Notes sur Clodion, statuaire; a propos du Cabinet dún amateur

Il règne une incertitude complète sur la date de naissance, le nom même de Clodion, et l'endroit où il est né. Une grande autorité, Mariette, l'appelle ainsi: Claudion (Claude François), et le fait naître à Strasbourg.

Les quelques lignes biographiques que l'on rencontre ailleurs mentionnent Clodion (Claude Michel), né à Nancy, vers 1740, suivant le livret des sculptures modernes du Louvre; et vers 1745, suivant le Dictionnaire des artistes de Gabet.

11 avait épousé la fille de Pajou, statuaire, mais, profitant de la loi du divorce, cette loi toute républicaine que le Code civil venait de reconnaître, il se sépara de sa femme, vers le commencement de l'Empire.

Le genre de talent de notre artiste, et ses sujets toujours exotiques, ne parlent peut-être point en sa faveur à cette occasion, mais nous ne devons pas juger moralement l'homme par ses œuvres. Tous ces faits, qui nous touchent pourtant d'assez près, sont complètement obscurs : espérons que quelque curieux ne tardera pas à y apporter la lumière, en faisant des recherches dans les archives municipales des villes indiquées plus haut, et en publiant des actes irrécusables.

L'homme privé nous étant presque inconnu, il faut nous contenter de suivre l'artiste dans ses études et ses voyages en Italie, dans ses expositions à Paris, en terminant par une analyse de son genre dominant, genre pour lequel son nom est devenu un type caractéristique.

Le nom de Claudion est, comme on dit, un nom de guerre, ou plutôt, un nom créé pour sa carrière artistique, par Claude Michel ; c'est pour cela que dans les catalogues anciens, tels que ceux de Mariette et de Boucher, nous trouvons ce nom écrit ainsi

Claudion, puisqu'il dérive de Claude ; mais l'usage nous l'a fait parvenir tel que nous le connaissons habituellement et tel que nous l'écrirons désormais, Clodion.

La date de la mort de cet artiste est certaine, si celle de sa naissance ne l'est point. Clodion, en effet, est mort à Paris, le 28 mars 1814; les œuvres, études, ébauches, trouvées dans son atelier au moment de son décès, furent vendues en sa demeure, rue deSorbonne, les 30 et 31 août 1814.

Clodion reçut les premières leçons d'un art si difficile, et qui exige un esprit si élevé, de son oncle Lambert Sigisbert Adam, sculpteur distingué, membre de l'Académie royale de peinture et de sculpture, né à Nancy et mort à Paris, en 1759, âgé de 59 ans. Clodion était le plus jeune des pensionnaires de Rome, bien qu'ayant échoué une première fois, soit justement, soit qu'on voulût favoriser un concurrent dont l'âge n'admettait plus l'attente.

Le séjour d'Italie fut pour notre jeune artiste ce qu'il est toujours pour les esprits qui ne demandent qu'à s'ouvrir aux influences vivifiantes du beau, pour les âmes qui s'offrent irrésistiblement à l'empreinte des grandes et hautes impressions. Après les travaux que l'on exécute nécessairement à l'École de Rome, et les études qui en sont l'accompagnement indispensable, le temps fixé pour ces pensionnaires de l'art étant du reste écoulé, Clodion revint en France.

Mais Rome est pour l'artiste une autre patrie, dont le souvenir quelquefois est plus puissant et plus attractif que celui de la mèrepatrie elle-même : voyez Poussin et Claude, ces deux splendides colonnes du temple de l'art! Aussi, Clodion n'avait-il qu'une idée, celle de revoir l'Italie; il fit des économies dans ce but, et partit dès qu'il le put, riche d'illusions, et le cœur battant fort déjà, en pensant aux œuvres qu'il allait admirer, étudier, et dont il espérait dérober quelques lumineuses parcelles pour en animer ses marbres.

Arrivé sur la terre classique des arts, Clodion parcourut les différentes villes, où la vue des chefs-d'œuvre devait agrandir le domaine de ses études, tout en donnant un aliment aux besoins d'une ardente admiration. Il fortifia de cette sorte son talent, par la vue et des anciens et des modernes, sans perdre pour cela l'originalité qui devait le caractériser. C'est à ce moment qu'il commença à exécuter cette série de compositions

gracieuses, par lesquelles il est resté populaire dans le monde des arts. Ce genre de sujets, s'adressant par leur nature à un plus grand nombre de personnes, exigeant, pour être compris et apprécié, moins d'études spéciales, et peut-être moins d'éléva tion morale, devait avoir et eut, en effet, un grand succès : aussi, notre artiste n'en composait-il point assez au gré de tous ceux qui lui en demandaient. Parmi les amateurs de tous pays qui recherchaient ses œuvres façonnées de verve, nous devons citer l'impératrice Catherine II, qui tenta même de l'attirer vers elle. Après une dizaine d'années de séjour en Italie, il revint en France, vers 1771, sur les instances du gouvernement. Sa réputation l'avait précédé à Paris; pouvait-il en être autrement? son talent n'est-il point essentiellement français? L'esprit, le charme, l'élégance des formes modernes, la verve, un certain entrain voluptueux, en un mot, tout ce qu'on retrouve dans cette société charmante qui touchait à sa dernière heure, ne sont-ce point là les traits distinctifs du talent de Clodion, le Fragonard de la terre cuite?

