AU XIX" SIÈCLE

Le XIX* siècle est un des plus grands siècles de la poésie française. Il faut remonter jusqu'à la Renaissance pour retrouver une telle quantité de poètes et une si riche production de chefs-d'œuvre. Le XVI" siècle a tout inventé en poésie ; le xvii" siècle a tout perfectionné ; le xix' siècle a fait plus : il a tout recréé, tout transformé, poésie dramatique, poésie lyrique, poésie descriptive.

Pendant les vingt premières années du xix' siècle, le théâtre en vers continue à suivre la tradition des élèves de Voltaire.

Arnault (1766-1834), qui commença à écrire sous la Révolution, fit des tragédies dans le goût de l'époque, c'est-à-dire avec les éternels personnages grecs et romains : Marins à Mintumes (1791), remarquable par la conception simple et antique ; Lucrèce (1792) ; Cincinnatus (1793) ; Germanicus (1817), etc.. La pièce des Yéniticns (1799) passe pour son chef-d'œuvre. C'est une curieuse résurrection historique et dramatique. Arnault a aussi écrit des fables qui sont intéressantes, bien que trop volontairement spirituelle»,.

Raynouard (1761-1836), apporta au théâtre sa méthode de savant et son goût historique. Une de ses pièces Les Templiers (1805) obtint un très gros succès, parce que c'était une pièce bien construite, qui surprit par la nouveauté du sujet et excita l'émotion

par l'héroïsme d'un grand souvenir mystérieux. Comme à l'époque de du Belloy, on crut à l'avènement d'un théâtre national. Hélas, c'était toujours l'aucienne et banale tragédie.

On n'était pas près, en tous cas, avec Luce de Lancival (1764-1816), de sortir des Grecs et des Romains. Hormisdas (1794), Mucius Scevola (1794), Fernandez (1797), Périandre (1798), Hector (1809) continuent la vieille tradition. Versificateur infatigable et terrible, Luce de Lancival se piquait d'imiter Homère. Il s'inspira même si étroitement du poète grec que tout était d'Homère dans ses pièces, et qu'il n'y avait plus rien de lui, que ses vers, qui ne valaient pas grand'chose.

Ancelot (1794-1854) fut moins monotone et jouit d'une réputation considérable, c'est un des rares poètes royalistes que Louis XVIII crut devoir soutenir, et qu'il pensionna généreusement pour avoir fait Louis IX, pièce royaliste très applaudie (1819), Le Maire du Palais (1823) n'eut pas la même fortune. Fiesque (1284), plut moins encore. Ancelot a fait de nombreux drames et vaudevilles en collaboration.

Le nom de M. de Jouy (1764-1846) ne doit pas être oublié, bien que ses œuvres méritent l'oubli. Le curieux auteur des chroniques de YErmite de la chaussée d'Antin voyagea beaucoup et fit un drame exotique, Tippo Saâb (1813). Grâce à Talma, le Sylla de M. de Jouy eut un immense succès en 1821. On a, du même auteur des libretti d'opéras, entre autres celui de la Vestale de Spontini, et de Guillaume Tell de Rossini.

Une gloire plus pure s'attache au nom de Casimir Delavigne (1793-1844), qui peut être considéré comme un des meilleurs poètes dramatiques de la Restauration. Une série d'œuvres distinguées et d'accent nouveau établirent sa réputation : Les Vêpres Siciliennes (1819), les Comédiens (1821), le Paria (1821), V Ecole des vieillards (1823), Marino Faliero (1829), Louis XI (1832), Les Enfants d'Edouard (1835), etc...

Casimir Delavigne est une sorte de compromis, de transition entre le classicisme et le romantisme. Poète populaire du parti libéral, il essaya de réaliser une forme de tragédie plus moderne ; il voulut assouplir, détendre le vers classique ; il lui donna plus de familiarité, plus de prosaïsme. Delavigne fait souvent l'effet d'un Victor Hugo sans génie. Il a la noblesse, l'émotion, la tenue d'un Paul Delaroche de l'art dramatique.

Pierre Lebrun (1785-1873) eut également l'instinct novateur et fut un de ceux qui hâtèrent l'évolution qui allait s'accomplir. Son adaptation très vivante de la Marie Stuart de Schiller, qui fut acclamée en 1820, contribua à l'avènement du romantisme. Mais Lebrun n'avait pas assez de talent pour accomplir une révolution littéraire. Il dut renoncer au théâtre, après avoir tenté de refaire à peu près le Cid de Corneille.

