitume sur du paillon, ait légèrement enfumé ses toiles. Dans ses plus grandes vigueurs, Rembrandt n'est jamais noir. Une chaleur rousse circule sous ses obscurités et les rend transparentes. Le peintre le plus sombre est celui qui a le plus de lumière. Amsterdam, grâce à Rembrandt, peut lutter avec Venise, et les deux villes dont les pieds baignent dans des canaux sont les reines de la couleur.

Rubens, le roi d'Anvers, l'artiste à tempérament titaniquequi semble, comme Michel-Ange, avoir vécu dans un monde de colosses, d'hercules et d'athlètes, occupe une grande place au musée du Louvre. La Vie de Marie de Médicis, traitée d'une façon allégorique à la mode du temps, couvre sur les deux parois de la galerie un énorme espace. Elle ne compte pas moins de vingt et un tableaux dont les figures, souvent fort nombreuses, sont de grandeur naturelle;.

Dans cet immense travail, exécnté en moins de quatre ans, llubens déploya une merveilleuse fécondité d'invention, quoique souvent il se soit trop laissé aller à sa facilité décorative et qu'il y ait bien çà et là quelque fifjjure mythologique de rcmplissaf^e. Mais l'ensemble de l'œuvre est éclatant, superbe, fastueux, et a bien la magnificence d'apparat qu'exigeait le thème imposé. Jamais commande de souverain ne fut mieux obéie, et la galerie de Marie de Médicis est le chef-d'œuvre de la peinture officielle, et, à travers les lieux communs obligi's, le maître darde des ('Clairs éblouissants. Comme Uaphaël. au(iuel il ressemble si peu sous les autres rapports, Uubens fut un artiste admiré dès ses premiers pas et dont la carrière ne fut qu'un long triomphe. Il avait le génie, mais il avait aussi le bonheur et plaisait par son faste, sa vie brillante et ses belles manières, aux grands du monde si prompts à mépriser le talent que n'accompagne pas la vogue. C't'tait une nature facile, aimable et généreuse, avec des aptitudes diplomatiques qui se montrèrent dans plusieurs négociations. Uubens avait autour de lui, dans le magnifKiue atelier de son palais d'Anvers, un ci-nacle d'(''lèves d(''vou(''s, im])us de sa doctrine, pénétrés de sa manière, qui lui pr(''paraioiit ses toiles d'après ses es(|uisses et ne lui laissaient plus (jue la touche suprême à donner. Le maître excellait d'ailleurs à rendre siennes et à imprimer son cachet aux œuvres ainsi ébauchées. La Vie de Marie de Mcdlcis en est la preuve. Van Dyck, Juslus van Egmonl, Jordaëns, Van Mol, (-orneille Schul, de Vos, Van lîden, Sneyders, Monper,

Wildens et d'autres y travaillèrent, et cependant cette vaste suite de tableaux est empreinte d'une unité remarquable. On la dirait sortie de la même palette, et l'accent du maître s'y retrouve partout. Ainsi rUrbinate à la fm de sa vie, accablé de commandes, d(''Voré par sa gloire, n'avait plus le temps de peindre et confiait à ses élèves l'exécution de ses pensées.

Nous n'avons pas la place nécessaire pour décrire ces vingt et un tableaux, la plupart d'une composition compliquée et dont le sens allégorique demanderait de longs commentaires. Nous détacherons seulement de la galerie les sujets qui nous ont frappé davantage et où la touche du maître nous semble plus visible. La Destinée de Marie de Médicls est filée par trois Parques à formes rebondies, d'une exubérante santé flamande, mais d'une fraîcheur de ton et d'une fleur de vie dont rien n'approche. Des Parques si robustes et d'une si belle chair doivent hier des jours d'or et de soie d'une longueur indéterminée. Les trois filandières sont assises sur des nuages, et dans le haut de la composition on voit, sur le sommet de l'Ida, Jupiter, que Junon caresse avec une adorable càlinerie et une délicate grâce féminine qui parfois manque à Rubens, pour obtenir la permission d'assister à la naissance de la princesse. Dans VÉducatioii de Marie de Médicls, le groupe des trois Grâces, débarrassées des draperies blanches en i'a(;on de serviettes, dont un scrupule dévot malentendu les avait fait revêtir, charment les yeux par leur attitude élégante, et leur blancheur

128 MUSKE DU LOUVRE.

nacrée produit l'effet d'un lis dans le bouquet de roses un peu rouges de Rubens. Le tableau de Henri IV regardant le portrait de Marie de Médicis que hii présentent V Amour et V Hymen est d'un arrangement ingénieux, et l'allégorie s'y combine sans discordance avec le réel.

On admire beaucoup, dans le Débarquement de Marie de Médicis à Marseille, les divinités marines qui ont accompagné et protégé le navire, les trois Néréides surtout du premier plan. Elles se tiennent enlacées comme les trois Grâces de la mer, élevant au-dessus des vagues leurs corps souples et charnus, aux épaules satinées, aux reins cambrés et troués de fossettes sur lesquels l'écume se résout en perles tandis que les jambes squameuses et terminées par des nageoires se perdent sous la verdàtre épaisseur des flots. Chose curieuse, on sait d'après une lettre de Rubens le nom et la demeure des modèles de femmes qui ont posé pour ces trois chefs-d'œuvre. Ce sont deux dames Capaïo, de la rue du Vertbois, et leur petite nièce Louisa. Le grand peintre d'Anvers prie un de ses amis de les lui retenir pour la troisième semaine, afin (lu'il eu fasse trois éludes de grandeur naturelle. Jamais la peinture n'a été plus loin pour le rendu de la chair, le grain de l'épiderme et le frisson mouillé de la lumière.

Dans la Naissance de Louis XII I, la tète de Marie de Médicis, à la fois souriante et douloureuse, exprime, dune façon admirai»le, les souIVrances de l'enfantement et la joie d'avoir mis au monde un dauphin. Une légère flamme rose court sur la douce

pâleur de la nouvelle accouchée et fait de ce visage contracté et radieux une des merveilles de la peinture.

Le Couronnement de Marie de Médicis est une des plus belles toiles de la galerie et peut passer pour un parfait modèle du tableau d'apparat. Cette fois l'allégorie ne se môle pas à la réalité historique, et au lieu de grandes femmes nues voltigeant à travers les airs, — elles ont bien leur mérite, quand c'est Rubens qui les a peintes, — nous avons de vrais portraits d'histoire en action, des personnages illustres, de haute et fière tournure, traînant des flots de brocart, de velours et de satin.

En revanche, le Gouvernement delà Reine, — qui s'y attendrait? nous transporte en plein Olympe. Jupiter et Junon font atteler des colombes au char de la France, dont l'Amour est le conducteur. Apollon, Minerve et Mars qui s'arrache des bras de Vénus repoussent et combattent la Discorde, l'Envie, la Haine et la Fraude, ces monstres dont la laideur sert à faire ressortir l'éclal des génies célestes. Il est curieux de voir comment, dans cette immense composition, Rubens a traduit à la flamande la beauté grecque des Olympiens. Ces nobles formes étaient trop pures et trop tranquilles pour son pinceau turbulent ; il les a mouvementées, arrondies, soufflées, bossuées de muscles ; mais par la couleur il leur a conservé la divinité. C'est bien la chair des dieux pétrie d'and)roisie et de neclar; rose comme la pourpre royale, blanche comme la neige de l'Olympe. Le lorse de la Vénus semble fait avec des micas de Paros et des étincelles d'écume.

130 MISÉE Dr Lorvni:.

Nous ne suivrons pas jusqu'au bout celle interminable série où parfois se trahit l'ennui de la besogne officielle, mais dont le tableau le moins heureux contient encore des morceaux admirables, des réveillons de génie et porte toujours en quelque coin la rayure formidable laissée par la griffe du lion. L'ensenible est ample, riche, majestueux, puissant, en merveilleuse harmonie avec le style du monument à décorer, et Rubens seul, dans son exubérance, pouvait mener à bien celte gigantesque entreprise qui eût suffi à occuper la vie d'un autre peintre.

Comme nous l'avons dit , la légende illustrée de Marie de Médicis ne contient pas moins de vingt et une toiles , qui occupaient toute une galerie du Luxembourg, qu'elles ont quitté pour le Louvre. Trois portraits qui s'y rattachent furent peints par Rubens pour orner la cheminée de la salle. Ce sont les portraits de François de Médicis, grand-duc de Toscane, père de Marie de Médicis; de Jeanne d'Autriche, grande-duchesse de Toscane, mère de la reine ; et de Marie de Médicis, elle-même, à l'âge de soixante-huit ans, costumée en Rellone et couronnée par le Génie de la guerre.

Le Portrait du haron Henri de Vicq, ambassadeur des Pays-Ras à la cour de France , qui avait beaucoup servi Rubens dans les négociations relatives aux peintures de la vie de .Marie de Médicis , représente un homme à figure fine, spirituelle, usée par la vie du monde et les travaux diplomatiques, à la barbe et aux moustaches déjà grisonnantes, la tète

posée sur une fraise à tuyaux, et vêtu d'un pourpoint de velours noir. C'est un des meilleurs portraits de llubens assurément, et l'on sent que l'artiste travaillait pour un modèle intelligent , capable de l'apprécier.

Nous allons avoir affaire maintenant au génie de llubens libre de toute contrainte. Quel chef-d'œuvre que la Fuite de LotJi , une des rares toiles que le maître ait daigné marquer de sa signature ! C'est un des plus riches joyaux de son opulent écrin. Jamais sa couleur ne fut plus nacrée, plus transparente, plus rose, plus blonde, plus imprégnée de lumière et de vie. La petite dimension du cadre contribue à la perfection même du tableau, par le soin, la délicatesse et la légèreté de pinceau que l'artisle dut y apporter. Un ange, aux ailes de cygne, dont le duvet frissonne, guide Lolh et sa famille hors de l'impure cité que va détruire le feu du ciel et sur laquelle déjà, dans le lointain, les ministres des vengeances divines font pleuvoir la foudre. Une des filles de Loth emporte dans une corbeille le trésor domestique, les choses les plus précieuses et de peu de poids. Un âne est chargé du gros bagage. La femme du patriarche, la désobéissante (jui doit être changée en statue de sel, semble quitter à regret ce logis dont le portique à colonnes composites, aux bossages carrés, est dans le style d'architecture en honneur à Anvers du temps de Rubens. Au seuil de la maison, prête à .sortir, se tient l'autre fille de Lolh, un panier sur la tête. C'est à coup sûr la plus gracieuse figure féminine que le pinceau de l'artiste ait caressée.

Nulle trace de cette lourdeur flamande qui parfois dépare ses plus beaux types. Le visage de celle charmante fille, chef-d'œuvre de clair-obscur, s'illumine de reflets rosés et bleuâtres d'une incroyable linesse. Le manque d'espace, car il faudrait tout un livre pour décrire avec détail tous les Hubens qui enrichissent le Louvre, nous oblige à indiquer seulement le Prophète Elle au désert ; la Fuite en Egypte; le Christ en croix; le Triomphe de la Religion, toile colossale qui ferme la galerie ; V Adoration des Mages ; la Vierge au milieu des saints Innocents; la Vierge, V Enfant Jésus et un Ange au milieu d\ine courojine de fletirs, qu'on croit peintes par Breughel de Velours; plusieurs portraits admirables de vie et de couleur; mais nous insisterons davantage sur le Tournoi près des fossés d'un château, (\m présente Hubens sous un nouvel aspect et le démontre non moins grand paysagiste que grand peintre d'hisloire. Six chevaliers luttent devant un château féodal, dont un étendard surmonte le donjon ; un page ramasse les lances rompues par les champions, et deux hérauts à cheval sonnent de la trompette et accompagnent la passe d'armes de leurs fanfares. Il n'est pas besoin de dire le feu, le mouvenn^nt et l'esprit que Hubens a donnés à ces (igurines, enlevées avec remportement de l'esquisse. Mais ce qui est particulièrement admirable, c'est le paysage, l'idéal du paysage romantique, l'harmonie du ciel, des eaux, des terrains, des arbres, de la forteresse, envel(q)i)és, comme d'une almosphère, d'une couleur chaude et transparente. Dans cette

toile merveilleuse la nature ne semble pas copiée, mais inventée et pour ainsi dire créée par le peintre, tant il en manie les éléments d'une main souveraine. Chaque grand maître se compose ainsi un monde où tout est homogène. Les fonds et les figures, l'homme et le paysage, la draperie et le corps, la forme et la couleur sont faits les uns pour les autres et ne sauraient se séparer sans discordance, et de cet ensemble résulte une admirable harmonie où disparaissent les inexactitudes et les négligences de détail. Les deux autres Paysages, qui n'ont pas de titre spécial, ne sont pas moins beaux. Dans l'un rayonne le disque du soleil couchant; dans l'autre, l'arc-en-ciel déploie son écharpe, et jamais la magie de la couleur n'a été poussée plus loin.

La Kermesse, c'est le génie même de Rubens débarrassé de toute contrainte allégorique ou mythologique et s"ébattant en pleine liberté dans la joie et livresse flamandes. Mais n'ayez pas peur, qu'accoudé près du pot où mousse la bière, il devienne un paisible et flegmati({ue Teniers. Quand Rubens s'amuse, il a de formidables gaietés de Titan, et sa puissance est la même pour une précipitation d'anges ou de damnés que pour une ronde de buveurs. Devant la porte du cabaret, il a pris la foule chancelante et il l'a nouée en une immense guirlande qui tourne, comme un zodiaque ivre, dans une ronde folle, les bras enlacés, les mains se retenant aux mains, avec une incroyable variété d'atliludes et de torsions, les pieds lourds battant le rythme et soulevant une chaude brume de poussière. Quelle vie,

134 JIUSÉE DU LOUVRE.

quelle turlnilence, quelle explosion de joyeuse bestialité! Comme la santé crùve sur les joues rouges de ces commères rebondies ! Avec quelle ardeur ces robustes garçons fourragent lesopulents appas de ces grasses femelles ! Il faut que tout entre dans la danse, même les vieilles, et la ronde tourne à peindre haleine à travers les cris, les huées, les chants. C'est ignoble et c'est superbe, car c'est la bacchanale du génie.