Au Salon de 1775, le jeune artiste, que le livret désigne ainsi : M. Clodion Michel, agréé, se présente avec neuf ouvrages plus ou moins importants ;

2'r2. Un Jupiter prêt à lancer la foudre, modèle en plâtre, de 5 pieds 6 pouces de haut.

213. Le fleuve Scamandre desséché par les feux de Vulcain, implorant le

secours des dieux. — Modèle en plâtre de 2 pieds 8 pouces de largeur.

214. Hercule qui se repose. — Modèle en plâtre de 18 pouces de hauteur. 2 £3. Le fleuve du Rhin séparant ses eaux. — Esquisse en terre cuite

de 16 pouces de large.

2iG. Deux vases ornés de bas-reliefs; l'un représente une offrande à l'Amour, et l'autre une offrande au dieu Pan. — Ces morceaux en terre cuite ont 8 pouces de haut.

217. Autre vase où l'on voit une bacchanale d'enfants. — Sa hauteur est

de 10 pouces.

218. Un Satyre enfant, tenant un hibou entre ses bras. — En marbre

d'un pied de hauteur.

249. Deux bas-reliefs dans le même numéro; l'un un sacrifice à l'Amour,

l'autre une marchande d'amours.— Ils ont chacun 1 pied de large, sur 10 pouces de haut.

250. Une Femme qui, en expirant, montre à son époux le tils qu'elle lui

laisse; l'époux tâche de repousser la Mort. Sujet destiné pour un tombeau. — Bas-relief de 18 pouces de large, sur 10 pouces de haut.

Voici maintenant une critique anonyme sur l'exposition de notre artiste : ce sera en même temps un spécimen de ces nombreux opuscules qui disent quelquefois la vérité en badinant, et que chaque Salon faisait éclore.

Entretien de l'abbé A avec mylord B.

— M. De qui est-ce, ce Jupiter? La tête est superbe.

— A. C'est d'un auteur qui s'est beaucoup distingué dans ce Salon, Michel Clodion. Il sait adoucir son ciseau, ajoute l'abbé A., après quelques exclamations élogieuses de mylord, et un calembour assez mauvais, mais fort avantageux pour l'exposant. Ce vase orné de bas-reliefs, ce petit satyre enfant, ces deux autres bas-reliefs (249), sont d'un lini précieux.

— M. Je ne puis assez les louer : j'aime beaucoup cette marchande d'amours; le petit satyre a les pieds un peu gros pour sa taille. Vous avez bien raison, ces ouvrages font honneur à l'auteur et au Salon.

A ce Salon de 1775, Clodion voulut se montrer dans la grande sculpture: il y réussit à merveille. Voici une affirmation plus sérieuse que celle de l'abbé A. et de mylord B. Le célèbre virtuose Petit de Bachaumont nous donne en ces termes son avis sur cette exposition :

« C'est à M. Clodion Michel d'allier les idées les plus subli- « mes aux plus riantes. Jupiter prêt à lancer la foudre; le fleuve « Scamandre desséché par les feux de Vulcain, implorant le « secours des dieux; Hercule qui se repose; le fleuve du Rhin « séparant ses eaux; sont le premier genre. On admire la majesté « de l'un, l'expression de l'autre, l'anatomie savante du troi- « sième, la précision du dernier. Les bas-reliefs, dans le second « genre, reposent délicieusement le spectateur frappé de ces « grands sujets. »

Louis XVI avait eu la noble idée d'ériger des statues en marbre à nos gloires nationales : quel but plus élevé, en effet, que de rendre les œuvres de nos artistes la représentation manifeste, pour ainsi dire vivante, de la reconnaissance du pays? La statue de Montesquieu échut à Clodion, comme celle de Corneille à Caffieri, celle de Bossuet à Pajou. Clodion ne réussit point au gré

du public de l'année 1779; il fut critiqué violemment; non sans justice, il faut le croire, mais aussi avec un peu de cette jalousie qui marche communément dans les rangs des artistes, ces privilégiés du ciel, genus irritabile.

C'est seulement le plâtre représentant Montesquieu, qui figure au salon de 1779, l'exécution en marbre étant remise à l'exposition suivante, d'après une note du livret du Salon.

L'air de tête de l'immortel auteur de YEsprit des lois est sans noblesse, dit une Lettre critique, publiée dans les Mémoires secrets pour servir à ^histoire de la république des lettres; l'artiste laisse apercevoir le titre du Temple de Gnide, à moitié caché par l'ouvrage immortel, le monument de Montesquieu; de cette façon le sévère président semble présenter timidement aux regards du public cet ouvrage composé sous l'inspiration des Grâces. On reproche encore au costume un mélange d'antique et de moderne.

Voici, du reste, le paragraphe consacré à cet artiste, dans le livret du Salon de 1779 :

Par M. Clodion, agréé.

258. Montesquieu. — Modèle en plâtre. Cette figure est ordonnée pour

le roi. Son exécution en marbre est remise au prochain Salon, parce qu'il ne s'est point trouvé de bloc convenable.

259. Le Triomphe de Galathée. — Bas-relief en terre cuite ; il a été exé~

cuté en pierre, de 5 pieds de haut, sur 52 de long. 240. Quatre bas-reliefs en terre cuite, sous le même numéro, représentant les Arts. Ils ont été exécutés en pierre, de grandeur naturelle.

