Histoire du théatre en France des origines au Cid, 1398-1636

ANS les Mystères et surtout celui de la Passion, notre scène s'était faite égale, sinon supérieure, aux autres scènes principales de l'Europe; avec Maistre Pathelin, elle les avait dépassées d'un siècle en inaugurant un véritable théâtre national : maintenant, au lieu de le continuer et de le perfectionner, elle restera au-dessous des

autres nations, en se traînant dans des imitations grecques, latines ou italiennes, jusqu'à ce que Robert Garnier, et les autres précurseurs de Corneille viennent ouvrir des horizons nouveaux que le grand tragique doit faire resplendir.

Celui qui entra le premier dans cette voie, en se replongeant tout entier dans le passé, d'où il ne ramena que des ombres de héros, fut Etienne Jodelle.

Etudions l'homme et son œuvre.

Né à Paris, en 1532, et mort dans la même ville, en juillet 1573, Etienne Jodelle, sieur de Lymodin, après d'assez bonnes études pour le temps, s'occupa de bonne heure de poésie et mérita bientôt de faire partie de la Pléiade , sorte de cénacle poétique qui reconnaissait pour chef vénéré Pierre Ronsard. C'est assez dire qu'il était de son école et lancé, comme lui, à corps perdu, dans ce retour tardif vers le grec et le latin, qui, brisant la vieille langue gauloise, arrivée à son apologie avec Marot et Rabelais, devait nécessairement avorter dans sa tentative et ne rester que comme une curieuse transi-

tion entre cette vieille langue et notre langue moderne, née avec le XVIP siècle. Cependant, il ne se contenta pas de suivre le maître. Ronsard avait réformé la poésie : il voulut, lui, réformer le théâtre. Déjà Baïf avait traduit VElectre, de Sophocle, et Ronsard lui-même, le Plutus, d'Aristophane. Jodelle voulut mieux faire, et il écrivit des pièces sur le modèle des anciens.

La première fut Cléopâtre captive, tragédie en cinq actes avec prologue et chœurs, jouée en 1552, à l'hôtel de Reims, puis au collège de Boncours, en présence de Henri IL Jodelle lui-même représentait Cléopâtre (car les femmes ne montaient pas encore sur le théâtre); les autres rôles étaient joués par des poètes de ses amis, Rémy Belleau, Jean de la Péruse, etc.

C'était la première pièce régulière produite chez nous, c'est-à-dire que, pour la première fois, les trois unités de temps, de lieu et d'action, réclamées par Aristote, y étaient observées. Ajoutons que, pour la première fois aussi, cette pièce, qui avait cinq actes, suivant les préceptes d'Ho-

race (i)^ contenait l'indication des actes et des scènes.

Le succès fut grand, «^ d'autant que c'estoit chose nouvelle et très-rare », dit Etienne Pasquier dans ses Recherches de la France. Le roi gratifia l'auteur d'une somme de cinq cents écus. De leur côté, ses amis, l'entraînant triomphalement à la maison de campagne de Ronsard, à Arcueil, s'imaginèrent de ressusciter en son honneur une de ces fêtes de Bacchus qui furent l'origine du théâtre grec, et de lui offrir un bouc enguirlandé, autour duquel ils se mirent à danser en chantant en chœur des dithyrambes de leur composition.

Il paraît, d'ailleurs, que les jeunes fous failHrent payer cher cette réminiscence antique.

(i) Cette division en cinq actes resta comme principe. Disons pourtant que ce principe ne dura pas longtemps sans être violé, et qu'en dehors d'une pièce en un acte qu'on verra bientôt, il y en eut une en sept actes, jouée vers iSgj. C'est une tragédie appelée Cammate, qui a pour auteur Jean du Hays, avocat au siège présidial de Rouen, né à Pont-de-l' Arche, en Normandie.

On ne les accusa de rien moins que d'idolâtrie et même d'athéisme; ce qui menait droit au bûcher dans ce bon vieux temps. Heureusement, le roi s'en mêla et étouffa l'affaire. Bien leur en prit, par exemple, de n'être que de simples poètes et de remonter à l'antiquité dans leur culte poétique ; car ne pas penser en religion comme l'amant de Diane de Poitiers était un crime qui se payait par le feu, témoin le malheureux Antoine Dubourg et tant d'autres !

Maintenant, qu'était-ce que cette tragédie de Cléopâtre captive, reçue avec tant d'honneur et de profit ? C'est ce que nous allons voir.