JordaC-ns niérit!^ le nom de grand maître. Il n'a pas le haut vol de lUihens. mais il a la fécondité, la vigueur et une outrance dans la forme et la couleur (jui le font reconnaître au premier coup d'u'il. Sa vie fut peu accidentée et il ne sortit jamais de son pays. Aussi est-il Flamand de la peau jusqu'aux moelles. Le dessin de ses figures est encore i)lus violent que celui de Rubens, et la gamme de sa palette est montée à un degré plus intense. Ses contours crèvent de pléthore, ses tons éclatent et flamboient ; les joues de ses personnages vont prendre feu. Mais ((uelle forte harmonie, quel accord puissant, quelle chaleur soutenue, quelle pâte opulente, quel superbe maniement de brosse et quelle magistrale sùreléde touche! Sans doute il est souvent grossier, trivial, ignoble; il n'apporte aucun choix dans ses types: il prend la nature comme il la trouve, et quelquefois même il l'enlaidit par amour du caractère ou par une sorte de jovialité brutale ; mais ce n'en est pas moins un grand peintre et, pour le juger tel, il suffit de regarder dans le Salon carré V Enfance de Jupiter avec son merveilleux dos de femme; dans la galerie, le Jésus chas-

sant les tendeurs dic temple, tableau d'un mouvenient si impétueux, et si fier, malgré quelques épisodes comiques à la flamande; les (Quatre Évangêllstes, belle et forte étude; le liol boit, joyeuse kermesse de famille, peinture grasse comme le sujet, où rit l'hilarité la plus épanouie dans le bon vin et la bonne chère, et le Concert après le repas, composition franchement grotesque, dont tous les personnages, assis autour d'une table couverte de débris d'un abondant souper, jouent qui de la flûte, qui du flageolet, qui de la cornemuse, sous la conduite du chef d'orchestre, bon vieillard battant la mesure sur un pot. Les jeunes femmes chantent à plein gosier, leurs enfants entre les bras ; il n'est pas jusqu'à l'a'ieule, dans son fauteuil d'osier, au haut duquel perche une chouette, qui n'essaye de faire sa partie, un papier de musique à la main. C'est presque une caricature; mais l'énergie de l'exécution relève jusqu'à l'art cette scène bouffonne.

David Teniers. dit le Jeune, s'estfait un petit monde où il règne en maître. En vain Louis XIV a dit avec une moue dédaigneuse : « Tirez de devant moi ces magots ; » les musées, les galeries, les cabinets d'amateurs ne s'en sont pas moins disputé les magots du bon Flamand, On a trouvé un charme intime à ces cabarets où fument des paysans à côté d'un pot de bière, où des servantes, lutinées par de rustiques galants, passent portant des plats ou des flacons, où dans une ombre chaude, piquées de paillettes lumineuses, élincellent des batteries de cuisine bien écurées ; à ces cabinets d'alchimistes, encombrés de

matras, de siphons, de cornues, de serpentins et de tout le fatras cabalistique , mobilier ordinaire des souffleurs; à ces tentations de saint Antoine, à ces kermesses qui dansent en plein air, à ces chasses au héron, et à tous ces sujets de la vie familière que ïeniers excelle à rendre. Personne ne peignit mieux l'aspect de la Flandre, avec son ciel humide d'un gris léger, ses fraîches verdures, ses maisons de briques, aux pignons en escalier, dont les toits offrent des nids aux cigognes, ses canaux regorgeant d'eau brune, ses corps de garde tapageurs, ses cabarets hospitaliers, ses paysans trapus, à mine goguenarde, et ses bonnes petites femmes rondelettes. — A travers cette rusticité, Teniers fait quelquefois apercevoir les tourelles d'une habitation seigneuriale; car s'il peignait la campagne, c'était de la fenêtre d'un château. David Teniers n'est pas, comme on se l'imagine trop souvent, un artiste dont les œuvres doivent leur principal mérite au fini. Personne n'a travaillé dune faijon plus libre, plus légère, plus rapide. La plupart de ses petits tableaux, qu'on se dispute à prix d'or, ne lui coûtaient qu'une aprèsdînée. Sa peinture blonde, transparente, maintenue dans des gammes rousses ou des gris tendres, procède par larges localités, que modèlent, en deux ou trois coups des touches piquantes, des réveillons spirituels. Un point de lumière, une demi-teinte, un reflet, et voilà un pot de grès, une bouteille de verre qui semblent terminés avec un soin excessif. L'effet juste est obtenu à très peu de frais. 11 en est de même pour les figures, accusées par méplats avec une

prestesse et une certitude de grand artiste. Rubens, Van Dyck et Teniers ont été de leur vivant les noms les plus célèbres des Flandres, et la postérité leur a conservé et confirmé leurs titres. L'idéal de Teniers n'était pas très haut sans doute ; mais il l'a réalisé complètement.

La galerie du Louvre possède un assez grand nombre de tableaux de ce peintre si spirituellement réaliste. Il est inutile de les décrire, car ils se composent des mômes éléments, variés avec l'art le plus ingénieux, et en caractérisant le talent de Teniers, nous avons indiqué les motifs habituels de ses compositions.. Quelquefois cependant il essayait quelque sujet d'histoire ou de sainteté; mais il se permettait l'anachronisme du costume avec la même liberté que Paul Véronèse, et il était homme à mettre des canons au siège de Troie et une pipe entre les lèvres d'Achille aux pieds légers. Ainsi l'Enfant prodigue, à table entre les courtisanes, a un chapeau à plumes, un manteau de raffiné et une épée posée sur un tabouret. Les courtisanes, paisibles Flamandes, sont habillées à la mode du xyii*^ siècle, et, dans le fond, on aperçoit un clocher surmonté de son coq, ce qui n'a rien de particulièrement biblique; mais la parabole de l'enfant prodigue est de tous les âges. Ses Œuvres de 'miséricorde renferment dans un seul tableau tous les actes méritoires que peut inspirer la charité chrétionn*;; la composition en est ingénieuse et l'exécution piquante; mais Teniers est visiblement plus à Taise dans son petit monde de fumeurs et de buveurs.

Le paysage n'a guère élc cultivé par les Italiens, trop occupés de l'homme pour faire grande attention à ce qu'on appelle aujourd'hui la nature. On peut dire que Michel-Ange n'y jeta pas un seul coup d'œil, et, chez les autres maîtres de la péninsule, le paysage n'intervient que pour servir de fond aux figures et les faire valoir. Sans y attacher d'importance, Titien en fit d'admirables, mais le paysage n'était pas un art séparé, ayant sa valeur propre ; c'est vers les pâles climats du Nord, sous les tristesses (fun ciel souvent brumeux, que le sentiment de la nature se développa dans une rêveuse contemplation. Ruysdaël fit de mélancoliques paysages entiéronieul débarrasés d'histoire et de mythologie, où l'homme n'intervenait qu'accessoirement et dans sa proportion réelle. 11 peignit des forêts sans nymphes où, sous l'obscurité des branches, cheminait quelque paysan ou quelque vieille portant un fagot ; de grands arbres frissonnant au vent d'automne sur un ciel grisâtre encombré de nuages gros de jiluie, des buissons échevelés au sommet de (luelquc tertre sablonneux, des torrents écumants contre des pierres ou des troncs d'arbres renversés, des digues el des ostacades de poteaux battus par l'eau jaunâtre de la mer du Nord avec une voile au loin s'inclinant sous la rafale.

Quel fut le maître de cet admirable paysagiste? lîcrghem peut-être, ou plutôt Everdingen, sinon par leç^'ons directes, du moins par influence; en tout cas la nature. Uuysdaël, dont la vie reste obscure malgré les recherches, ne (luilta guère les environs

d'Amsterdam, ou tout au plus fit-il de courtes excursions eu Allemagne et en Suisse ; mais il n'y a pas besoin de voyager pour être un grand artiste, il suffit d'ajouter son àmeà la nature qui vous entoure.

Pierre de Hoi»eh semble avoir fixé sur les murailles blanches de ses intérieurs les rares rayons de soleil qui luisent en Hollande. Personne n'a peint la lumière avec plus de puissance et d'illusion; et quand on regarde un de ses tableaux, on est tenté decroire qu'il y tombe de quelque fenêtre un rayon réel. Decamps lui a emprunté ce blanc ensoleillé, épais, pétri de lumière, qui trace ses zones éclatantes dans la demi-teinte fraîche, vaporeuse , transparente , bleuâtre, des paisibles intérieurs. Mais, chez Decamps, felTet est obtenu avec plus d'elTort que chez Pierre de Hooch, toujours simple, vrai et iiaturel. Un corridor éclairé par une croisée latérale, un appartement où pénètre un rayon, des servantes occupées aux soins domestiques, ou des dames jouant aux cartes avec des cavaliers qui soulèvent un verre rempli d'une liqueur transparente: il ne lui en faut pas davantage pour faire un chef-d'œuvre, comme on peut s'en convaincre en regardant les deux tableaux signés de ce maitre qui sont au Louvre.

C'est un peintre charmant que Philips Wouwermans, et quoique son talent se soit exercé dans un cercle un peu limité de sujets, on ne saurait qu'admirer la variété d'invention qu'il y a montrée, la fine observation de nature, l'harmonie de couleur et la finesse de touche qui le caractérisent. Philips Wouwermans était ce qu'on appellerait aujuud'hui

un peintre de sport. Le Louvre possède de lui le Départ 'pour la chasse, le Départ pour la chasse au Dol, la Chasse au cerf, le Manège, X Écurie, une Halte de chasseurs et de cavaliers devant une hôtellerie, des chocs de cavalerie, des haltes de militaires, etc. On voit que le cheval tient toujours une place importante dans les compositions de Wouwermans; il excelle à rendre cette éléf?ante vie de château qu'Eugène Lami traduit à l'aquarelle; d'un riche perron à balustres, il sait faire descendre la châtelaine, en amazone de satin ou de velours, qu'attend la haquenée, tenue en main par un page, et que saluent déjeunes seigneurs droits sur leur selle. Dans un coin du tableau, vous trouverez toujours, comme la signature du peintre, une croupe de cheval d'un blanc argenté. Quoique l'artiste soit mort assez jeune et qu'il ait considérablement produit, ses tableaux sont toujours très finis, mais d'un fini gras et souple, celui d'un maître.

Les écoles llamaiule et hollandaise ont eu pour idéal l'imitation de la nature; mais, dans l'une et dans l'autre, le tem])érement du peintre a déterminé le choix du modèle. Un vase d'argent est aussi vrai qu'une cruche de grès; une rose nest pas moins réelle (lu'un chou, et, s'il y a des cabarets enfumés, aux vitres jauni's, peuplés de buveurs rustitiues, il ne manque pas de beaux intérieurs aux grandes cheminées à colonnes de marbre, aux fauteuils de velours, aux tables couvertes de tapis de Turciuie, aux tentures en cuir de llohème, aux glaces de Venise miroitant dans l'ombre, où de belles dames en

ÉCOLES ALLEMANDE, FLAMANDE, ETC. lil

jupe de satin, en veste de velours, font de la musique, écoutent les propos galants ou avancent leur main vers un long verre à patte qu'un page emplit de vin des Canaries. Terburg est un de ceux qui aiment à nous révéler cette somptueuse vie hollandaise, si calme, si reposée, si confortable. Ses personnages sont francs d'allure et de mouvement ; ils ont vécu et ils vivent encore, grâce à l'art magique du peintre. Terburg exprime, d'une touche large et fine en même temps, les physionomies, les habits, les meubles et les accessoires. Il rend mieux que personne les cassures lumineuses elles ombres moirées du satin ; aussi u'est-il pas avare de cette précieuse étoffe et en donne-t-il une jupe à presque toutes les femmes qu'il représente. Le Militaire offrant des pièces d'or à une jeune femme, avec ses longs cheveux, sa cuirasse et ses larges bottes à chaudron, est le plus parfait type de reitre qu'on puisse imaginer. Il ne compte pas sur sa bonne mine et son éloquence pour se faire bien venir de cette jolie personne qu'on peut supposer, sans médisance, appartenir au demi-monde de 1650. Terburg, chose rare parmi les peintres de son pays, savait faire des femmes jeunes et gracieuses dans leur pâleur hollandaise rosée, sur laquelle flotte l'ombre Irausparcnle de longues boucles blondes. Comme elle est charmante, avec son petit air naïf, sa coiffure en nœuds de rubans, sa casaque jaune paille et sa jupe de salin blanc, la musicienne' du Concert, qui chante et bat la mesure 1 Elle est bien jolie aussi l'écolière de la Leron de musique, et l'on pourrait

concevoir de l'inquiétude pour le cœur du maître, s'il était Italien ou Français au lieu d'être Hollandais. Gérard Terburjj: n'est pas seulement un peintre de scènes familières, il faisait le portrait d'une façon remarquable, et, dans son tableau du Congrès de Munster, à force do gravité simple, de bonliomie sérieuse et d'observation exacte, il a fait le tableau d'histoire moderne le plus parfait.

Gaspar Netscher fut l'élève de Terburg; et apprit de lui à faire le satin en perfection ; mais il n'apprit pas que cela, car c'est un maître charmant que Netscher. Sa Leçon de citant, sa Leçon de dasse de viole sont des tableaux d'une finesse exquise.