2 il. Deux figures en terre cuite, de 15 pouces de haut. 242. Deux vases en terre cuite, de 16 pouces de haut. 245. Trois bas-reliefs en terre cuite, sous le même numéro.

Le Véridique au Salon nous apprend que les opinions touchant le costume de Montesquieu étaient partagées : les uns disaient que, représenté en président, l'illustre auteur frappait plus les yeux et l'intelligence du public par sa dignité que par les feux du génie; — les autres disaient que le type plein d'intelligence et de finesse du grand homme, dans un costume négligé et pittoresque, tel qu'on est dans sa chambre ou à son bureau, aurait offert plus de caractère et de grandeur, et aurait mieux

convenu en môme temps à la célébrité du modèle. Le même mécontentement se manifeste à l'égard des accessoires de cette figure : on est peu satisfait des masses, on les eût voulues plus grandes et les plis rendus avec plus d'ampleur.

Au Salon de 1783, nous trouvons la statue de Montesquieu, « en marbre, de six pieds, exécutée pour le roi, » par M. Clodion Michel, agréé. Au nombre des grands ouvrages qui obtinrent les suffrages du public d'alors, il faut mentionner une statue de sainte Cécile, de six pieds aussi; beau travail, plein de grâce et de noblesse, suivant la Notice de M. A. Dingé, exécuteur testamentaire de l'artiste, à laquelle nous empruntons la plupart des détails qui nous ont servi dans la nôtre; — un bas-relief en marbre, représentant la mort de cette même sainte; — un calvaire en plomb, représentant Jésus, la Vierge et saint Jean, figures de huit pieds. Ces compositions, sauvées par des mains pieuses à l'époque révolutionnaire, ont été placées depuis à la cathédrale de Rouen.

Avant 1789, Clodion exécuta, dans de grandes proportions, un monument funèbre, en marbre, pour la comtesse d'Orsay : un Ange annonce par le son de la trompette la dernière heure de la comtesse ; au bas, le flambeau de l'hymen est éteint par un jeune enfant. Ce monument de la mort, moins heureux que les œuvres de la cathédrale de Rouen, n'a pas été épargné par les iconoclastes de 93 : c'était une composition simple, suivant M. Dingé, rappelant les chefs-d'œuvre antiques, par le sentiment qui animait l'exécution. Le calme céleste, répandu sur la figure de l'Ange, indiquait bien l'espérance de l'immortalité et des joies célestes, qui soutient la vertu prête à quitter la terre. La douce résignation de la jeune femme intéressait d'autant plus, que ce qu'il en coûtait à son cœur, pour se séparer de son mari et de sa famille, était bien exprimé par l'action comme par la douleur de l'enfant qui éteignait le flambeau de l'hymen.

Il existe un modèle en terre cuite d'un groupe, représentant Turenne et Condé, dont les figures auraient eu douze pieds de hauteur ; le plâtre avait même été exécuté de cette grandeur. Cette composition , commandée par les États du Languedoc, devait orner une des places de la ville de Montpellier. Notre artiste aurait-il été digne du vainqueur de Rocroy et du glorieux défenseur de l'Alsace? C'est ce que la Révolution a laissé dans

le doute, en arrêtant l'exécution en marbre de ce groupe colossal.

Ici la carrière artistique de Clodion est interrompue par cette violente commotion politique qui emporta un trône et, avec lui, tout ce qui était noble, grand, luxueux, et dont le contre-coup n'épargna point les arts, qui sont eux-mêmes essentiellement élégants et nobles. Clodion s'était retiré à la campagne, et il y resta caché, jusqu'à ce que Bonaparte, prenant les rênes du gouvernement et domptant tous les partis, eut mis le pied sur les marches du trône de France, devant donner enfin dans l'histoire, pourpendant à Charlemagne, Napoléon Ier !

Les rivaux de notre gracieux faiseur de terres cuites essayèrent de le faire mettre à l'écart, lors des commandes d'art qu'amena le rétablissement de l'ordre en France : ils alléguaient que le genre tout aimable de celui qu'ils voulaient évincer, ne convenait point aux grandes machines officielles; ils lui enviaient aussi ses prétendues ressources, disons même le mot, ses richesses. C'est alors que Clodion, qui demeurait rue Thiroux, exposa, pour toute réponse, au Salon de 1801, sa scène du Déluge; voici la description du livret de l'an ix :

« Le sculpteur a choisi le moment du plus pressant danger, celui où l'inondation force chacun à se réfugier sur les endroits les plus élevés.

«Un père au désespoir avait aperçu son fils qu'il croyait mort, mais, en l'approchant, il a vu qu'il respirait encore : il le saisit dans ses bras et l'emporte au plus haut d'une montagne, pour lui donner son paternel secours. Près de lui est une femme qui, après avoir lutté longtemps contre les flots, est parvenue aussi à gagner la hauteur. Elle vient d'y déposer son enfant, mais, épuisée par ses efforts, après s'être d'abord soutenue par un bras à un fragment d'arbre brisé, la force l'abandonne, elle s'évanouit et périt entraînée par la violence des eaux. »

Ce morceau était un des plus capitaux de l'exposition et il fit grand honneur à l'artiste; mais on peut deviner, par ce qui précède, que Clodion encourut de violentes critiques, qu'on doit attribuer à la jalousie qui ne l'avait pas épargné depuis l'installation du gouvernement consulaire.