Disons d'abord, à son premier désavantage, qu'elle est en vers Ubres : le premier acte en alexandrins, tous féminins; le deuxième aussi en alexandrins^ masculins et fémins mêlés, et non pas alternés; les trois derniers tantôt en alexandrins, tantôt en vers de dix syllabes, avec le même mélange des masculins et des féminins.

Il n'y a que dans les chœurs, écrits en rimes croisées, que l'alternative soit obser-

vée. Etienne Pasquier excuse Jodelle en disant qu'il a imité Clément Marot; mais, outre que celui-ci n'a pas abordé le genre tragique et s'accusait lui-même de n'avoir pas d'abord observé cette alternative, que lui fit connaître son contemporain 'et frère en Apollon , Jean Lemaire , — comme l'a dit Molière :

Quand sur une personne on pre'tend se régler, C'est par les beaux côtés qu'il lui faut ressem-

[bler.

La pièce commence par le prologue suivant, qui s'adressait à Henri II :

Nous t'apportons (ô bien petit hommage !)

Ce bien peu d'œuvre, ouvré de ton langage;

Mais tel pourtant que ce langage tien

N'avoit jamais dérobé ce grand bien

Des auteurs vieux : c'est une tragédie

Qui, d'une voix plaintive et hardie,

Te représente un romain, Marc-Anthoine,

Et Cléopâtre, Egyptienne, roine ;

Laquelle, après qu'Anthoine, son amy,

Estant desjà vaincu par l'ennemy,

Se fut tué, jà, se sentant captive

Et qu'on vouloit la porter toute vive

En un triomphe avecques ses deux femmes

S'occit, etc.

Nous avons cité avec intention ce prologue, qui est « l'argument » de la pièce (i) : il nous dispensera d'entrer dans celle-ci , qui est des plus faibles comme construction et comme versification, et où l'on ne trouverait pas un passage digne d'être remarqué. Nous donnerons cependant le passage suivant pour donner une idée de l'œuvre : c'est celui où Cléopâtre, prenant la résolution de se faire mourir pour ne pas être conduite à Rome, dit ce qu'elle veut qu'on écrive sur son tombeau et sur celui d'Antoine :

Icy sont deux amans qui, heureux en leur vie, D'heur, d'honneur, de Hesse ont leur âme assou-

[vie ; Mais enfin tel malheur on les vit encourir, Que le bonheur des deux fust de bientost mourir.

Elle continue ainsi en adjurant la mort :

(i) On le voit, les prologues ne furent d'abord, comme dans les pièces du the'âtre ancien, qu'une explication préalable du sujet traite' ; mais, dans la suite, ils devinrent une sorte de simple parade, destinée à faire attendre patiemment la pièce. Inutile d'ajouter que les prologues de nos jours, qui font partie intégrante de la pièce, n'ont aucun rapport avec les précédents.

Reçoy, reçoy-moy donc avant que César parte, Que plustost mon esprit, que mon honneur s'es-

[carte ; Car, entre tout le mal, peine, douleur, encom-

[bre, Soupirs, regrets, soucis, que j'ay souffert sans

[nombre.

J'estime le plus grief ce bien petit de temps Que de toy, ô Anthoine, esloigner je me sens. -

On voit que Cléopâtre captive est loin d'être un chef-d'œuvre. Cependant, soit que la nouveauté lui donnât un véritable attrait, soit que les spectateurs manquassent de goût, et il y a sans doute l'un et l'autre, on a vu quel succès accueillit cette pièce. D'ailleurs, il suffisait parfaitement à la Cléopâtre pour ob- V. tenir ce succès, d'être un chef-d'œuvre relatif, comme nous aurons souvent l'occasion de le voir dans la suite pour d'assez méchantes pièces.

Succès oblige : Jodelle s'acquitta avec d'autant plus d'empressement de son obligation de continuer son œuvre, qu'il y trouvait honneur et profit et qu'il avait une telle facilité qu'une pièce en cinq actes ne lui coûtait que cinq « traites » ou séances, préten-

dait-il. Peut-être eût-il mieux valu que sa facilité fût moins grande.

Quoi qu'il en soit, il donna bientôt, et dans la même année 1552, deux nouvelles pièces.

La première, Eugène ou la Rencontre est une comédie en cinq actes et fut jouée dans les mêmes conditions que Cléopâtre captive et avec un égal succès.