La patience et la propreté hollandaises, poussées aux dernières limites, caractérisent le talent de Gérard Dow, et l'on ne se douterait guère, à voir ses œuvres, qu'il ait passé trois ans dans l'atelier de Rembrandt. Cela prouve du moins l'indépendance que le fougueux artiste laissait à ses élèves. Ce fini excessif qui plaît tant aux gens du monde et à certains amateurs ne détruisait pas chez Gérard Dow l'effet de l'ensemble , et chaque objet , minutieusement traité, restait à sa place. Il va mémo, dans la Femme hydropiqne, son chef-d'œuvre, un sentiment et une expression douloureuse et sympathique bien rendue, quoique l'artiste n'ait pas l'habitude de chercher le dramedanssa peinture, si calme, si polie, si soignée. Le musée possède plusieurs tableaux de ce maître, d'une qualité excellente et d'une conservation parfaite. Gérard Dow aiuiail à placer ses ligures dans le cadre d'une fenêtre : XÉpicière de village, la Cul-

smière, la Femriie accrochant v.n coq à v/n clou, le Troïiipelte offrent cette disposition. Dans cette bordure de pierre, le peintre groupe autour de sa figure tous les accessoires qui s'y rapportent : pots, aiguières, chaudrons, bouilloires, légumes, volailles, paniers, tapis, pans de rideaux, détaillés avec une finesse et une précision merveilleuses. Le Portrait de Gérard Dou\ peint par lui-même, est également vu à travers lembrasure d'une fenêtre. Citons le Peseur d'or, Y Arracheur de dents, et la Lecture de la Bible, où se trouvent les portraits du père et de la mère du peintre. Cette lecture pieuse n'est guère qu'un préleste à représenter un intérieur hollandais avec tout son monde de détails. Une vieille femme, assise près d'une fenêtre, lit le saint livre à un vieillard placé devant elle. Sur un tabouret, recouvert d'une serviette, est posé un plat de poisson. Au-dessus d'une armoire à panneaux luisants, un crucifix étend ses bras d'ivoire: un vase de cuivre, des oignons gisent à terre, près d'un rouet. Au fond, on distingue une échelle et un tonneau ; du plafond pendent une cage et une draperie dont le bout retombe sur une poutre.

On doit placer Gabriel .Metsu — c'est ainsi qu'il signe son nom — parmi les maîtres les plus habiles de l'école hollandaise. Il a un dessin juste et vrai, une couleur harmonieuse, une touche libre et facile. Chez lui chaque coup de pinceau bien posé exprime une forme , et ce n'est point en polissant et en blaireautant qu'il arrive au fini.

Notre musée possède de lui un chef-d'œuvre, le Marché aux herbes d'Aï/isterdain. Ce n'est pas,

commf^ on voit, un sujiM hénVùiue; mais la nature la plus vulgaire , quand on sait la comprendre et l'exprimer, suffit pour produire des pages remarquables. La scène se passe sur une place d'Amsterdam ombragée de grands arbres, qui laissent voir au fond des maisons à façade de brique et un canal sur lequel glissent dos barques. Le plus gai mouvement anime le composition. Ici, des paysans brouettant des denrées ; là, des bourgeoises, tout en écoutant les propos des galants, marchandent des légumes et de la volaille. Plus loin des commères se disputent les poings sur les hanches. Des chiens aboient après des coqs perchés sur des cages d'osier, et de vieilles femmes , Hébés de carrefour, versent des liqueurs à des ivrognes. Tout cela est vif, amusant, plein d'observation et peint avec une rare maestria.

Le Militaire recevant une jewie daine , la Leçon de musique rentrent dans le genre élégant pratiqué par Terburg et Netscher ; mais V Alchimiste , la Femme JioUandaise , la Cuisinière hollandaise appartiennent à ce genre familier, sans sujet précis, où les accessoires dominent, et dont le principal mérite consiste dans la perfeciion du rendu. L'art est chose si admirable, qu'il sait rendre intéressants des objets qu'on ne regarderait pas dans la nature , des ustensiles de cuisine, des bottes d'oignons, des bocaux, des pots de grès , du gibier, des poissons et de la volaille pluméç par quelque maritorne.

Franz Mieris, le Vieux, est encore un de ces peintres «jui excellent à rendre la vie intérieure hollandaise, avec son confortable, son luxe et sa propreté

minutieuse. Ses tableaux , de petite dimension et d'un fini excessif dans la manière de Gérard Dow, sont bien faits pour orner ces riches appartements aux cheminées en marbre de couleur, aux murs tendus de tapisseries de Flandre ou de cuir de Bohême, aux tables recouvertes de tapis turcs, aux lustres de cuivre jaune reluisant comme le chandelier à sept branches des synagogues. La Femme à sa toilette , le TM , une Famille flamande combinent avec art ces éléments de composition, qui, sous le pinceau des maîtres hollandais, ont produit tant de charmants tableaux. Willem van Mieris imite tant qu'il peut son père, qui fut son maître, et l'on regarde avec plaisir les Bulles de savon, le Marchand de gibier ei la Cuisinière, à travers la fenêtre qui leur forme un cadre.

Il n'y avait pas, parmi les peintres hollandais, que des élégants, occupés de cavaliers en bottes à chaudron et de belles dames en jupes de satin. Beaucoup ne montaient pas au salon et s'arrêtaient à la taverne du coin ou à l'auberge de la route, sans en avoir moins de valeur pour cela. Pour l'art, le haillon vaut le velours, le bouge enfumé le palais splendide, et le buveur au rire égueulé le petit maître s'épanouissanl dans ses grâces comme le paon dans sa roue. Adrien van Ostade n'est certes pas le peintre de la beauté ; il n'a fait que d'affreux petits bonshommes trapus, communs, balourds, fumant leur pipe ou buvant leur chope de bière dans des intérieurs aux inurailles brunes, éclairés par quelque vitrage à mailles de plomb , ou assis sur des bancs ombragés

d'une brindille de houblon à la porte des hôlelleries, écoutant un ménétrier ou un joueur de vielle. Mais tout cela est si juste de mouvement, si fin de ton, si baigne d'atmosphère, si imprégné de la vie rustique et populaire, qu'on trouve à les regarder un plaisir extrême. Ostade a su mettre une poésie dans cette vulgarité et en dégager le sens intime. Il entoure ces scènes triviales d'une couleur riche et sourde, d'un bien-être campagnard et d'une jovialité secrète. Il donne l'envie d'habiter une de ces chaumières endormies dans des ombres brunes où brille sous la vaste hotte de la cheminée le pétillement du l'oyer, La Faïdllle d'Adrien van Ostade nous montre le peintre tenant sa femme parla main au milieu de ses filles et de ses fils groupés dans un intérieur qui semble annoncer l'aisance. Le Maître d'école est une amusante composition peinte avec beaucoup de finesse et de naïveté et qu'animent les épisodes comiques d'une classe de village. Un Homme d'affaires dans son caljinet intéresse par la mine attentive du personnage consultant des paperasses et par la curiosité des détails toujours si bien traités tlans l'école hollandaise; \ Intérieur d'une chaumière, le Marc/té aux poissons, le Fumeur, le Bîiveiir, dit aussi le Vieillard joijeux, présentent Adrien van Ostade dans le vrai milieu de son talent et sont, dans leur genre, de petits chols-d'œuvre.

Ce n'est pas toujours un i)onheur (lue d'êlrc le Irère ou le (lis d'un homme célèbre. Même capable de briller ailleurs, on disparaît dans l'auréole trop voisine. Tel fut le cas d'Isaae van Ostade, le frère

puîné d'Adrien. Il avait aussi beaucoup de talent, et, avec un autre nom, il se fût fait aisément une gloire distincte. Quelquefois ses tableaux sont pris pour ceux de son frère, les meilleurs surtout. 11 a cependant , quand il veut, un accent à lui , et il rend un aspect particulier à la Hollande. Outre les haltes à la porte des auberges et les scènes de buveurs, il peint des effets d'hiver, des canaux gelés entre leurs rives plates, ou sous un ciel grisâtre , rayés par le fer des traîneaux et des patineurs, avec quelques bonshommes glissant un pied en l'air, quelques chevaux tirant des tonneaux, ou du bois ou de la paille, et à l'horizon des silhouettes de clochers, de hameaux et de moulins. On a devant ces tableaux, faits avec beaucoup d'observation, de naturel et d'esprit, un vif sentiment de la Hollande.

Brauwer et Craësbeke, son élève et son compagnon de débauche, ont peint d'une touche libre, d'une couleur chaude, des scènes de corps de garde et de tabagie. Rubens faisait le plus grand cas du talent de Brauwer, qu'il essaya de retirer de la vie crapuleuse qu'il menait. Mais au palais du somptueux artiste, l'indépendant mauvais garçon préférait la taverne et l'arrière-bouliquedesonami le boulanger Craësbeke , où l'on ne devait pas faire grande consommation de pain. Ces existences dissolues, que termine une mort précoce et misérable, inspirent do tristes réflexions. Mais que voulez-vous , la peinture préfère quelquefois ces drôles effrénés à de bons sujets bien appliqués et bien sages.

Jamais école ne fut plus féconde. Les noms se

148 MUSÉE Dl LOUVRE.

succèdent, tous célèbres, tous significatifs, d'un talent original ou particulier, et nous sommes loin d'avoir épuisé la liste. Notre notice n'est pas grande comme la galerie du Louvre , et nous avons peine à garder pour chacun sa petite place, même en n'indiquant que d'un mot, que d'un Irait, telle œuvre qui demanderait un long paragraplie. Il nous reste encore à parler des peintres de paysage, de marines, de perspectives d'intérieur et de ville, de portraits, de fleurs, de nature, toute une armée dont le dénombrement seul tiendrait un volume.

Uuysdaël, dont nous avons déjà célébré le talent, est, certes, le plus grand paysagiste de Hollande. C'est aussi un grand artiste que Minder-Hout Hobbema. Après sa mort, dont on ignore la date précise, la renommée de ce peintre, qui dut être apprécié de son vivant, subit, on ne sait pourquoi, une longue éclipse. Il disparut dans l'oubli avec tout son œuvre, et ne reparut aux ventes (|ue vers 1730. Mais on ne taisait aucun cas de ses tableaux, qu'on paye aujourd'hui des sommes folles. Ils se vendaient à bas prix et souvent, pour leur donner de la valeur, on en eflaçait la signature et l'un y substituait celle de peintres plus en vogue : de Huysdaël, donl il .se rapproche, ou de Dekker. Son onivi-e ainsi débaptisé se fondit peu ù peu dans celui d'autres artistes, et les tableaux d'Hobbema authentiques sont devenus d'une excessive rareté. \ la célèbre vente de Patureau, les Moulins montèrent à cent mille francs, llobbcma n'a pas la poésie de Huysdaël, mais il possède un profond sentiment de la nature, et il exprime d'une

manière admirable la puissante vie végétale de la forêt. Ses vieux chênes, au tronc rugueux, aux fortes branches, aux feuilles épaisses, sont pleins de sève, et ses dessous de bois, où cheminent des bûcherons ou des paysannes , ont bien la fraîcheur humide de la Hollande ; tel est le tableau qu'on admire au musée. A ce spécimen unique est venu se joindre, depuis peu, une répétition en petit des Moulins, où l'on voit qu'Hobbema peignait aussi bien la fabrique que l'arbre. Ces constructions de briques, de plâtre et de planches ont toute la solidité d'un Van der Meer.

Autant Hobbema est robuste, autant Wynants est fin et délicat. La Lisière de forêt et le Paysage, dont les figures et les animaux sont de Van den Velde, se distinguent par la finesse du ton , la légèreté de la touche et la précision du pinceau. Wynants affectionne pour ses feuillages et ses gazons une certaine nuance vert-de-grisée, qui contraste heureusement avec l'ocre des terrains sablonneux et le gris de perle des ciels çà et là fouettés d'azur. — Le second Paysage, qu'anime un cavalier précédé d'un valet portant des faucons, moins compliqué dans sa composition, nous paraît, des trois tableaux de \V\nanls, le plus remarquable.

Adrien Van den Velde, l'élève de Wynants, qui peuplait de figures et d'animaux les paysages de .son maître, rendit le même service à Van der fleyden, Hobbema, Moucheron et bien d'autres. 11 peignait le paysage et la marine d'une façon sinq)le, naturelle et vraie, et n'avait pas besoin d'un pinceau étranger pour les

150 MISEE DU LOUVRE.

orner do personnages. Sa couleur est claire, limpide, procédant par grandes localités. Le musée possède de Van den Velde la Plage de Scheveningen, sur laquelle se promène le prince d'Orange en carrosse attelé de six chevaux blancs; trois Paysages , avec animaux; la Famille du jxUre et un Canal glacé. Mais quelque mérite qu'ait Adrien Van den Velde, il doit céder le pas à son frère Willem Van den Velde , un de CCS cadets qui se font les aînés de la famille. Willem est un excellent peintre de marine. Il rend à merveille le ciel blafard du Nord, reflété par des eaux grises oi^i glissent, comme entre deux brouillards, les grands vaisseaux de guerre aux châteaux sculptés, les koffs aux larges voiles rousses et les barques manœuvrées par des rameurs. Le musée possède deux tableaux de Willem Van den Velde : une Marine et V Escadre hollandaise au mouillage, qui résument très bien la manière du maître, quoique la dernière de ces toiles soit un peu fatiguée.

Si Willem Van den Velde excelle dans la peinture du calme , Ludolph JJakhuysen se plaît aux effets de tempête, aux mers houleuses, aux voiles inclinées sous le vent. Il étudiait l'orage et les fureurs de rOcéan, même au péril de sa vie, en se risquant sur quelque petite barque pour mieux se rendre compte (lu déchaînement des vagues et du rejaillissement de l'écume. Mais cette fougue et cette recherche de l'effet dramatique n'excluent pas chez Bakhuysen la précision et l'exactitude. Ses bâtiments ne sont pas des vaisseaux de fantaisie. Le constructeur et le matelot ne trouveraient rien à redire à leur coupe

ni à leur gréement. Bakhuysen. qui commença par être un remarquable callig:raphe, trace ses cordages d'une main aussi sûre que ses déliés et ses parafes à la plume . et dans ce désordre des éléments, il n"y a jamais la plus légère erreur nautique.