Voici l'indication des autres ouvrages exposés au Salon de 1801 :

Sous le n° 414. Groupe en terre cuite de trois figures. 415. Deux sujets bachiques.

41G. Groupe; sujet tiré des Mille et une Nuits. 416 bis. Deux femmes couchées (même numéro).

Le résultat du succès de l'artiste ne tarda point à se manifester; le gouvernement lui fit différentes commandes, et Clodion eut à exécuter plusieurs bustes de sénateurs, entre autres celui de Tronchet, qui a été placé plus tard à la Chambre des pairs.

Au Salon de 1806, Clodion, qui demeurait alors rue de Sorbonne, exposa « une Jeune personne assise, donnant à manger à des petits oiseaux ; » cette figure, comme nous l'apprend le livret, eut un prix d'encouragement.

Clodion retrouva toute sa verve, qui, à la fin du règne de Louis XVI, lui avait fait créer tant de ravissantes choses, dans lesquelles il sut allier à un si haut degré la grâce à la finesse. La cour de Napoléon Ier était aussi brillante, à sa manière, que celle de l'infortuné Louis XVI; l'élégance et le luxe eurent pour résultat de faire produire à notre fantaisiste ces groupes en terre cuite, dans lesquels les jeux lascifs d'une bacchante et d'un satyre sont toujours représentés sous de nouveaux aspects et variés sans cesse de nouvelles nuances d'amour, de désirs et de volupté.

Au Salon de 1810 (5 novembre), Clodion expose « une Jeune fille qui veut prendre des papillons. » Voici l'appréciation de M. Dingé sur ce marbre, blanc comme l'albâtre, qui avait été ébauché par Monot et acheté, à la mort de ce dernier, par Clodion qui le termina. L'artiste a choisi l'âge où la nature n'a pas encore, mais ne tardera pas à avoir tout son développement; c'est l'enfance prolongée dans la jeunesse. On ne s'arrêtera point à montrer le parti qu'il a tiré de cette idée ; il suffira de dire que, comme dans tout ce qui est beau, on est séduit par le sujet même, par sa poétique exécution, et que ce n'est que par réflexion qu'on demande qui l'a produit. Peut-on se lasser de considérer cette tête où se trouvent réunis les charmes de l'esprit et de l'innocence? Comme la jeune fille est attentive! Comme elle indique bien son intention ! On voit que le désir qui l'anime n'a rien de malfaisant, et que ce n'est pas une victime qu'il lui faut, mais un jouet. Ln figure est dans un état de repos, mais dans ce repos même est répandue une expression de vie qui annonce avec quelle légèreté elle se relèvera aussitôt qu'elle aura saisi ce qu'elle veut avoir.

NOTES SUR CLODION, STATUAIRE. i 1

Cette composition est cataloguée sous le n° 953; le numéro suivant indique une statue en marbre, appartenant à l'auteur, et dont le modèle a été ébauché encore cette fois par Monot.

Sous le n° 955, figure un groupe en terre cuite, représentant Homère aveugle chassé par les pêcheurs.

Au moment de la mort de l'artiste, qui n'avait rien envoyé aux expositions de 1812 et de 1814, se trouvaient dans son atelier, entre autres sujets, soit en terre cuite, soit en plâtre, une Jeune fille portant des raisins; une autre, donnant à manger à des petits oiseaux; une autre encore, représentée dans une occupation moins innocente et qui devait lui donner à rêver, jouant avec des tourterelles; une quatrième, coupant les ailes de l'Amour; une Baigneuse, embellie par l'embarras qu'elle paraît ressentir d'être nue; une Jeune fille attachant sa chaussure; une Vestale, d'une expression céleste, dont la paix du cœur se reflète sur son innocent visage; une délicieuse composition, aussi bien exécutée qu'imaginée, représentant l'enlèvement de Psyché; un buste en plâtre, de Madame, première fille de Louis XVI, dont l'original avait été exécuté en marbre pour le roi ; plusieurs bas-reliefs terminés ou seulement ébauchés.

Après avoir chanté l'art d'aimer et la volupté sensuelle dans ce qu'ils avaient de plus enchanteur et d'enivrant, le poëte des satyres et des bacchantes voulut s'élever jusqu'aux héros et aux dieux d'Homère : la mort l'arrêta dans cette entreprise, qui eût peut-être été au-dessus de ses forces.

Le Louvre ne possède qu'un ouvrage de Clodion, c'est une Bacchante, en marbre, ayant sur son épaule droite un petit satyre qu'elle soutient des deux mains; la partie supérieure du corps est nue et nous laisse voir un torse qui manque de ces contours et de ces ondulations que l'on trouve indiqués d'une façon si séduisante et si vraie dans les compositions en terre cuite de l'artiste: on la dirait comprimée par l'usage d'un corset; les seins sont trop larges et aplatis; les mains, un peu fortes, manquent de distinction; la nature de cette sujette de Bacchus ne brille point par l'élégance; en un mot, le corps ramassé est un peu boursouflé. Ce n'est point là le beau idéal qui doit être inhérent à la sculpture en marbre, et que nous retrouverons quelquefois dans les petites compositions de Clodion, en terre cuite, où la ligne est châtiée sans exclure le charme, où la grâce, maniérée

parfois, et sensuelle toujours, n'empêche point d'entrevoir une parfaite connaissance de l'anatomie et le respect des règles sévères du grand art.