C'est encore une imitation, imitation italienne cette fois ; mais, comme Jodelle en prend les personnages dans la société de son temps, ils ont une certaine vie, et cette pièce est certainement sa meilleure.

Le personnage principal, Eugène, est un abbé commandataire, c'est-à-dire laïque, qui jouit des bénéfices de l'église, sans faire partie de celle-ci, comme Brantôme, Desportes et tant d'autres. Il a toutes les félicités de la vie, même une charmante maîtresse, Alix, qu'il vient de marier, avec cent écus de dot, à un lourdaud, nommé Guillaume, qui n'a du mari que le nom ; mais le malheur est que la jeune femme en aime un troisième, une espèce de capitan appelé Florimond. L'action se complique encore de l'amour d'une dame

— igo —

Hélène, sœur de l'abbé et jalouse d'Alix^ pour l'heureux soudard. Il en résulte que la comédie côtoie un instant le drame. Hélène ne parle de rien moins que de tuer sa rivale, et, si le mari reste assez indifférent au danger que court sa femme, l'abbé, lui, essaie de détourner le coup. Enfin, il y réussit, et tout s'arrange — à la façon du temps — par le mariage de Florimond av^c Hélène, et la paisible possession d'Alix par l'abbé, qui termine ainsi joyeusement la pièce :

Sus, entrons, on couvre la table ; .

Suivons ce plaisir souhaitable De n'estre jamais soucieux, Tellement mesme que les dieux, A l'envy de ce lieu volage.

Doublent au ciel leur saint breuvage.

Quant à la seconde, Didon se sacrifiant,

tragédie en cinq actes, elle fut aussi jouée ; mais on ignore dans quelles conditions. En voici une courte analyse.

Achate ouvre la pièce en faisant part à Ascagne et à Palinure de l'ordre qu'il vient de recevoir d'Enée de se préparer à mettre à la voile pour s'éloigner de Carthage, où l'a-

mour de Didon l'a retenu trop longtemps. Les vaisseaux prêts, Enée, pour obéir aux dieux, qui l'appellent au Latium, s'embarque avec les siens, et, emporté par la haute mer, aperçoit des flammes qui s'élèvent de Carthage ; ce qui lui fait redouter un acte de désespoir de Didon. Enée ne s'est pas trompée : la malheureuse, désespérée de cet abandon, se frappe de son poignard et se livre aux flammes d'un bûcher préparé par son ordre.

On le voit, c'est purement et simplement l'épisode amoureuse de VEnéïde, traduit et - mis en scène, sans plus d'eflbrts pour chercher une pièce.

Les trois pièces que nous venons d'analyser sont les seules qu'ait fait jouer Jodelle. Voici la raison qu'il en donne lui-même : « J'avois des tragédies et des comédies, les unes achevées, les autres pendues au croc, dont la plupart m'avoient été commandées par la roine et par Madame, sœur du roy, sans que les troubles du temps eussent permis d'en rien voir, et j'attendois une meilleure occasion. »

La vraie raison, à notre avis, est que la cour, malgré son premier engoûment, oublia peu à peu Jodelle, surtout après le piteux avortement d'une représentation ordonnée par lui à l'Hôtel-de- Ville, le Navire des Argonautes (car il était devenu bientôt, pour un moment, le fournisseur breveté de la cour, comme Gringore cinquante ans avant), où le machiniste ignorant avait mis deux clochers dans la mer, au lieu de deux rochers.

Cet oubli de la cour, qui le laissa tomber et mourir dans la misère, est clairement prouvé par le sonnet qu'il adressa, sur la fin de sa vie, à Charles IX et qui se termine par ce vers expressif :

Qui se sert de la lampe au moins de l'huile y met.

Quoi qu'il en soit, les contemporains regardèrent Jodelle comme un incomparable génie tragique, à commencer par Ronsard, qui, d'un seul coup, le met au-dessus de Sophocle et de Ménandre. Malheureusement, c'est une erreur du temps que la postérité n'a pas acceptée.