Si Venise a Canaletto, Amsterdam a Van der Heyden , son portraitiste fidèle : Van der Heyden, le peintre des canaux, des maisons au toit denticulé, des églises à clochers bizarres, des hôtels de ville et des moulins d'épuisement. Les tableaux de Van der Heyden produisent l'efTet de la nature vue à la chambre noire. C'est la même harmonie générale, la même douceur d'aspect avec l'infini du détail qui ne trouble en rien l'ensemble, tant chaque chose reste à sa place. Dans ces façades rougeàtres, chaque joint de brique est visible; mais la muraille garde sa localité large et simple. La perfection en ce genre ne saurait guère aller plus loin. La vue de la Maison de ville d'Amsterdam, sur la place du Dam, V Église et Place d'une tille de Hollande , le Village au bord d'un canal sont des merveilles de vérité, de couleur et de fini. Les figures et les barques dont Adrien et Willem Van den Velde ont animé ces toiles si parfaites en augmentent encore le prix.

Peter Neefs, lui, s'est fait une spécialité un peu restreinte, mais dans laquelle il n'a guère de rivaux. Il a consacré son talent à peindre des intérieurs d'églises gothiques avec une grande exactitude de perspective et une netteté remarquable de pinceau. On pourrait lui reprocher une rigueur de lignes et une certaine sécheresse de détail , qui nuisent à

l'effet. L'architecte parfois gène le peintre et ne veut rien sacrifier. 11 manque à ces vues si parfaites un peu de vague, un peu de mystère et cette certaine horreur religieuse qu'on éprouve sous les hautes voûtes des cathédrales. Huit ou dix tableaux de Peter Neefs, dont le plus important est un Saint Pierre délivré de prison, figurent au musée du Louvre.

Dans cette école, qui n'obéit pas à un idéal uni([ue, chaque artiste se fait une sorte de domaine sur un coin de nature qu'il cultive assidûment. Aart van der Neer a pris pour thème de ses tableaux les clairs de lune, les couchers de soleil et les effets d'hiver. Il sait faire miroiter, sur les eaux endormies d'un canal, le reflet rougoâtre du soir ou la traînée d'argent de la lune , dont le disque , traversé de légers nuages, brille derrière les fines branches des arbres, ou la silhouette d'un village surmonté de son clocher, et noyer, dans le mystère des demi-teintes vaporeuses, les formes des objets estompés par la nuit. Sa touche floue convient à ce genre de sujets. Le Bord d'un canal en Hollande, le Village traversé d'une route représentent au musée les deux notes de Van der Neer : la note rouge et la note bleue.

Jusqu'à présent, nous nous sommes occupé des peintres du terroir, (pii ne sont pas éloignés des polders et de la Campine. Mais les Flandres et la Hollande ont eu aussi leurs artistes voyageurs, leurs O'omains, comme on disait alors de ceux qui avaient fait leur pèlerinage d'ilalic. Parmi eux figurent des artistes d'un vrai talent ; mais nous leur préférons

comme saveur les peintres qui se contentaient des types, de la nature et du goût de leur pays. Lltalie, avec sa lumière vive, sa couleur mate et son dessin arrêté , a souvent troublé ceux qui allaient lui demander des inspirations qu'ils auraient trouvées chez eux, dans un milieu plus convenable à leur tempérament. Ceci est vrai surtout pour les peintres de genre et de paysage.

Karel du Jardin fut un de ces amoureux de l'Italie, où il passa une grande partie de son existence aventureuse. 11 préféra, à sa vrlle natale d'Amsterdam, Venise où il revint mourir, après avoir été à Rome un des confrères de la joyeuse bande académique et s'être marié en France, à Lyon.

Il y a au musée du Louvre, de Karel du Jardin, un Cahaire très estimable, peinture bien composée, bien dessinée et d'une bonne couleur; mais ce n'est pas là que brille son originalité. Si vous voulez voir le vrai Karel du Jardin, regardez ces Charlatans italiens , ce Polichinelle, qui passe la tête à travers les toiles de la baraque, et ce Scaramouche faisant la parade et se démanchant en poses grotesques sur des tréteaux que supportent des barriques, pendant qu'Arlequin au bas de l'estrade chatouille le ventre d'une guitare pour la faire rire. Des hommes, des femmes, des enfants, écoutent bouche béante les lazzi du boulTon, et un jeune garçon, juché sur le dos d'un mulet richement harnaché, se trouve aux premières loges. Un coloris vague, joyeux et clair revêt cette scène grotesque à laquelle la touche spirituelle du peintre donne une grande valeur. Le

Gué rappelle ritalie par le caractère du site, la nudité des montagneset réclat de la lumière. Dans le Pfilv.rage, le Bocage, et les trois Paysages peuplés d'animaux , Karel l'ait un retour vers les arbres verdoyants et les fraîches herbes de la Hollande.

Jean Doth, qu'on appelle Botli (ïllalie, est encore un de ces fugitifs attirés au delà des monts par le soleil et qui ne revinrent pas au nid. Both, grand admirateur de Claude Lorrain , Tétudia beaucoup et chercha à lui dérober le secret de cette lumière blonde qui enveloppe ses tableaux ; il se plaît à représenter des routes se dirigeant à travers les arbres, les rochers et les accidents de terrain vers quoique ville lointaine, ou quelque vallée anfraclueuse éclairée en écharpc par les rayons du soleil couchant. Tels sont les deux cadres que possède le musée. Andrics Both, frère de Jean, peuplait de figurines spirituellement touchées, à la manière de Pierre de Laar, les paysages de son frère, et souvent même ils peignaient en commun avec un talent égal. Il est difficile de reconnaître où commence Andries et où finit Jean.

Quoiqu'il soit né à Anvers, Paul Bril ne peut guère être considéré comme un peintre flamand. Il s'était si bien italianisé que plusieurs de ses tableaux sont signés « Paolo Brilli. » Il mourut à Home où il était allé rejoindre son frère iMatthieu, excellent paysagiste, dont il fut l'c'lève et qu'il surpassa. Ses paysages, grandement composés et parfois d'un vert un peu cru, servent de fond à des scènes mylhologi- ([ues; ainsi l'on voil dans l'un Diane et les nymphes;

ÉCOLES ALLEMANDE, FLAMANDE, ETC. 15b

dans l'autre , Pan et S\ rinx ; dans un troisième , saint Jérôme, accompagné de sun lion, s'agenouille devant un crucifix dans un site d'une aridité érémitique. Tous sont historiés de figures plus importantes que les quilles qui ùtent ordinairement leur solitude aux paysages. Le goût italien y domine.

Adam Pynacker fit aussi son tour d'Italie et, de retour en Hollande, il peignit pour les châteaux et les riches habitations de grands panneaux d'une touche libre et légère, où il mettait à profit les études de ruines, de monuments antiques et de sites pittoresques qu'il avait faites pendant son voyage. La plupart de ces tableaux décoratifs ont disparu avec les édifices qu'ils ornaient, et il ne reste de Pynacker que des cadres de dimension plus petite, des paysages égayés d'animaux et de figurines touchés avec beaucoup d'esprit. Nous n'en finirions pas si nous voulions donner la liste complète de tous ces vagabonds de l'art.

Nous sommes forcé de négliger la dynastie des Breughel : Breughel le Drùle, Breughel de Velours, Breughel d'Enfer, peintres originaux et singuliers, dont Breughel de Velours est le plus connu avec ses paysages qui s'évanouissent en lointains d'un azur idéal et dont toutes les bêtes du Paradis peintes avec une délicatesse de touche exquise et un merveilleux éclat de coloris peuplent les premiers plans.

Dietrich a imité Rembrandt, son maître de prédilection, pour le caractère des personnages, le style de l'architecture et des costumes et la tonalité bitumineuse de la couleur, mais il va sans dire qu'il

reste bien loin de son prototype, car le serviteur marche derrière le maître, comme disait Michel- Ange. Cependant Dietrich est un peintre de mérite, dont les ouvrages furent recherchés jadis plus qu'ils ne le sont aujourd'hui. La Femme adultère est conçue dans un goût renibranesque. Le Christ parlant aux Pharisiens, la pécheresse debout devant lui avec une attitude humiliée, les colonnes du temple reliées par des tribunes, rappellent certaines eaux-fortes du maître.

Mais nous n"avons encore rien dit des peintres d'animauN. Paul Polter, mort à vingt-neuf ans, et qui dès l'âge de quatorze ans faisait des chefsd'oeuvre, est un maître de premier ordre que les plus riches galeries se disputent. Il ne peignit que des chevaux, des bœufs et des moutons; mais quel naturel, quelle vérité, quelle vie, quelle exécution merveilleuse ! Un bœuf couché dans l'herbe , une vache humant Pair de ses naseaux humides, un cheval qui boit, un chien qui jappe, avec un fond de prairie, un ciel gris sur lequel se détaclient les silhouettes d'un arbre ou d'une chaumière, il ne lui en faut pas davantage pour faire un tableau ([ue l'on couvre d'or. Paul Polter, c'est la naïveté dans la perfection.

Albert Cuyp, si recherché aujourd'hui et à juste litre, n'oblint pas une grande vogue de son vivant, et ses tableaux se vendaient à bas prix ; il était trop simple, trop vrai, trop large d'exécution. Ses compositions naïves n'avaient pas ce piciuant qui réveille le goût blasé de l'amateur. Sous beaucoup de rap-

ÉCOLES ALLEMANDE, FLAMANDE, ETC. Ia7

ports, sa manière se rapproche de celle des frères Lenain, si lonp:temps méconnus en France, mais sa couleur est plus chaude et sa palette moins réduite aux tons gris. Le Départ pour la promenade représente un cavalier vêtu de rouge sur un cheval gris pommelé; un serviteur lui remet les guides et lui tient rétricr; un autre cavalier, vêtu de noir, sort d'une porte basse, et deux chiens au premier plan attendent qu'on se mette en marche. La Promenade est un sujet analogue qui contient trois cavaliers, dont l'un reçoit des perdrix que lui offre un gardechasse accompagné de deux chiens. Un Paysage, un Portrait d'homme, un Portrait d'enfant et une Marine montrent la flexibilité du talent de Cuyp, et nous regrettons de ne pouvoir lui consacrer un plus long alinéa.

On s'étonne de la fécondité de Berghem, fécondité qui ne nuisit en rien à la perfection de ses tableaux. Une grande assiduité au travail et une infaillible certitude d'exécution l'expliquent. Berghem a varié à l'infini un petit nombre de thèmes, et ces variations sont toujours agréables. Le passage du bac, le gué, le pâturage, le paysage avec animaux se reproduisent sans cesse sous son pinceau et ne causent jamais d'ennui, tant sa couleur est limpide, sa touche spirituelle et son mélange de gens et de bêtes ingénieusement disposé. Berghem ne se refuse pas de temps à autre le ragoût d'une jolie fille juchée sur les paniers d'un âne ou relevant sa jupe pour passer un ruisseau.

Si tous ces artistes ont bien peint les animaux vi-

loS 31 USEE DL" LU L VUE.

vanls, Weenincx a peint admirablement ce qu'on appelle la nature morte. Quels superbes lièvres au ventre blanc, au dos roux, pendus par une patte, au milieu dun tropbée de gibier ! Quelle palette pour rendre les ors verts, les iapis-lazuli du plumage des paons et le feu d'artifice ocelle de leur queue !

C'étaient d'admirables portraitistes que Van der Helst et François liais! Ils se soutiennent non sans honneur à côté des llembrandt, des Uubens et des Van Dyck.

Maintenant nous pouvons relever notre tète si longtemps penchée vers ces petits cadres, merveilles de fini , et contempler les austères peintures de Philippe de Cbampaigne, ce Poussin janséniste : le BcpiiH chez Si/iWii le Pharisien, le CIrrLsl célébrant la Pàqice avec ses disciples, le Christ en croix, et surtout cette singulière et caractéristique peinture, où Ion voit la sœur Sainte-Suzanne (la fille de Philippe de Cbampaigne, religieuse à Port-Royal) assise les pieds allongés sur un tabouret, les mains jointes, pendant que la mère Calberine-Agnès Arnauld , à genoux, implore du ciel la guérison de Id malade, ({ui revint effectivement à la santé, comme le constate l'inscription tracée sur le tableau. Quand on a vu cette peinture, on connaît aussi bien l'ort-Uoyal que si l'on avait lu le volumineux ouvrage de Sainte- Beuve. Quels admirables portraits que ceux du cardinal-duc Armand de Richelieu, et de cette femme d'une pâleur exsangue, vêtue de marron et coiffée d'une gaze noire, qu'on croit èlre madame Arnauld, sœur de N. Arnauld, et dont la mère Angélique était

la fille 1 Quel masque effrayant dans sa douceur morte que n'anime aucun des sentiments terrestres !

Les Portraits de Porbus, d'après Henri IV et Catherine de Médicis , ont la valeur de documents historiques. Leur sincérité absolue raconte les personnages peints comme ne le feraient pas les chroniques les mieux renseignées et les mémoires les plus minutieux.

Dans cette portion de la galerie, Van Dyck règne en souverain, sans redouter le voisinage de Rubens. Non moins coloriste, mais plus fin, plus élégant que son maître, Van Dyck semble créé pour reproduire sur la toile les rois, les princes, les duchesses, tout ce monde de la haute vie, fin de race, aristocratique d'allure, d'une magnificence héréditaire et marchant au-dessus de la multitude comme les dieux marchent sur les nuages. Il a peint d'une touche aisée et noble, avec une couleur brillante, mais vigoureuse, et une pénétration rapide du caractère , dans ces courtes séances que donnent les grands, des tètes qu'on ne reverra plus, des masques dont le moule est brisé, des expressions d'existence à jamais évanouies. Van Dyck est le vrai peintre de l'aristocratie. Les palais de Gènes et de ^Vindso^ Tattestent. Lui-même, comme on le voit dans son portrait, avait la grâce cavalière, l'air vif et dégagé de l'homme du monde. Nous ne reviendrons pas sur le Portrait de Charles ^^ dont nous avons parl('' , et nous citerons le magnili(|ue Portrait équestre de François de Moncade, marquis d'Ayona, généralissime des troupes espagnoles dans

les Pays-Bas, dipjne de Titien et de Vélasqiiez; les Enfants de Charles T'; le prince de Galles; le duc d'York et la princesse Marie; Charles-Louis, duc de Bavière, et le prince Rupert revêtu de son armure ; le duc de Uichemond; une Darne et sa fille, merveilleuses peintures pleines de vie et de couleur et d'une élégance que nul peintre n'a possédée comme lui.