On peut en juger par les principales pièces, qui résument à merveille le talent de Clodion, dans la collection du baron Thibon que je vais essayer de représenter et de décrire ; ce qui n'est point sans quelque difficulté, pour des sujets dont le mérite principal, en captivant les yeux, pénètre au cœur par son côté le moins platonique.

Au nombre des ouvrages qui n'ont point figuré dans les expositions du Louvre, nous devons mentionner : pour l'Arc de triomphe du Carrousel, un "bas-relief représentant l'entrée des Français à Munich; le buste de la duchesse d'Angoulême; une Cléopâtre, dont le bronze se trouvait chez le baron de Bezenval, lieutenant général, suivant le Guide de Paris de Thiéry (1787); une très-riche composition, en l'honneur de Montgolfier, laquelle est actuellement dans les beaux magasins de M. Beurdeley, avec d'autres charmantes productions de l'artiste. Cette composition, haute d'un mètre environ, représente d'innombrables Amours, qui, se chargeant de tous les soins nécessaires à l'ascension d'un aérostat, le gonflent de gaz, en brûlant des gerbes de paille. Le sommet de l'aérostat est surmonté de Renommées qui proclament la gloire de l'illustre inventeur des voyages aériens. C'est une des pièces les plus capitales que j'aie vues du maître qui nous occupe, et qu'on ne saurait passer sous silence dans un travail qui lui est consacré,

LISTE DES COMPOSITIONS EN TERRE CUITE DE CLODION , FORMANT LE CABINET DU BARON THIBON.

L'analyse critique des délicieuses terres cuites qui font partie de la collection du baron Thibon, trouve naturellement sa place, après les quelques notes concernant l'habile sculpteur dont j'ai rapidement esquissé la vie et mentionné les œuvres. Cette étude complémentaire, écrite de souvenir, achèvera de montrer l'artiste dans son genre le plus connu, où il est sans rival.

Le baron Thibon est enthousiaste et fanatique des Clodion. Le bon goût et l'heureuse idée de cet amateur ont trouvé une

grande récompense dans la rareté et le prix excessif de ces charmantes compositions.

Heureux l'amateur qui, n'écoutant qu'un entraînement irrésistible vers un maître qu'il préfère, et tout en satisfaisant les nobles passions de l'art, se trouve en même temps, pour se servir des termes de la finance, avoir fait une aussi brillante, et indubitablement plus intelligente spéculation, que d'avoir acheté au pair, lors de leur émission, des actions d'Orléans ou telles autres valeurs étalant au bulletin de la Bourse leur rotondité de quatre chiffres, et dont les variations quotidiennes ont seules le pouvoir de rendre quelque éclat à des yeux éteints derrière leurs besicles d'or, indifférents du reste et fermés à la ligne, à la couleur et à l'harmonie, ces merveilles qui émanent d'un monde idéal !

N° 1. Pendule soutenue par un groupe de trois nymphes. (Signé Clodion, 1788).

Cette remarquable pendule de Lepaute, chef-d'œuvre d'horlogerie, dont le mécanisme est renfermé dans un globe de verre, va trois mois sans avoir besoin d'être remontée, comme si l'horloger avait voulu diminuer le danger qui peut résulter, pour ses frêles et gracieux supports, d'un contact trop fréquent.

L'une des trois nymphes laisse apercevoir un dos d'une cambrure tout aristocratique; elle a sur l'épaule gauche une draperie qui la relie à sa charmante voisine, en passant sur l'épaule droite de cette dernière, et lui cachant la cuisse droite. Elles ont toutes trois les cheveux tombant en boucles sur le cou et les épaules. La troisième, drapée dans une gaze d'une transparence extrême, montre des formes ravissantes, d'une vérité, et d'une difficulté vaincue, qui en font un précieux morceau. Elles sont à l'entour d'une colonne cannelée, élevant des guirlandes de fleurs par un mouvement de bras adorable.

Cette pendule a appartenu au duc d'Orléans (Philippe Égalité), pour qui elle fut probablement exécutée; elle a été moulée en bronze, pour le baron Thibon, par l'habile fondeur Crozatier, mais elle a dû subir pour cela une mutilation bien regrettable, et bien regrettée depuis par son heureux possesseur, dont le goût pour Clodion est devenu un vrai culte. On sait, en effet, qu'il

faut, pour l'opération dont il s'agit, découper pour ainsi dire, le modèle que l'on veut reproduire en métal.

N° 2. Chasseur et bacchante.

Ces deux figures sont dans un mouvement qui indique la course; le jeune homme porte, à l'aide de deux thyrses posés sur chaque épaule, un chevreuil et des raisins. La jeune fille, des raisins seulement sur deux thyrses aussi. Leur mouvement est naturel; le corps du chasseur bien étudié; l'animal qu'il emporte, rendu avec beaucoup de vérité, et comme ne le ferait point un animalier de profession. La bacchante a les seins nus et les jambes découvertes; la robe, que la rapidité de la course fait voltiger entre ses jambes, est un peu lourde, et sa longueur semble assez mal imaginée pour la course. C'est, du reste, un -mouvement de draperie antique, mouvement si bien imité par les artistes de la renaissance.