« Nulle invention dans les caractères, les

situations et la conduite de la pièce, dit avec autorité Sainte-Beuve, jugeant Jodelle et son école : une reproduction scrupuleuse, une contrefaçon parfaite des formes grecques ; Faction simple, les personnages peu nombreux, des actes forts courts, composés d'une ou de deux scènes et entremêlés de choeurs ; la poésie lyrique de ces chœurs bien supérieure à celle du dialogue ; les unités de temps et de lieu observées moins en vue de l'art que par un effet de l'imitation, un style qui vise à la noblesse, à la gravité... telle est la tragédie dans Jodelle et ses contemporains... C'étaient simplement, conclue-t-il et, concluerons-nous, avec lui, des écoliers jeunes, studieux, enthousiastes.»

//. — L'Ecole de Jodelle.

ODELLE avait ouvert la voie : ses contemporains et ses successeurs l'y suivirent à l'envi.

Les passer l'un après l'autre en revue nous retarderait énormément sans beaucoup de profit ; car notre troisième époque compte plus d'une centaine d'auteurs dramatiques, et la plupart sont loin d'avoir laissé à glaner dans leurs œuvres. Nous nous contenterons donc d'étudier les principaux.

Pour commencer, nous allons parler de ceux qui composent comme l'école de Jodelle et parmi lesquels nous avons cru devoir choisir seulement les neuf suivants : La Péruse, Grévin, Saint-Gelais, Jean de la Taille, Rémy Belleau, Antoine Baïf, Pierre de Larivey^ Antoine de Montchrétien etPichou.

La vie de Jean de la Péruse n'est guère connue que par ce qu'en disent La Croix du Maine et Pasquier, qui tous les deux rapportent qu'il joua un rôle dans Cléopâtre captive et dans Eugène, de son ami Jodelle. Il est né à Angoulême ; mais on ne sait précisément en quelle année. Quant à l'époque de sa mort, ceux qui en font mention se bornent à dire qu'elle eut lieu au plus tard en 1555.

Il est le premier qui se lança sur les traces de Jodelle. Sa Médée, seule pièce qu'il ait laissée, fut jouée, croit-on, dès 1553. Comme ce n'est guère, du reste, qu'une traduction de la Médée de Sénèque, nous n'en donnerons aucune analyse. Nous ferons seulement remarquer que l'alternative des rimes masculines et des rimes féminines y est observée, et que, depuis, cette alternative fut une règle absolue pour les auteurs tragiques et comiques.

Jacques Grévin, né à Clermont en Beauvoisin, vers 1540, mourut le 5 novembre 1570, à Turin, à la cour de Marguerite de France, femme d'Emmanuel-Philibert, duc de Savoie, dont il était médecin et qui, non

content de lui faire de magnifiques funérailles, prit soin de sa veuve et de sa fille. Dès l'âge de quinze ans, devenu l'amant de Nicole Estienne, fille du médecin Charles Estienne, il se fit bientôt connaître par des poésies galantes que cet amour lui avait inspirées et qui parurent ensemble sous le titre de VOlympe. Il fut bientôt séparé de sa maîtresse, qui devint la femme de Jean Liébaut, médecin, auteur de La Maison rustique; mais il ne perdit pas pour cela ses aptitudes poétiques.

Il changea seulement de genre et se mit à imiter Jodelle en se livrant à la composition dramatique.

Il a laissé trois pièces, représentées au Collège de Beauvais, à Paris : la première, la Trésoriêre, le 5 février 1558; les deux autres, la Mort de César, tragédie, et les Eshahis, comédie, le 16 février 1560.

Toutes les trois ont de la valeur : la versification en est facile et les plans assez bien faits.

Quelques mots de chacune.

Constance, la trésoriêre, mariée à un nom-

mé Richard, est une gaillarde : elle a deux amants à la fois, un protonotaire et un gentilhomme appelé Louis, qui tous les deux lui font des présents considérables. Malheureusement pour elle et pour celles qui lui ressemblent cette double intrigue ne peut guère durer, quelque talent qu'une femme mette à la conduire, et c'est la morale de l'histoire. Un domestique du gentilhomme ayant vu entrer le protonotaire chez elle pendant l'absence du mari, prévient son maître, et celuici accourt et surprend le couple. Pour comble, le mari survient à son tour, et l'amant trahi lui apprend tout, le forçant même à lui rendre l'argent donné à sa femme. Le plus curieux, c'est qu'après tout cela le mari se réconcilie avec elle et que la drôlesse, au lieu de se tenir heureuse d'en être quitte ainsi, ne pense plus qu'à recommencer en prenant mieux ses précautions.

La mort de César ne manque pas de passages remarquables. En voici un qui est d'un haut enseignement philosophique :

— igS —