L'immense réputation de Van Dyck portraitiste fait parfois un ppu trop oublier qu'il est un excellent peintre d'histoire et qu'il a traité des sujets religieux, histori(iues ou mythologiques avec une grande supériorité; souvent il égale son maître Ruhens. S'il a moins d'éclat et d'énergie, en revanche il a plus d'éh'gance, de tendresse et de goût. La Vierge et r En faut Jésus, le Christ pleuré parla Vierge et les anges , Vénus demandant à Vulcain des armes pour Énée , Renaud et Armide, sont des toiles de premier ordre également remarquables par la composition, le dessin et la couleur. Van Dyck ne s'est pas absorbé dans le génie de Rubens, et il a su garder à côté du maître une indéniable originalité.

Nous voilà arrivés au bout de la galerie, non sans avoir été obligés de passer sous silence bien des artistes rocomniandabies éteints par la gloire de Rubens, comme les étoiles par le soleil : Otto Venius, Crayer et bien d'autres ; nous n'avons souvent pu ({ue nommer (|uelques-uns de ces « petits maîtres, » joie et délices des amateurs, et il nous a fallu renoncer à suivre jusqu'au bout cet art qui eut pour tombeau la tulipe de Van Huysum.

Au bout de cette galerie, ((u'iiUerrompeiit les travaux du Louvre, on tourne à droite, et l'on se trouve dans une salie où sont rassemblés quelques tableaux de l'ancienne école française, si peu connue, et qui pourtant mérite de l'être. Il y a toujours eu des peintres en France , et l'on est souvent allé chercher ailleurs ce qu'on avait chez soi sous la main. Jean Cousin figure dans cette salle avec son Jugement dernier, vaste composition qu'enserre un petit cadre et qui, pour la vigueur de la conception , la variété des groupes, la science anatomique, fait pensera Michel- Ange. Au premier plan, des anges armés de faucilles, moissonneurs de la mort, emportent de leurs sillons les gerbes de trépassés, qui tressaillent au son de la grande trompette. Les élus se dirigent vers la Jérusalem céleste , les réprouvés se précipitent, poussés par les démons, dans les noires cavernes de l'enfer ou courent çà et là pour éviter le châtiment; des châteaux en ruine, des villes détruites, montrent (jue la fin du monde est arrivée. Dans le haut du tableau, le Christ apparaît au milieu de sa gloire, les pieds sur le globe terrestre , entouré d'anges, d'apùtres, de saints, d'élus. Sa pose est sévère, majestueuse et terrible : le Sauveur s'est chsngé en juge! Certes, c'est là l'œuvre d'un grand

If,-2 MISÉE DU LOUVRE.

peintre, et cependant on n'a que bien peu de détails certains sur sa vie. On sait seulement qu'elle fut très longue : que sont devenus les nombreux chefsd'œuvre d'un maître qui vécut près de quatre-vingtneuf ans? Ses œuvres authentiques sont très rares; presque toutes ont disparu ou ont été détruites. Le seul tableau à l'huile qui soit resté de lui est le Jugement dernier du Louvre. Comme tous les grands artistes delà lîenaissance, Jean Cousin était un génie encyclopédique; il excellait dans la peinture sur verre, comme le témoignent les vitraux de plusieurs églises et cathédrales; il était aussi sculpteur, et sa statue du mausolée de Philippe de Chabot, fait prisonnier avec François P"" à la bataille de Pavie, montre qu'il se servait du ciseau non moins bien que de la brosse. Qu'a-t-il manqué à Jean Cousin pour tenir dans la postérité le rang qui lui est dû ? un biographe, un Vasari.

Quel maître charmant que François Clouel ! un Ilolbein fin, gracieux, élégant, avec toutes les qualités françaises. lUen de plus délicat que sa manière de peindre, (jui ferait paraître grossières les miniatures les plus achevées. Sa couleur est claire, ses ombres sont d'une légèreté extrême, comme s'il craignait d"y dérober (luehpie détail intéressant; mais dans cette pâleur, quand Tceil s'y est habitué, quelle recherche du modelé, quel rendu et quelle précision! On dirait une de ces médailles méplates dont le faible relief n'empêche pas de distinguer les plans, et qui produisent l'illusion dune ronde-bosse. Et quel soin, quel goût , quel fini, quelle fidélité dans

ÉCOLE FRANÇAISE. \iV.i

les costumes, les ajustements, les armes et les joyaux des illustres personnages, princes ou princesses qu'il représente! Aucun sacrifice, aucune partie cachée, et pourtant, de ce monde de détails, rien ne se détache et ne trouble l'harmonie. C'est bien le peintre des Valois, ces rois artistes, parés et coquets comme des l'emmes.

Quel chef-d'œuvre que le Portrait cl' Elisabeth (T AîUriche , reine de France, femme de Charles IX! On ne saurait pousser plus loin la finesse, l'exactitude et la perfection du dessin ; sur ce délicat linéament s'étale une couleur d'une suavité pâle, plus vraie que les tapages de tons des peintres dits coloristes, et qu'on sent être lexpression même de la nature : quoique le modèle de ce délicieux portrait ne soit plus qu'une pincée de cendre, si même cette cendre existe, on en peut affirmer la ressemblance. Oui, c'est bien Elisabeth, femme de Charles IX. Elle vit tout entière dans son petit cadre : les mains posées l'une sur l'autre avec un mouvement plein de grâce, sont des merveilles, fluettes, transparentes, tendres comme des pétales de lis, des mains vraiment royales! Le costume, d'une élégance et d'une richesse compliquées, est constellé de perles, de joyaux, de boulons émaillés, de pierreries, qui font presque disparaître le corsage de brocart d'or damassé d'argent, avec sa fraise godronnée; et la chemisette de gaze à bouillons semble porter défi aux Biaise Desgod'es de l'avenir.

Le Portrait de Charles IX n'est pas moins admirable que celui d'iilisabeth. Cette seule figure donne

164 MCSËE DU LOUVRE.

toute la physionomie d'une épo(iue, tout le sens d'un règne. Nulle page d'histoire , fùt-elle de Michelet , n'en dit autant que ce petit panneau de trente-deux centimètres de haut sur vingt-sept de large ; c'est bien là le jeune roi, amant de Marie Touchet, un peu poète, un peu fou, grand chasseur et fantasquemont cruel, que la Saint-Barlhélemy a marqué d'une note sanglante.

Il est là tout entier, aussi réel que s'il posait devant vous, dans son justaucorps de velours noir rayé d'entrelacs d'or, avec ces chausses de satin blanc, sa petite loque noire à plumes blanches, et la main à la garde de son épée.

Des portraits de l'école de Clouet : François I"'', Henri II, François de Lorraine, Charles de Cossé, comte de Brissac, remarquables pourtant par l'exécution, mollirent la distance qui sépare les imitateurs du maître; il y a aussi : un portrait de Jean Foucquet, le savant miniaturiste du livre d'heures de maître Eslienne Chevallier; un autre très curieux du duc de Montmorency, avec la devise grecque apîanos; quelques tableaux sur fond d'or d'artistes inconnus représentant des sujets de piélé et qui valent ceux des écoles étrangères qu'on admire.

On voit, dans celle salle, une grande toile de Martin Fréminel, qui travailla à Fontainebleau, dont il peignit la chapelle ; mais ici nous avons affaire à un artiste dont l'éducation s'acheva en Italie, où il s'était lié avec le Caravage et le .losepin. Mercure conseillant à Énée d'abandonner Didon, tel est le sujet de cette ^composition traitée d'une façon large

et décorative, comme celle des peintres qui ont l'habitude d'avoir des murailles pour champ. Didon, couchée à demi nue sur un lit de repos, essaye des séductions inutiles. Énée regarde le dieu qui lui montre le chemin, et un Amour lui attache son cothurne.

Gourmont est un artiste singulier : il donne pour fond à des sujets religieux des architectures compliquées et mystérieuses, de bizarres perspectives de monuments imaginaires. La Nativité, que le Louvre possède, est conçue dans ce goût.

La salle voisine est occupée tout entière par Le Sueur, une des plus pures gloires de l'école française. La légende a fait d'Eustache Le Sueur un génie malheureux et persécuté, en proie aux jalousies de Lebrun, usant dans le travail et la pauvreté une vie mélancolique, et finissant par demander au cloître un repos que le monde lui refusait. Tout ce roman, d'un intérêt vulgaire, et fait à l'usage des âmes sensibles, a été démoli pièce à pièce, et Le Sueur n'en reste pas moins le tendre et chaste génie que ses œuvres révèlent. Il ne voulut jamais aller à Rome, mais qu'avait-il besoin d'aller chercher, dans un lointain pèlerinage, ce qu'il possédait en luimême, et d'ailleurs est-il nécessaire de passer les monts pour étudier les maîtres?

La Vie de saint Bruno, peinte pour le cloître des Chartreux de la rue d'Enfer, est sinon le chefd'œuvre de Le Sueur, du moins son œuvre la plus caractéristique et la plus populaire. Quand on prononce son nom, c'est à la Vie de saint Bruno qu'on pense tout d'abord. Cette suite ne compte pas moins

de viiipft-deiix tableaux, (}iii étaient placés dans les arcs formés par les pilastres du cloître. Tous ne sont pas de la main du maître, qui, dit-on, se fit aider pour mener à fin cet important travail; mais son inspiration est partout, et la plus p^rande unité règne dans cette galerie de la vie monastique.

Quelle dilTérence entre les moines de Le Sueur et les moines de Zurbaran, et qu'il y a loin de la fendre piété du peintre français à la faroucbe dévotion du peintre espagnol! Les moines de Le Sueur pensent au ciel, les moines de Zurbaran pensent à l'enfer. Si les uns mortifient leur chair, c'est pour la spiritualiser, les autres pour la punir. Le Sueur a l'onction et Zurbaran la terreur. Quelles sombres fantasmagories d'épouvante Zurbaran eùt-il évoquées pour la mort de Raymond Diocrès, que déjà le démon réclame et pour cette scène si dramatique des funérailles, où le cadavre se relève de sa bière avouant qu'il a été justement condamné! Mais ces violences iraient mal à l'âme tendre de l'artiste français, qui s'attache à la partie morale du sujet et en atténue l'horreur physique. Tout est maintenu dans une gammo pâle et douce où éclatent, au commencement, quelques draperies de cet outremer intense qu'on retrouve chez Philippe de Champaigne, Lebrun, .Mignard et autres peintres de l'époque, et qui n'a pas suivi la dégradation lente des teintes. Ce qui frappe, dans celte longue légende historiée, c'est la sinq)licité de la composition, le dégagement du détail et de l'accessoire, la sobriété des moyens d'exécution, le petit nombre des tons employés et surtout l'air humble,

ÉCOLE FUA.NÇAlSt:. 107

fervent et convaincu des tètes. Un est bien hors du siècle, comme on disait alors, dans cette atmosphère claustrale où rien du monde ne parvient, où les couleurs s'évanouissent, et où la terre n'est plus qu'un brouillard qui, en se déchirant, laissera voir le ciel. Parmi ces tableaux, représentant la Coni-ersion de saint Bruno à la mort de Diocrès, sa Renonciation aie monde, V Apparition des anges au saint endormi, la Fondation du Monastère, sa Prière en cellule, et divers autres épisodes, il en est un devant lequel la foule s'arrête avec admiration : c'est la Mort de saint Bruno, le chef-d'œuvre de Le Sueur et un des chefs-d'œuvre de la peinture. Le saint, étendu les mains jointes sur le grabat de l'agonie, expire après s'être publiquement confessé. Un chartreux, le crucifix en main, déplore avec les moines la perte que l'ordre vient de faire. A la tête et aux pieds du mort, quatre frères psalmodient les prières funèbres, et un autre se prosterne la face contre le plancher, dans un anéantissement d'humilité et de ferveur. La lueur d'un cierge unique fait glisser ses reflets blafards sur ces frocs blancs, semblables à des suaires, sur ces murs blanchis comme les parois du sépulcre, sur ce plancher nu, qui rappelle les ais d'une bière, et une tristesse pénétrante se dégage de cette toile presque monochrome.

On se tromperait en croyant qu'Eustache Le Sueur est un peintre purement ascétique, et dont le talent se borne aux sujets de piété. Il possède la grâce aussi bien que l'onction; grâce chaste et tendre, mais qui peut sourire aimablement dans les

scènes mythologiques. Les peinlures du Cabinet de rAmour, à Ihùlel Lambert, qu'aujourd'hui on voit au musée du Louvre, montrent l'artiste sous un aspect nouveau. C'est l'histoire de Cupidon, sa naissance, sa présentation à Jupiter, et les dilTérents épisodes de sa vie céleste. Ici réprimandé par sa mère, il se réfugie entre les bras de Cérès, là il reçoit les hommages des dieux; plus loin, il ordonne à .Mercure d'annoncer son pouvoir à l'univers, ou bien encore il dérobe la foudre au maître des Olympiens. Tout cela est d'un ton clair, léger, brillant, comme il convient à des peintures décoratives faites pour des places spéciales. Les tètes ont un caractère charmant de douceur sereine et de volupté naïve, dont le reflet se retrouvera plus tard dans la grâce de Prudhon. Les formes des corps sont ondoyantes et souples, dun goût élégant et pur que ne raidit pas la stricte imitation de l'antique.