N° 3. Vase dont les anses sont formées par des serpents et sur la panse duquel est représenté, en bas-relief, un sujet de bacchantes.

N° 4. Petit satyre tenant un hibou dans les bras.

Ce modèle est connu et a été employé en candélabres par Denière. Comme il est grassouillet et frais, ce petit bonhomme! Quelle charmante figure bouffie!

N° 5. Satyre, Nymphe, et petit Amour .

Je suis très-embarrassé pour désigner sous un titre intelligible et décent ce groupe, qui ne laisse pourtant rien d'indécis à celui qui le contemple. Le satyre attire à lui, par un mouvement plein de volupté, la nymphe qui ne fait pas grande résistance; son bras droit vigoureux est appuyé sur les reins de la Nymphe, et sa main gauche est posée sur le bras gauche de sa jolie victime. Celle-ci, en paraissant céder dans un enivrement tout matériel, se retourne pourtant à moitié vers un enfant qui ne peut représenter que l'Amour. Elle tient de la main gauche le terrible petit despote qui devrait plutôt, ce me semble, retenir la belle pécheresse, au lieu de la pousser à sa défaite. En tous cas, il est jeté là d'une façon aérienne et toute poétique. La belle

NOTES SUR CLOBION, STATUA! H E. i;,

est à cheval sur la jambe gauche velue que le satyre relève lubriquement : sa main droite toute grassouillette, dans le sentiment de Greuze, repose sur l'épaule droite de celui qui l'attire. Cette jolie composition présente un beau développement de lignes et un dessin hardi sur toute la longueur du corps de la nymphe.

N° 6. U Ivresse de la bacchante.

Une bacchante est couchée à terre, la tête renversée. Tous ses traits indiquent le sommeil profond de l'ivresse; sa bouche s'entr'ouvre légèrement; la coupe qui a servi à l'enivrer s'échappe de sa main gauche ; sa poitrine est haletante. Le sein, le ventre, les flancs, les cuisses ont des contours d'un charme indicible. C'est la poésie de la femme du xvme siècle. Un satyre soulève de la main droite la draperie qui la recouvre et nous laisse voir les formes enchanteresses, cet idéal de l'école de Boucher. La main gauche ouverte indique très-bien la surprise et l'immobilité. Comme il a grand'peur d'éveiller l'objet qu'il convoite ! C'est la concupiscence même, saisie sur le fait et rendue avec bonheur. L'anatomie du dos et du bras du satyre est parfaite et montre les hautes qualités de l'art.

N° 7. La Séduction.

Une jeune femme a la tête posée sur les genoux d'un jeune homme couronné de pampres ; ce dernier lui presse de la main droite une grappe de raisins dans la bouche; l'index et l'auriculaire, légèrement détachés des autres doigts, donnent à cette main une grande distinction; le poignet est sec et nerveux. Les attributs du culte de Bacchus,que l'on voit à côté d'eux, nous laissent penser que ce couple, qui s'enivre de vin et d'amour, vit sous les lois du dieu de la treille. Le visage de la bacchante a une finesse de beauté qui dépasse tout ce qu'on peut rêver; ses cheveux tombent sur les épaules et sur les genoux de son amant qui est appuyé sur le bras gauche. La richesse du corps répond à tout ce que la figure a d'enchanteur. Le torse, la chute des reins, un pied ravissant, et cette partie, que Diderot reproche à Boucher de trop montrer, « qu'il est bien aise de voir, mais ne veut pas qu'on lui montre », et même ce que Boucher ne montrait pas, du moins au Salon de 1765, mais que Fragonard

hasarde quelquefois, tout cela est d'un charme, d'une exquise élégance, et d'un modelé précieux de détails.

Si l'on veut risquer une critique sur cette jolie composition, on peut dire que les jambes sont un peu grêles et ne correspondent point à la beauté du haut du corps.

N° 8. Femme couchée sur le ventre.

Elle tient une coupe de la main droite et regarde un enfant renversé sur le dos, qu'elle retient sous son bras gauche; elle a les deux seins appuyés sur une draperie. On peut considérer ce sujet comme une étude du dos : ainsi considéré, il me rappelle une peinture de Watteau représentant une femme couchée dans son lit et tournant le dos. La nature des formes et leur élégance ont de l'analogie avec la composition de Watteau; toutes les délicatesses du corps féminin, contours gracieux, sinuosités des chairs, fossettes, tout est rendu avec une heureuse précision dans cette étude. Mais je dois dire que, plus encore que dans le sujet précédent, la partie inférieure du corps n'est point à la hauteur de la partie supérieure; les jambes trop longues sont d'un mouvement tourmenté et sans grâce.

N° 9. Satyre offrant des fruits à une nymphe qui tient un enfant de la main droite.

Ce morceau est placé entre deux croisées du salon du baron Thibon; il est mal éclairé, et je ne puis que brièvement le mentionner, n'ayant pu le bien examiner dans son véritable jour.

On voit bien, à la mine du satyre, où il en veut venir avec ses fruits ; c'est un moyen d'entrer en conversation avec la belle qui appuie le genou gauche sur une élévation et regarde, tout en écoutant fleurette, le petit enfant qu'elle tient de la main droite et qui se dresse, par un mouvement plein de naturel, vers le tambour de basque contenant les fruits. La nymphe et le satyre ont les bras entrelacés; les muscles du cou et du visage de ce dernier sont contractés par un désir ardent et rendus, sur la terre cuite, d'une façon nette et vigoureuse. L'idylle commence, la bacchanale n'est pas loin.

