PEINTURE A LA DÉTREMPE

fut par excellence la langue pittoresque des mystiques, à Colojrne, à Sienne, à Pérouse et chez Fra Angelico. Avant que la technique naturaliste de riiuile n'introduise des sensations plus matérielles dans la peinture, elle conserve aux vierges et aux anges une légèreté lumineuse et incorporelle qui convient à des créatures célestes.

Les plus anciens panneaux ont disparu et il faut avancer beaucoup dans le xiV siècle pour trouver des monuments importants de peinture. Le plus intéressant de ceux-ci n'est pas un tableau, mais un dessin sur étoffe : le Parejuent de Narbonne (Louvre). Sur ce parement d'autel en soie blanche, le pinceau a lavé à Tencre des scènes de la Passion encadrées d'arcatures gothiques. On a beaucoup dit que l'absence de couleur, dans cette œuvre, s'expliquait par un raffinement suprême de coloriste fatigué des effets ordinaires. En réalité, cette peinture noire et blanche, ces couleurs de deuil ont été choisies pour décorer l'autel en semaine sainte ; les scènes représentées évoquent d'ailleurs la mort du Christ; une mitre conservée au niusée de Cluny, décorée en grisaille, suivant le même procédé, par une mise au tombeau, appartenait sans doute aux ornements sacerdotaux du Vendredi Saint. A défaut d'or et de couleur, cette composition montre le dessin délicat des maîtres parisiens vers 1375. Ce style, difficile à définir, est, comme celui des Siennois du xiv' siècle, une transformation de formules byzantines au goût gothique; la manière de grouper les personnages, de draper les saintes femmes fait songer à Duccio. Mais ici des lignes finement incisées se combinent à des ombres lavées délicatement, pour dessiner de sveltes figures et donner aux visages une expression accentuée. Mieux que la miniature contemporaine ou les panneaux postérieurs, un pareil dessin, qui n'est pas noyé dans la couleur molle et crémeuse de la détrempe ou de la gouache, montre combien les peintres gothiques alliaient joliment la mollesse des formes à l'acuité du contour. Cet art n'est pas simple ; les draperies entortillées, les gestes contournés, les petites grimaces des figures ne sont pas sans quelque afféterie. Mais cet excès d'intention dénote un art libéré de* formules traditionnelles ; l'artiste même est assez maître de son dessin pour mêler à l'iconographie habituelle d'authentiques portraits, parfaitement reconnaissables. De chaque côté du Christ en croix, Charles V et la reine Jeanne de Bourbon prient à genoux, et ces deux figures au long nez, ces deux portraits d'expression bourgeoise se tiennent aussi bien dans l'ensemble que des figures décoratives. Le Parement de Narbonne, comme les sculptures contemporaines, est une œuvre précieuse et raffinée^