Les Neuf Muses, peintes en diiïérents tableaux pour la chambre à coucher de .Al'"° de Thorigny, à l'hôtel Lambert, ce merveilleux sanctuaire plein de chefs-d'œuvre, ont, isolées ou groupées, un charme inexprimable. Elles sont antiques et cependant bien françaises, et la dame chez elles se devine sous la déesse. Dans un salon elles seraient aussi à leur aise que sur le sommet du Pinde et cependant n'allez pas croire à des précieuses. Rien de plus simple, de plus naturel que leurs poses. Elles regardent doucement devant elles avec un vague sourire, se donnant une contenance par l'attribut qu'elles tiennent : masque, lyre, tablettes, comme par un

éventail dont on jouerait négligemment; et leurs types se retrouveraient dans les gravures de Sébastien Leclerc. C'est une antiquité charmante, un peu modernisée comme dans les tragédies de Racine, adoucie, attendrie, une antiquité ayant du monde et de la politesse; mais Le Sueur a. de plus que le poète, une ingénuité virginale, un fonds de candeur inaltérable, et, quoiqu'on sente que ses Muses ont été peintes sous Louis XIV, elles n'en sont pas moins, par leur beauté tranquille et leur grâce décente, les sœurs cadettes de ces belles figures de la Poésie, de la Théologie, de la Justice, que Raphaël a peintes dans les tympans et les voussures des chambres du Vatican. Eustache Le Sueur peut s'asseoir modestement aux pieds du divin Sanzio.

Dans la même salle se trouvent quelques peintures de Vouet, de Lahyre et de Mosnier.

Le couloir qui rejoint la galerie nouvelle de l'école française contient les Ports de mer de France, de Joseph Vernet, le chef de la dynastie des Vernet, le père de Carie, le grand-père d'Horace. Nous n'essayerons pas de décrire les unes après les autres ces 'eues si remarquables et qui resteront longtemps encore les modèles du genre. Joseph Vernet est un grand artiste, et s'il faut rabattre de l'admiration que professait pour lui Diderot, il doit en rester quelque chose. Ce n'est pas un simple peintre de marine. Quoiqu'il n'ait guère de rivaux en ce genre, il compose à merveille un tableau, cet art presque perdu aujourd'hui. Les figures dont il anime ses toiles sont d'un dessin libre et juste, touchées spirituellement et

ont de rimportauce dans le paysage. Les Ports de mer de France reproduisent le fourmillement actif et joyeux de la réalité, et les petits personnages de chaque ville maritime ont bien le caractère de la province. Joseph Vernet demeura vingt ans en Italie, mais il n'oubliait pas pour cela son pays natal. Il était de loin fort assidu aux Salons. Nul peintre n'a plus étudié que lui les jeux de ratmosplière, les variations de la lumière aux différentes heures du jour, les aurores, les nuits, les couchers du soleil, les effets de lune, et il se piquait de pouvoir rendre d'une manière reconnaissable précisément telle heure de la journée. Ses eaux sont limpides, transparentes, mobiles; ses vagues s'enchaînent bien et se brisent d'une façon naturelle; ses rochers, ses broussailles, ses arbres, un peu dans le genre de Salvator Rosa, ont de l'accent et du pittoresque. Son coloris lumineux change en argent l'or de Claude Lorrain.

Des Hubert Robert, des Hoslin, des Drouais et des Hue accompagnent les Joseph Vernet.

U.\l.tlUr DK 1. KCOLi: IRA MAI SE.

La nouvelle galerie française, (|ue le pavillon Denon sépare en deux travées, contient dans la première, en revenant du fond, les ouvrages des peintres français de Louis Xlll à Louis XIV ou à pou près, car l'ordre chronologi(iue n'a pas été rigoureusement

suivi. Là, figurent Poussin, Vouet, Jouvenet, Le Sueur, Lebrun, Sébastien Bourdon, Mignard, Rigaud, Santerre, Vaientin, Claude Lorrain, Lahyre, de la Fosse, Lefèvre.

Le Sueur, dont nous avons déjà décrit bien des tableaux, en compte encore un grand nombre dans cette galerie : le plus important est la Prédication de saint Paul à Éphèse. L'apôtre, debout sur les marches d'un portique, montre le ciel du doigt, semblant dire que là seulement réside la vraie science, et les Éphésicns apportent sur la place les livres de philosophie, d'histoire et d'art qu'ils déchirent et brûlent comme inutiles ou nuisibles. Un esclave agenouillé souffle de sa bouche la flamme avec un mouvement plein de naturel. Cette toile est un des chefs-d'œuvre de Le Sueur; en la regardant, on pense aux cartons de Raphaël à Ilampton-Court. Le Jésus portant sa croix attendrit par sa tristesse sympathique et son accablement profond. Il a succombé sous le faix du bois infâme; ses genoux et ses mains s'appuient à terre; il est temps que Simon le Cyrénéen vienne à son secours. Sans cela sainte Véronique ne recueillerait sur son linge que l'empreinte d'une tète morte. Nul tableau ne représente mieux le génie de Le Sueur que cette composition si simple avec son coloris d'une touchante pâleur.

Le Louvre est riche en Poussin. Il ne compte pas moins de trente-neuf toiles de ce maître austère, laborieux et fécond, qu'on pourrait définir le philosophe de la pointure. Toutes ses compositions sont marquées au sceau du bon sens, de la rectitude et

172 MISÉE DU LOUVRE.

de la volonté. Si l'œil n'est pas toujours satisfait de ses tableaux, le raisonnement n'a jamais rien à y reprendre. Poussin gagne beaucoup à la gravure, comme les peintres plus soucieux de la pensée, de l'ordonnance et du dessin que de l'agrément de la couleur, et même, en arrivant aux toiles dont on admirait les estampes, on éprouve parfois une sorte de désappointement, car les tons, posés d'ordinaire sur une impression rouge qui a repoussé, ont pris un aspect triste et rembruni. Mais si l'on ne se laisse pas rebuter par cette première vue, il se dégage bientôt de cette couleur flétrie et neutre un charme sévère comme de certaines pièces de Corneille, qui semblent d'abord ennuyeuses, et dont on sent plus tard la mâle beauté. Poussin a étudié l'antique, Raphaël et Jules Romain. .Mais bien qu'il ait passé la plus grande partie de sa vie à Rome, et qu'il y soit mort, il n'en est pas moins resté Français, et chez lui l'idée l'emporte sur la sensation. La nature n'agit pas sur lui par son attrait propre, et il ne voit guère dans les formes que des moyens d'expression. L'exécution chez lui est toujours subordonnée au sujet et ne s'égaye pas dans celte joie libre de l'artiste qui peint pour peindre. Malgré cela ou à cause de cela, personne ne mérite mieux que Poussin le titre de grand maître. Il l'a été, sinon par le tempérament, du moins par toutes les nobles facultés qui s'acquièrent, se règlent et se développent sous la conduite d'une ferme raison. S'il n'a pas le grand style des Italiens, il a la correction soutenue, la gravité et la certitude magistrale du dessin.

Éliézer et Rébecca est une des plus aimables et des plus gracieuses compositions du Poussin. Pour complaire à un ami qui lui demandait un tableau réunissant plusieurs types de beauté féminine, il a choisi le sujet de Rébecca allant, avec ses compagnes, puiser de l'eau à la fontaine pour abreuver les troupeaux de son père. Elle reçoit, la main sur le cœur, étonnée et ravie, les présents que lui offre Éliézer. Les suivantes, femmes et jeunes filles, diversement surprises, regardent cette scène inattendue, et l'une des femmes, distraite, laisse l'eau déborder de sa cruche remplie. Une autre, qui porte une urne sur la tête, se baisse, pour prendre un vase déposé à terre, avec un mouvement équilibré le plus charmant du monde. Les draperies sont du goût le plus pur, les airs de tète variés, et nous croyons, sans l'avoir vu, que le tableau du Guide, la Vierge travaillant au milieu de jeunes filles, qui avait inspiré à M. Pointel l'idée de commander à Poussin une composition analogue, soit aussi bien réussi ([iCÉliczer et Rébecca. Ces austères, quand ils sacrifient aux grâces, ont la main heureuse.

Nous ne pouvons qu'indiquer : Moïse sauvé des eaux, Moïse enfant foulant aux yieds la couronne de Pharaon, Moïse changeant en serpent la verge d'Aaron, les Israélites recueillant la manne dans le désert, — les petites fresques de Raphaël, tirées du Vieux Testament et peintes au plafond des loges du Vatican, en donnent assez l'idée, — X Enlèvement des babines, le Jeune Pyrrhus sauvé, les deux Saintes Familles, \ Assomption de la Vierge, le

174 MUSÉ EDU LOUVRE.

Ravissement de saint Paul, qui rappelle la Vision d'Ézéchieî , du Sanzio, et n'est pas indigne de lui faire pendant. Arrivons à ce qu'on pourrait nommer le cùté profane de ce talent si sérieux et si grave. Poussin ne dédaignait pas de peindre des sujets de mythologie et des bacchanales, mais dans ses toiles les faunes, les îegipans modèrent leur pétulance; les bacchantes et les ménades ont la chasteté de l'art même quand elles sont nues, et leur ivresse pourrait folâtrer autour d'un sarcophage antique. Le tableau des Bergers d'Arcadie exprime avec une naïveté mélancolique ia brièveté de la vie et réveille, parmi les jeunes pâtres et la jeune fille qui regardent le tombeau rencontré dans la campagne. Tidée oubliée de la mort; leurs fronts deviennent pensifs sous leurs couronnes de fleurs, et, inclinés sur les bâtons recourbés, ils se penchent vers la pierre funèbre dont ils déchiffrent l'inscription : ET L\ .\HCA[)I.\ EGO. Jamais épilaphe de l'anthologie, résumée en un distique par Méléagre, ne fut plus suave et plus légère.

Poussin a symbolisé les quatre saisons par quatre sujets tirés de la Bible. Le Printemps, c'est le paradis terrestre: l'épisode de Ruth et Rooz représente y Été: les deux Israélites rapportant de Chanaan la grappe miraculeuse désignent \ Automne; ïllicer, la plus célèbre des quatre compositions, a pour sujet le déluge. Ilien n'égale l'horreur froide et sinistre de ce tableau noir, où la pluie se mêle aux flots toujours montants et où quelques rares nageurs s'accrochent désespérément à des sommets qui seront

bieiitùt submergés. Il est impossible de produire uu plus graud effet avec des moyens plus simples. Orphée et Eurydice, Diogène jetant son écuelle, placés dans le Salon carré, sont de parfaits modèles du paysage historique, c'est-à-dire de la nature subordonnée à l'homme, arrangée pour une scène et disposée d'une façon en quelque sorte monumentale.

On n'a pas pour Charles Lebrun l'admiration qu'il mérite. La faveur de Louis XIV, qui n'est pas à la mode aujourd'hui, lui fait beaucoup de tort. On le rend responsable de la peinture de tout ce règne, qu'après avoir trouvé plus grand qu'il n'était, on dit plus ennuyeux qu'il ne fut. Lebrun a été un maître d'une organisation rare, d'une fécondité inépuisable, plein d'invention, et il eut une puissance de travail étonnante. Il a fourni d'idées, de projets, de dessins, de compositions, toute une armée de peintres, de sculpteurs, d'ornemanistes, de tapissiers; il suffisait à tout, et dans cette immense production qu'il dirigeait, son œuvre personnel se distingue. Si le dessin de Rome et la couleur de Venise lui manquent, il a la noblesse, l'ampleur, le faste, le facile déploiemont des foules, l'entente des grandes machines, le sentiment des plafonds et de la peinture décorative. Son style lui appartient bien, sa manière est originale et se reconnaît au premier coup d'oeil.

La Passage du Granique, la Bataille d'Arbelles, Alexandre et Porus, \ Entrée d' Alexandre à Bahylone, placés maintenant dans le pavillon Denon, où ils reçoivent la lumière de beaucoup trop haut, sont quatre pages monumcntalos dont toute épopée

pourrait être (ière. II y a là une'fertilité d'invention, une grandeur de style, une abondance d'épisodes, un balancement de groupes, une lierlc de tournure et même un caprice d'ajustement dans les armes des barbares, qui sont d'un véritable maître. Ce goût de dessin, cette tonalité de couleur peuvent ne pas plaire, mais il est impossible de nier (luiin souffle héroïque traverse ces grandes batailles; c'est de l'épopée en perruque, nous l'accordons, mais n'est pas épique qui veut, et dans ce temps-là, fût-on Apollon, fût-on Alexandre, il fallait ressembler à Louis XIV. Il n'y a pas si grande différence de valeur qu'on pense entre le Passage du Graoïicjue, de Lebrun, et la Bataille de Constantin, de llaphaël, exécutée par Jules Romain. V! Entrée d'Alexandre à Bahylone est une magnifique composition d'une abondance et d'un faste que les Vénitiens n'ont pas dépassés. Il est inutile de décrire ces immenses toiles que les gravures d'Audran ont rendues populaires et qui furent peintes aux Gobelins pour servir de modèles à des tapisseries. On pourrait se douter de cette destination au ton de fresque du coloris.