N° 10. L'Ivresse du satyre.

On pourrait bien donner un autre nom plus expressif à ce nu-

flfOTES SUR CLODION, STATUAIRE. n

méro; mais il faut le taire, avec Béranger, « par respect pour les mœurs. » Un satyre tient dans ses jambes crochues une bacchante qui s'est livrée à lui dans un élan plein d'abandon. D'une main, elle lui verse un nectar que son amant reçoit en ouvrant la bouche; elle l'enivre ainsi par tous les sens à la fois. On peut reprocher de la mollesse, de la rondeur dans le dessin, et même un peu de bouffissure au ventre et aux cuisses de cette bacchante luxurieuse. Il est vrai de dire que sa position cambrée exigeait une grande tension dans les chairs et les muscles; mais aussi quelque chose de plus nerveux et de plus accentué, tout en laissant à la peau sa tension naturelle, aurait produit plus de force et de vérité dans le mouvement et la vie des personnages. Le satyre, appuyant la main gauche sur un roc, passe le bras droit derrière le cou de celle qui, par un gracieux mouvement, élève la coupe au-dessus de sa tète. Le clos est parfaitement étudié, les omoplates sont touchées en maître.

N° 11. Bacchante et Satyresse.

La bacchante, couchée, a la jambe posée sur un tonneau ; la jambe est admirable : la pression de la chair sur le tonneau où repose cette jambe fine et aristocratique, est rendue d'une façon très-délicate; les cuisses sont admirables aussi de nuances fines, de voluptueuses intentions. La Bacchante et la Satyresse élèvent toutes deux leurs bras élégants et pressent des raisins.

N° 12. Femme couchée sur le côté gauche, ayant la tête sur son

bras droit.

Cette petite statuette, très-fine d'exécution, est modelée dans le style de la femme couchée du n° 7.

N° 15. L'Amour prie Vénus de faire rendre à des petits satyres ses flèches et son arc dont ils se sont rendus maîtres.

Comme il prie bien avec ses petites mains jointes! Vénus tend la main gauche vers les voleurs : l'un rend l'arc, sur l'ordre de la puissante déesse ; l'autre, plus rebelle, brise une flèche sur ses genoux. — Bas-relief, signé, avec la date de 1776.

N° 14. Triomphe du Satyre.

Ce morceau est un des plus précieux de cette précieuse

collection; il suffirait seul à nous rendre évidentes les fortes études de Clodion durant son séjour en Italie. L'inspiration de l'antique s'y laisse entrevoir, et nous sommes autorisés à dire que ses sujets, de toute gracieuse et aimable frivolité en terre cuite, quoique de petit modèle, sont pourtant de la grande et vraie sculpture. Une plus grande dimension n'aurait été ni convenable pour la gravité de l'art, ni acceptable par l'esprit critique, pour des sujets dont le charme, et, il faut le dire, une pointe de libertinage, sont le caractère distinctif.

Le satyre triomphant a le pied gauche sur un vase renversé, dont la liqueur s'épanche. Ses bras, sa poitrine, le point de transition entre le bas-ventre et la cuisse si riche de musculature, sont traités de main de maître. Une nymphe a le pied gauche posé sur le même vase, près duquel sont placés un tambour de basque, une flûte de Pan et des fruits. Elle élève de la main droite un thyrse, en s'appuyant de la main gauche sur l'épaule droite du satyre qu'elle domine ainsi.

Ce dernier la soutient de la main gauche, et lui saisit le bras de l'autre main ; sa physionomie est étonnante de gaieté bestiale; tout le corps parfaitement étudié sous le rapport anatomique. Comme ce bras droit est modelé ! Et le renflement des muscles, et la sécheresse nerveuse qui avoisine le poignet, et cette main qui ressort d'une façon mâle sur le bras mou et gracieux de la nymphe! On voit dans ces badinages voluptueusement gracieux, on voit, dis-je, d'une façon manifeste, le long séjour que notre artiste fit à Rome, la méditation des chefs-d'œuvre qu'elle renferme, et surtout l'étude de la nature. Derrière le satyre, un petit satyre enfantlève la main comme pour frapper, en se jouant, celui qui pourrait bien avoir la prétention d'être son père.

Tous ces sujets sont d'une grande conservation et signés; leur description est, je le répète, l'histoire de Clodion dans sa spécialité et sa personnalité la plus tranchée. Bien que ce genre ne tienne pas le haut du pavé dans la route qui conduit à l'Olympe artistique, il faut avouer pourtant qu'un talent si gracieux, si élégant, si énergique à la fois, et surtout si français, mérite les honneurs d'une monographie. Ce tardif hommage ne tardera pointa lui être rendu, j'en ai la conviction, par un des curieux et des chercheurs qui ont consacré à l'art toute leur ardeur et tous leurs travaux.

RELEVÉ DES PRINCIPALES VENTES DANS LESQUELLES ONT FIGURÉ DES OEUVRES DE CLODION, ET PRIX QUE CES OEUVRES ONT ATTEINT.

Vente Julienne (1767).

Femme allumant le feu de l'amour, et Prêtresse versant sa patère sur l'autel : terres cuites de six pouces de haut. — 250 livres.

Vente de F. Boucher (1771).

Vestale, terre cuite de quinze pouces six lignes de hauteur, exécutée à Rome, d'après l'antique. « C'est la même, dit le catalogue du cabinet de Boucher, que celle qui fut faite par Le Gros, et qui se trouve dans le jardin des Tuileries. » — 200 livres, 19 s.

Vase orné d'une bacchanale d'enfants, avec mascarons à cornes de béliers en relief, d'où tombent des guirlandes de fleurs; hauteur 9 pouces six lignes. — 130 livres.

Vente Vassal de Saint-Hubert (1774).

Deux Femmes nues et couchées, dont l'une joue avec des tourterelles,

— 550 livres.

Vente Mariette (1775).

Un vase de belle forme, avec divers groupes de jeux d'enfants en relief; deux têtes de béliers forment les anses : il porte 9 pouces sur 7 1/2 de large, et est sur un socle de marbre veiné. « Il règne dans les ouvrages de ce jeune artiste une correction de dessin supérieure, et une touche pleine de feu et d'esprit. » (Cette réflexion est de F. Bazan, graveur, qui a rédigé le catalogue du cabinet de Mariette.) — Vendu 600 livres et acheté par M. Mercier, marchand.

Vente Varanchan (1777).

Une nymphe et une bacchante, l'une tenant une couronne, l'autre line grappe de raisins, groupe de figures nues en terre cuite ; 12 pouces,

— 900 livres.

Groupe en terre cuite de deux amours qui s'embrassent; 11 pouces, ~ 63 livres.

Vente de l'abbé de Juvigny (1779).

Bacchante endormie ; elle a la main droite appuyée sur une urne, et de l'autre tient embrassé un petit satyre; bas-relief terre cuite. — 51 livres.

Vente Dubois, Verrier, et Clodion frères (1783).

Vase avec des groupes de jeux d'enfants, deux chimères aux anses. 8 pouces, 9 lignes de haut. — 72 francs.

Un faune et une corybante dansant, deux morceaux pleins de grâce; 14 pouces de haut. — 51 francs.

Deux petits satyres jouant avec des oiseaux.— 56 francs.

Jolie figure de femme, sur colonne d'albâtre avec base de griotte.

— 5i francs.

Vénus donne un baiser à l'Amour pour le récompenser de lui avoir fait aimer Adonis. — 24 francs.

Une bacchante fait danser un petit satyre; des Amours allument leurs tlambeaux. — 5 1 francs.

Ces différentes compositions sont en terre cuite: les prix en sont étonnamment minimes et bien inférieurs à ceux des ventes précédentes. D'où cela vient-il ?

Vente de Mme Lenglier (1788).

Triomphe de Bacchus, bas-relief de 20 figures, terre cuite , l i pouces sur 42. — Retiré.

Une femme tient des colombes, et une seconde des grappes de raisin ; 10 pouces de haut. — 81 francs.

Vente Tronchin (1789).

Deux vases, avec des jeux d'enfants en bas-relief; deux têtes de béliers forment les anses; M pouces sur 7, non compris un socle de marbre de griotte d'Italie (provenant du cabinet du prince de Conti).

— 981 livres.

Vente Lebrun (1791).

Deux bacchantes : l une joue du tambour de basque, l'autre montre une grappe à un petit satyre. Terre cuite, sous verre. (Provenant de la vente Charost, où ce groupe avait été vendu 450 livres.) — 500 francs, H a mon.

Une vestale voilée tient une patèreet un vase : prèsd'elle, un trépied. Beau morceau très-soigné; 18 pouces sur 7; terre cuite. — 60 francs ; Radet.

Vente Nicolas, marchand d'estampes (1806). La Force vaincue par l'Amour.

Vente Hoorn Van Vlooswick (1809).

Les trois Grâces; 2 groupes en bronze ciselés par Clodion, supportant deux coupes de matière antique. Dix pouces six lignes de haut, neut pouces de diamètre. — 1,000 francs; Lebrun.

Vente Grandpré (1809).

Groupe de la fontaine d'amour, dans lequel est ajouté un mouvement de pendule par Pinson. — 371 francs; Paillet.

Trois figures de femmes en cariatides, supportant un globe de verre, avec mouvement de pendule par Lepaute. — 1,020 francs; Paillet.

Deux groupes, le Désir et la Pudeur. 541 francs.

Un jeune faune avec une bacchante : elle porte sur sa tête un tambour de basque rempli de raisins et de vignes , et donne la main à un joli enfant. — 220 francs.

* ente Godefroy (1813).

Bacchante couchée près d'un enfant, et tenant une coupe ; terre cuite sur pied plaqué en chêne avec filets de cuivre. — 199 francs 95 c.

Vente Lemoyne, architecte (1828).

Un petit satyre courant avec un oiseau qu'il tient dans ses bras; terre cuite sur socle de marbre rouge de Languedoc; 12 pouces de haut. Naïades nues et satyresses assises. — Ensemble 129 francs 95 c.

Vente Duriez, bibliophile (1829).

Bacchus enfant, appuyé sur un tympanum et couché sur des raisins ; terre cuite.

Nymphe pressant une grappe sur la bouche du jeune Bacchus; auprès de lui, une bacchante endormie et un vase.

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