Au delà du pavillon Denon, la galerie se prolonge et continue la charmante et spirituelle école française que la révolution opérée par David avait fait tomber dans un discrédit immérité, et qui a reprisaujourd'hui toute sa valeur. Ouoi(iu"il n'ait peint que des fêtes galantes et des sujets tirés de la comédie italienne, Antoine Walleau est un grand nmîlre. Il a créé un aspect nouveau de Tartet vu la luiturc à Ira-

vers un prisme particulier. Son dessin, sa couleur, ses types, ses agencements lui appartiennent. Il est original. Il a la grâce, l'élégance, la désinvolture, et son art est sérieux si son genre peut sembler frivole. Son œuvre est une fête perpétuelle. Ce sont des concerts, des bals, des entretiens galants, des rendezvous de chasse, des décamérons dans les grands parcs à terrasses, à statues et à fontaines mythologiques, des Mezzetins donnant des sérénades à des Isabelles, des Colombines jouant de l'éventail et de la prunelle avec des Léandres, des cavaliers relevant de belles dames assises sur l'herbe : tout ce qu'une imagination heureuse peut inventer de plus riant et de plus aimable. En voyant ces toiles si gaies, si spirituelles, si claires de ton, où les lointains bleuissent comme les paradis de Breughel, on serait tenté de croire, chez l'artiste, à une bonne humeur inaltérable et à un joyeux éblouissement de la vie. Ce serait se tromper, ^Yatteau était valétudinaire, mélancolique, voyait tout en noir et n'avait de rose que sur sa palette. Le Louvre ne possède de Watteau qu'une seule toile, mais c'est le chef-d'œuvre de l'artiste, V Embarquement jwiir Cythère.

Au bord d'une mer dont l'azur vague se confond avec celui du ciel et des lointains, près d'un bouqnet d'arbres aux branches légères comme des plumes, se dresse une statue de Vénus, ou plutôt un buste de la déesse terminé en gaine à la façon des Termes et des Hermès. Des guirlandes de fleurs s'y suspendent. Un arc et un carquois y sont attachés. Non loin de la déesse, sur un banc, une jeune femme jouant de

l'éventail, semble hésiter à partir pour l'île de Cylhère. Un pèlerin agenouillé près d'elle lui chuchote à l'oreille de galantes raisons, et un petit Amour, le camail sur les épaules, la tire par le pan de sa robe. Il doit èlre du voyage sans doute. A côté de ce groupe, un cavalier prend par les mains pour l'aider à se lever, une jeune beauté assise sur le gazon. Un autre emmène sa belle, qui ne résiste plus, et dont il entoure du bras le fin corsage. Au second plan, trois groupes d'amoureux, le camail au dos, le bourdon à la main, se dirigent vers la barque où sont déjà arrivés deux groupes de pèlerins de la tournure la plus svelte et la plus coquette. Avec quelle élégance la femme qui va entrer dans l'esquif relève par derrière, d'un petit tour de main, la traîne de sa robe ! 11 n'y a que Watteau pour saisir au vol ces mouvements féminins. La barque est sculptée, dorée et porte à sa proue une chimère ailée, cambrant son torse et renversant sa tète dans une coquille à cannelures. Des rameurs demi-nus la manœuvrent, et de petits Amours en déploient la tente. Au-dessus de l'esquif, dans des tourbillons de h'gères vapeurs, pareilles à des gazes d'argent, volent, se roulent et jouent des Cupidons enfants, dont l'un agile une torche. Voilà bien à peu près les principaux linéaments de la composition et la place des personnages. Mais quels mots pourraient exprimer ce coloris tendre, vaporeux, idéal, si bien choisi pour un rêve de jeunesse et de bonheur, noyé de frais azur et de brume lumiiiouse dans los lointains, réchauffé de blondes transparences sur les premiers

plans, vrai comme la nature et bnllant comme une apothéose d'Opéra 1 Uubens et Paul Véronèse reconnaili .lent volontiers Watteau pour un de leurs petit-fils. L'auteur de \ Emiarquemeat pour l'île de Cytlière est assurément le peintre de l'école française le plus coloriste.

C'est aussi un descendant de Paul Véronèse que Pierre Subleyras. Il a été invité aux noces et festins de lillustre peintre, La Madeleine aux pieds de Jésus chez Simon le pharisien a la belle ordonnance, la richesse et le développement des grandes compositions de Paolo Cagliari. Les convives sont couchés ou accoudés sur des lits à l'antique, et la Madeleine agenouillée essuie de sa chevelure blonde, comme d'une serviette d"or, les pieds du Christ placés à la gauche du tableau. Sur le devant, des serviteurs portent des plats et des amphores. Un grand chien ronge des reliefs, et dans le fond, sur un vaste dressoir, setagent des vases, des orfèvreries et des vaisselles illuminés de reflets sourds. Cela n'est pas robuste, tranquille et lumineux comme les Xoces de Cana; mais quelle facilité, quelle abondance, quel esprit et quelle couleur agréable dans la gamme argentée !

Lq Martyre de saint Uippolyle, le Hainl Basile ressuscitant un enfant, \q Martyre de saint Pierre, sont des œuvres pleines de feu et de maestria qui se rattachent à la grande tradition italienne avec une pointe d'originalité française. Subleyras, qui peignait supérieurement le grand tableau d'église et dont la Messe de saint Basile fut exécutée en mosaïque

dans l'église Saint-Pierre à Rome, honneur qu'on n'accordait guère aux artistes vivants, était, en outre, un peintre de genre charmant. Les Oies un frère Philippe, le Faucon, V Ermite, sujets tirés des Contes de La Fontaine, sont pleins de finesse, de grâce et d'esprit.

Vien, dont la gloire a perdu aujourd'hui bien des rayons, a eu une action considérable sur l'art de son temps. Ce qui n'est pas toujours donné à de grands génies, il fut le promoteur d'une révolution complète dans le goût de son époque, et c'est de lui que date la peinture classique ou du moins le mouvement qui fit abandonner la manière libre, facile, spirituelle de l'école française que l'on flétrit plus tard du nom de rococo. Ce n'était cependant pas un Grec bien pur ni un Romain bien austère que Vien, mais il avait une tendance à la simplicité, aux lignes tranquilles, aux colorations sages qui contrastait avec la manière flamboyante et toute de prati(iue des artistes alors en France. Le musée possède de lui Saint Germain, écêque d'Auxerre, et Saint Vincent, diacre de Véglise de Saragosse, Dédale et Icare, VErinite endormi, et des Amours jouant atec des cygnes, des Fleurs et des Colombes. Dédale et Icare olTrent, dans le dessin de leurs formes, la recherche du style antique, et V Ermite, au contraire, témoigne d'une élude de la nature et d'une litléralité qu'on appellerait aujourd'hui r(''alisl(\

Quant à Roueher, celui-là était un vrai tempérament de peintre, d'une invention inépuisable, d'une facilité prodigieuse et d'une exécution qui est Ion-

GALERIE DE L'ÉCOLE FRANÇAISE. ISl

jours celle d'un artiste, même dans les œuvres les plus lâchées. Sans doute il abusa de ces dons précieux, mais la prodigalité n'est permise (ju'auK riches, et pour jeter de l'or par les fenêtres il faut en avoir. Boucher a suffi, sans descendre jamais audessous de lui-même, au plus effroyable gaspillage détalent pendant une longue carrière d'artiste. Faire le calologue de son œuvre est presque impossible. Le nombre de ses dessins monte à plus de dix mille. Boucher a fait des plafonds, des dessus de porte, dos trumeaux, des portraits, des mythologies, des bergerades, des paysages, des décorations d'Opéra, des modèles de tapisserie ; il a orné des clavecins, des paravents, des cabinets, des chaises à porteurs, des voitures de gala. Son pinceau facile était prêt à tout, et, quoiqu'il fît, il y mettait une grâce, un charme, une lleur de coloris que personne ne possédait à ce degré. Longtemps il fut l'idole d'un siècle qui préférait le joli au beau, le ragoût au style et l'esprit à tout. L'idole tomba, et le nom de Boucher, comme celui deVanloo, fut longtemps une injure dans les ateliers classiques. Mais maintenant on comprend tout ce que vaut Boucher. La Diane au bain du Musée est une délicieuse peinture. La déesse, qu'une de ses nymphes, agenouillée près d'elle, vient de déchausser, se prépare à entrer dans l'eau. Elle est nue, de cette nudité argentée des déesses virginales; une de ses jambes relevée sur le genou, do l'autre jambe elle lâte l'eau; elle tient à la main le fil de perles qu'elle vient de détacher de son col. Penchée en avant, elle incline un peu sa ciiurmanle tête vue

de profil, aux cheveux retroussés, entremêlés de perles et où brille un petit croissant.

Le col, les épaules, le torse, bai^Miés d'ombres légères et transparentes, ont une souplesse, une fraîcheur et une grâce extrêmes. La nymphe aussi est charmante, et ces jeunes corps, facilement plies en des poses coquettes, se détachent d'un fond de paysage fait de roseaux, de broussailles, darbres aux racines tordues s'accrochant à la déchirure d'un ravin, d'un courant d'eau où boivent les chiens, et d'un tertre au bord de la source, sur laquelle se chiffonnent et se cassent, à plis miroitants, des étoffes nonclialamment jetées. Un canjuuis, des flèches et, dans un coin, un arc près d'un trophée de gibier, composé de perdrix et de lièvres, meublent pittoresquement les angles de la toile ; tout cela enlevé avec une sûreté et une prestesse de touche admirables, boucher a ce mérite, que ses moindres compositions font tableau et décorent le mur auquel on les suspend. Renaud et Armide, Vénv.s demandant des armes à Vulcainjjour Enée, où l'on admire un groupe charmant des trois Grâces, les soubrettes de Vénus, sont des tableaux pleins de mérite, malgré leur agrément. Les deux toiles désignées sous le nom de Sujet 2)astoral, vous font entrer dans ce monde idyllique inventé par Boucher à l'usage du dix-huitième siècle, le moins champêtre des siècles, en dépit de ses prétentions bocagères. Les moulons sont savonnés, les bergères ont des corsets à échelles de rubans et des teints qui ne se ressentent pas du hâle campagnard, et les bergers ressemblent à des dan-

seurs d'opéra. Mais tout cela est d'une séduction irrésistible et d'un mensonge plus aimable que la vérité.

C'est encore un peintre de grand talent que Carie Vanloo. De sérieuses études se cachent sous sa facilité apparente; il sait beaucoup quoiqu'il soit agréable. Si l'on ne regarde pas beaucoup le Mariage de la Vierge, Ajmllon écorchant Marsijas, Énée portant son 'père AncJiise, dont le style est passé de mode, tout le monde s'arrête avec plaisir devant la Halte de chasse, cette scène de la vie princière si brillamment rendue. Quelles jolies tètes de femmes, quelles sveltes tournures, quels élégants costumes galamment portés ! Comme tout cela a bon air et vit aisément dans cette atmosphère dé luxe, de puissance et de plaisir ! Le mulet harnaché à l'espagnol qui porte des provisions est aussi beau de dessin et de couleur qu'un mulet de Karel Dujardin.

Personne ne fut mieux doué que Fragonard, toutes les fées semblent avoir assisté à sa naissance. Moins mythologique que Boucher, il exprima le goût, la fantaisie et le caprice de son siècle avec une verve et un esprit incroyable. Ses tableaux sont charmants, ses esquisses valent encore mieux que ses tableaux, et ses dessins que ses esquisses. Il ne lui faut presque rien pour rendre son idée; un frottis de bitume, une teinte locale rosée ou bleuâtre, ([uehiues hachures, un réveillon de lumière, et voilà tout un monde de (igurines qui vivent, sourient, se cherchent, s'embrassent, courent ou voltigent, à

travers des famées, des nuages et des bosquets. Il y a de lui au Louvre : Le grand xirètre Corésiis se sacrifiant pour sauter CaUirhoé, un Paysage et la Leçon de musique.

A cette époque, dans l'art coquet, libertin et spirituel du dix-buitième siècle, dont l'idéal était le joli et la fonction d'orner les petites maisons des grands seigneurs et les boudoirs des marquises, apparaît un élément nouveau, l'élément sentimental et bourgeois. La peinture chercbe à imiter la littérature, et la poétique de Diderot, dans h Père de famille, est appliquée par Greuze. Les petits drames de la vie domestique ne s'étaient pas encore joués dans le cadre du tableau, et l'auteur de la Malédiction paternelle, <\w Fils 2^ uni, Wi q\\ cgX-a œuvre originale. On peut dire de Greuze comme d'Hogartb, que les scènes morales qu'il représente paraissent plutôt avoir été posées et mimées par d'excellents acteurs que copiées directement d'après nature. C'est la vérité, mais vue déjà à travers une interprétation et sous un travestissement de paysannerie. Tout est raisonné, plein d'intentions et tendant à un but. H y a dans chaque trait ce que les littérateurs nomment des idées lorsqu'ils parlent peinture. Aussi Diderot a-t-il célébré Greuze sur le ton le plus lyrique. Ce n'est point du reste un artiste médiocre que Greuze : il a inventé un genre inconnu avant lui, et il possède de véritables qualités do peintre. Il a de la couleur, de la touche, et ses tètes, modelées par plans carrt'-s et pour ainsi dire par facettes, ont du relief et de la vie. Ses draperies, on plutôt ses linges fripés, cassés

et traités grossièrement d'une façon systématique pour faire valoir la délicatesse des chairs, montrent, dans leur négligence, une brosse habije. La Malédiction paternelle et le Fils maudit sont des homélies bien peintes et d'une morale pratique, mais nous leur préférons V Accordée de village, à cause de l'adorable tête de la fiancée ; il est impossible de rien voir de plus jeune, de plus frais, de plus candide et de plus coquettement virginal, si ces deux mots peuvent aller ensemble. Greuze, et c'est là ce qui lui vaut la renommée dont il jouit maintenant après réclipse de sa gloire causée par l'interposition de David et de son école, a un talent tout particulier pour peindre la femme en sa première fleur, lorsque le bouton va s'ouvrir en rose et l'enfant devenir jeune fille. Comme au dix-huitième siècle tout le monde était un peu libertin, même les moralistes, Greuze, quand il peint une Innocence, a toujours soin d'entr'ouvrir la gaze et de laisser 'entrevoir une rondeur de gorge naissante; il met dans les yeux une flamme lustrée et sur les lèvres un sourire humide qui donne à penser que l'Innocence deviendrait bien aisément la Volupté. La Cruche cassée est le modèle du genre. La tête a encore la candeur de l'enfance, mais le fichu est dérangé, la rose du corsage s'effeuille, les fleurs ne sont retenues qu'à demi par le pli de la robe, et la cruche laisse échapper l'eau par sa fêlure.

Chardin commença par faire des natures mortes, comme on dit pour exprimer les objets immobiles, car il n'y a rien de mort dans la nature. Pour l'imi-

talion exacte, la force de la couleur, la solidité de la pâte, on peut le mettre à côté des Flamands et des Hollandais. Dans cet art si gentiment maniéré et si agréablement faux, il représente la vérité absolue; c'est un réaliste au meilleur sens du mot. Vélasquez débuta ainsi et peignit longtemps des fruits, des légumes, du gibier, du poisson, des vases, des bocaux, des ustensiles de table et de cuisine, et c'est dans cette étude qu'il prit cette admirable science du ton local qui caractérise sa peinture, .\insi préparé, quand Chardin s'enhardit à peindre des figures, ses essais obtinrent une réussite complète. Il y apporta la même honnêteté, le même scrupule, la même conscience. II excelle à rendre la bonne et calme vie bourgeoise de cette époque où il n'y avait pas que des marquis et des filles d'opéra. La Mère laborieuse, le Bénédicité, V Intérieur de cuisine, les Fruits et les animaux sur une table de pierre montrent Chardin dans son double aspect.

Après des talents aimables et spirituels, il nous faut négliger lîoilly, Demarne, mademoiselle Gérard, mademoiselle Mayer, l'amie et lélève de Prud'hon, dont les ouvrages parfois se confondent avec ceux du maître, Prud'hon lui-même, dont nous ne pouvons décrire l'admirable Christ en croix, sa dernière œuvre, que semble assombrir un pressentiment mélancolique. Nous ne pouvons non plus qu'indiquer la Mort de Virgi7iie, Brutus condamnant ses fils, de Le Thière, le Portrait de madame Récamicr étendue dans sa blanche tunique, sur un soplia de forme grecque, délicieuse esquisse de David; le

Saint-Jérôme et la Courtisane, de Sigalon : l'un terrible, l'autre charmante; Y Arrivée des moissonneurs dans les marais Contins, le Retour du pèlerinage à la madone de l'Arc, de ce malheureux Léopold Fiobert ; le François I"' et la duchesse d'Étampes, de Bonnington, et la DispiUe de Trissotin et de Vadius, de Poterlet, un coloriste merveilleusement doué, mort toutjeune.

Ayons le courage de (}uitter ces salles, dont chacune demanderait un volume, et jetons un coup d'oeil rapide sur les autres richesses que renferme le Louvre en statues de l'antiquité, du moyen âge et de la renaissance; en vases, momies, sphinx, stèles, tombeaux, papyrus, terres cuites, estampages, bijoux, taureaux à têtes d'hommes, bas-reliefs et ninivites, curiosités de toutes sortes, joyaux et reliques des souverains.

En sortant de la salle des Sept Cheminées, on passe par une suite de salons aux plafonds ornés de peintures, et dans l'un desquels rayonnait V Apothéose d'Homère, d'Ingres, remplacée par une copie. Les premiers renferment d'admirables vases grecs, des rhytons, des cratères et toutes les merveilles de la céramique antique; les autres sont occupés par les antiquités égyptiennes. Là on voit des boîtes de momie couvertes de peintures et d'hiéroglyphes, des papyrus en caractères déniotiques, des scarabées sacrés, des urœus, des statuettes d'Isis et de Nephtys en pâte verte, des momies de chats et d'ibis dont la forme se devine vaguement à travers leurs bandelettes, des masques peints en ocre rouge, des Anu-

bis à tête de chien, des Osiris la corne funéraire au menton, des boîtes de fard vert, des nécessaires de toilette, des baris mystiques, des mammisis ou petites chapelles portatives, des colliers, des gorg'erins d'émaux, des amsehirs ou brûle-parfums, des tissus, des armes, des ustensiles de toutes sortes recueillis dans les nécropoles gardiennes de cette énorme civilisation disparue.

Ces salles composent l'ancien Musée Charles X. Quand on en sort, on trouve à la porte deux cercueils de basalte noir appuyés, debout, contre le mur, comme deux sentinelles, et dont le fond montre, par une gravure en creux rehaussée d'or, l'image des jeunes mortes qu'ils ont si longtemps abritées. Sur le palier se dresse une statue de style gréco-égyptien de l'époque des Ptolémées.

L'escalier vous conduit dans celte salle basse où l'on exposait jadis les statues quand le Salon se tenait au Louvre. Sur les vases canopes dont elles forment le bouchon, des têtes de femme au vague sourire, ou regard oblique comme celui des sphinx, se présentent pareilles et diverses avec le même type et une physionomie particulière qui modelées, dans une sorte d'argile rose, uni presque la coloration de la vie. Plus loin, un sphinx colossal en granit rougeàtre allonge ses pattes sur son socle, et sa croupe arrondie s'évase en courbes aussi gracieuses que les ondulations des hanches d'une belle femme. La tète étrtmgeniont charmante respire une bonhomie mystérieuse où l'instinct de l'animal semble railler la pensée humaine. Puis ce sont des dieux monstrueux

à masques de bêtes, les bras collés au corps, les pieds pris dans le bloc : Typhon, Osiris, Phta, Isis, llâthor, Nephtys, les criocéphales, les museaux de chien, tout le symbolisme naturel et religieux de l'antique Egypte; des tètes énormes de colosses brisés, coiffées du pschent, des pieds rompus au-dessus de la cheville et qui sont plus grands que des hommes, restes gigantesques de pharaons oubliés dans le sable ; des tombes de rois, de prêtres et d'hiérogrammates en basalte, en granit, en porphyre, d'une seule pièce, et couvertes en dehors et en dedans d'hiéroglyphes gravées avec un poinçon, comme sur des tablettes de cire, dans une matière si dure, que l'acier y fait feu et que la dent des siècles s'y use, des stèles, des chapelles d'un seul bloc, épaves d'un monde évanoui.

De l'autre côté delà voûte, c'est le Musée assyrien. On sort de Thèbes ou de Memphis pour entrer à Ninive, on quitte Chéops, Rhamsès, Toutmès, Xéchao pour aborder IMuil-Belesis, Theglath-Phalasar, Assarhaddon, l'énormilé pharaonique pour l'énormité biblique. Les gigantesques taureaux à face d'homme, à ailes d'aigle, les géants écrasantdes lions sur leur poitrine, sont là dans la pose qu'ils avaient à l'entrée du palais pendant ces effroyables orgies qui faisaient écrire Dieu sur les murs. Ce sont bien les mêmes, ils vous regardent du fond des siècles de leur air tranquille; il ne manque pas un flocon à leur barbe en spirale, une cannelure à leurs ailes symétriquement striées, lis ont gardé leur tiare intacte; aucun détail de leur analomie ne s'est émoussé, et

l'on voit encore les veines saillir sur leurs jarrets nerveux.

Dans les murailles sont incrustés de longs basreliefs où défilent des chasses, des triomphes, des cavalcades dont les chevaux très finement étudiés sont dignes d'être les aïeux des chevaux du Parthénon. Tous les détails de cette prodigieuse civilisation anéantie se retrouvent dans ces sculptures avec une netteté étonnante. Les costumes, les armes, les chars, les harnais sont si bien indiqués, qu'il serait facile de les exécuter réellement. L'attaque d'une forteresse figurée dans un de ces bas-reliefs renseigne parfaitement sur la stratégie ninivite. De grandes plaques sont historiées du haut en bas d'inscriptions cunéiformes, une écriture dont le principe est le coin ou clou groupé et disposé de diverses manières. La science commence à déchiffrer ce mystérieux alphabet, et nous pourrons savoir bientôt ce que signifient ces interminables légendes qui irritent si fort la curiosité.

Quelques restes d'anti(iuilés phéniciennes, des tombeaux faits comme des cartonnages de momie conservant la vague forme du corps, représentant à la partie supérieure un masque reproduisant sans doute la physionomie du mort, des fragments d'autel consacrés à Oannès, le dieu-poisson, des inscriptions votives ou historiques, sont rangés dans la salle qui suit le musée ninivite.

Au delà sont placées des sculptures grecques venant d'Asie .Mininire, les frises et le fronton du teml)le de Phingalie avec leurs cavaliers et leurs per-

sonnages, dont l'état fruste n'empêche pas de deviner la beauté.

L'Egypte, l'Assyrie, malgré leurs œuvres grandioses, sont encore loin de la beauté pure dont l'idéal fut atteint par la Grèce. Sous ce ciel pur, entre ces montagnes et ces sites à l'échelle humaine, le génie se développa harmonieux et simple, et l'effort se porta vers la perfection plutôt que vers le gigantesque. Une éducation gymnastique où l'amour de la forme était poussé jusqu'à l'idolâtrie devait faire naître des sculpteurs en la mettant perpétuellement sous leurs yeux, en action, dans tout l'éclat de sa jeunesse, de sa grâce et de sa force. Les artistes grecs eurent le bonheur de vivre au milieu des types les plus accomplis et des modèles qu'une i:ivilisation particulière leur laissait voir sans voile. Leur religion anthropomorphe, où chaque dieu n'était en quelque sorte qu'un symbole d'une des énergies ou des beautés de l'homme, donnait toute latitude à la statuaire. Jamais art ne fut plus beau, plus noble, plus pur, et quand on se trouve au Musée des Antiques, devant cette population de marbre aux attitudes rhythmées, aux formes élégantes et correctes, parmi ces corps inaltérables qui semblent n'avoir jamais connu la fatigue, la douleur et la maladie, oti éprouve une sensation de sérénité lumineuse et de bonheur tramjuille; on oublie la laideur et l'agitation modernes; et quand sur la draperie d'un rouge sombre qui lui sert de fond on voit se détacher la Vénus de Milo, on reste ébloui et l'on se demande si, depuis que les Olympiens ont été chassés do leurs

trônes d'or, le monde n"a pas fait un mauvais rêve. Comme elle est grande, et belle, et noble celte Vénns viclorieuse, animée d'une vie supérieure et d'une plénitude d'immortalité! Quel vague et divin sourire sur les lèvres à demi entr'ouvertes; quel regard surhumain dans cet œil sans prunelle! Son torse, nu comme celui des grandes divinités, s'entoure aux hanches d'une draperie aux plis larges et moelleux qui accusent les contours, les accentuent au lieu de les voiler. Les bras sont absents, mais il semble que, si on les retrouvait, ils gêneraient le plaisir de l'œil en empêchant de voir celte poitrine superbe et ce sein admirable. Et c'était dans le temple d'une petite lie que rayonnait ce chef-d'œuvre d'un statuaire inconnu digne de la plus belle époque de l'arl hellénique.

Ouand on l'a vu on ne peut regarder que distraitement les ÂpoUo/is sauroctones,\eii Antinous M^ Génies du repos éternel, les Hercules, les Faunes, les Vénus,les Grâces, lesMinerces, les Polymnies, les Germanicus, les Discoboles, et même ce Gladiateur, xneYseûle d'anatomie; on garde dans l'œil l'éblouissement de la beauté suprême.

Au milieu du ?.lusée de la llenaissance, trône, à demi couchée sur son cippe, Diane de Poitiers, de Jean Goujon, nue comme une Diane mythologique, avec ses formes élégantes et svelles, sa tête Une à la coilVure arlistement coquette et sa main effilée posée sur un cerf aux ramures d'or, comme la personnification de la lîenaissance, celte antiquité moderne qui trouva un idéal nouveau.

Dans la muraille sont encastrés des bas-reliefs de

Jean Goujon représentant les Nymphes de la Seine et des Tritons jouant avec des Néréides. Sur un socle se dressent les trois figures adossées de Germain Pilon supportant l'urne d'or qui devait contenir les cœurs de Henri II et de Gatherine de Médlcis, d'une élégance et d'une grâce à éloigner toute idée funèl)re; on voit aussi dans la même salle trois Vertus eu bronze florentin de la plus fière tournure, venant du tombeau d'Anne de Montmorency, de Barthélémy Prieur, et un étrange mausolée de Germain Pilon représentant Valentine Balbiani, femme de René de Birague, à l'état de femme vivante sur le couvercle, à l'état de cadavre en décomposition dans l'intérieur de la tombe.

Dans l'autre pièce, les i^r^'-yo^^i^er^ de Michel Ange se tordent magnifiquement, comme pour rompre leurs liens. L'un deux, désespéré, sentant ses efforts inutiles, rejette la tête en arrière et ferme les yeux. Rien de plus sublime que cette figure de la force impuissante.

Un grand tympan de bronze de Benvenulo Gellini montre la Nymphe de Fontainebleau épanchant son urne au milieu d'un tumulte de chiens et de cerfs symbolisant la chasse. Diane de Poitiers confisqua, pour son château d'Anet, cette nymphe qui lui ressemblait. L'n bas-relief de Saint Georges combattant le dragon, de Michel Golomb. étonne pour l'élégance de la composition et la finesse précise du détail. A'ous regrettons de ne pouvoir citer que les noms de Francheville, de Ponce, d'Olivieri, de Simon Guillain, de Guillaume Bertbelot, représentés par des œuvres remarquables.

Mais ce n'est pas fini encore. Les richesses du Louvre sont inépuisables. De l'autre côté de la cour, un autre musée contient les sculptures modernes, depuis le Milon de Crotone et Alexandre devant Biogéne, jusqu'à VAtalante de Pradier. C'est là (]ue se trouve le fameux groupe de V Amour et Psi/c/ic, de Canova. Le Musée Campaua décourage par l'immense quantité de terres cuites, antéfixes, frises, (iguriues qui garnissent ses armoires, et demanderait un volume pour décrire les tombeaux étrusques où s'allongent, appuyées sur le coude, des ligures aux yeux peints. Le Musée des Souverains voudrait aussi tout un volume. Conmient décrire en quel(|ucs lignes toutes ces reliques de la royauté, en partant du fauteuil de fer de Dagobert^ et en continuant par X armure de François P\ pour arriver au chapeau et à Xépèe de Napoléon.