Népomucène Lemercier (1771-1840) n'avait pas non plus assez de génie pour réaliser la réforme attendue. C'était cependant un esprit plus personnel que Casimir Delavigne et plus ardemment avide de nouveauté. Après avoir cherché l'originalité et l'énergie dans l'imitation homérique avec son Agamemnon (1797), œuvre de haute aillure qui fit sa réputation, Népomucène Lemercier reprit à son tour la tentative de du Belloy, en remettant au théâtre les sujets historiques, Charlemagne (1810), Frédégonde et Brunehaut (1821), Richard III (1823), Charles VI, Lotàs XI, etc... Malheureusement cette ardeur de nouveauté poussa le poète à publier des épopées qui achevèrent de discréditer le genre classique.

Alexandre Soumet (1786-1845) fut encore un de ceux qui sentirent le besoin de rénover la tragédie. Soumet avait un réel talent, des dons magnifiques, des qualités rares. Il souleva l'enthousiasme avec Clytemnestre et Saûl (1822), Cléopdtre (1824) et Jeanne d'Arc (1825). Sa Fête de Néron (1829) fut un événement. On acclama la poésie retentissante, pleine, large, colorée, souvent emphatique, mais

d'une énergie peu commune qui donnait à ces nouvelles tragédies toute la violence du drame. Il n'a manqué à Soumet qu'un peu plus d'audace et une langue plus créatrice.

Il était réservé au génie de Victor Hugo de briser définitivement le moule de la tragédie classique, d'en refaire la langue et d'inaugurer le drame romantique ; avec lui finit l'imitation ancienne. C'est Shakespeare et Schiller qui deviennent les nouveaux modèles, an point qu'on appellera les romantiques des « Campistron de Shakespeare ». L'imagination prend exclusivement possession du théâtre. Victor Hugo mêle tous les genres, comédie, drame, rire, tragicité, débordement épique et lyrique. Ses pièces sont du Shakespeare, en effet, mais du Shakespeare artificiel, sans ce génie, sans cette note de vérité, de sensibilité, d'observation et d'humanité qui immortalisent l'œuvre de l'auteur anglais. Victor Hugo a mis sur la scène la caricature de l'histoire, la situation a priori, la construction voulue, le spectacle à effet, l'outrance de l'antithèse et des caractères, l'invraisemblance systématique et continue. Il n'a eu qu'une esthétique : tout oser, tout exagérer, tout montrer : le difforme, l'exceptionnel, le beau, le laid. On ne dégagerait pas de tout son théâtre un atome d'observation et de psychologie. Victor Hugo a pris l'énormité pour la grandeur, et il a embelli labsurdité par la magnificence. Ce qui sauve son théâtre, ce qui l'empêche de mourir, c'est la séduction de la forme, c'est le lyrisme, l'exaltation, le ruissellement de la poésie, poés'e d'un grand poète, partout débordante et partout présente, et aussi l'entente de la scène, le don du dialogue, le sens de la construction et de l'intérêt dramatiques. Voilà ce qui empêche le public d'apercevoir la puérilité de ses pièces inconcevables.

Victor Hugo a développé ses idées dans la préface de son injouable Cromwell (1827). Sa meilleure œuvre est Hernani, qui se soutient par le lyrisme et les beaux vers. Marion Delorme est encore de

l'exaltation romantique. Le roi s'amuse a définitivement vieilli. Ruy Blas est uno absurdité atroce. Victor Hugo termina sa carrière poétique théâtrale, comme il l'avait commencée avec Cromwell, par un drame encore injouable, Les Burgraves, qui sont une pure composition épique.

Alexandre Dumas père (1803-1870) fut à cette époque le rival heureux de Victor Hugo. Ecrivain dramatique bien supérieur, le vieux Dumas posséda au suprême degré le sens tragique, le métier de la scène, le don des situations, la vie des caractères et du dialogue. Essentiellement homme de théâtre, il dépasse même le débordant romantisme de Hugo dans ses pièces en prose, comme Antony et la Tour de Nesles. Il n'est inférieur à Hugo que par la poésie. Voilà son côté faible. S'il eût été poète, sa gloire eût effacé celle de Victor Hugo. Charles Vil chez ses grands vassatix et Christine (1830) sont les meilleures pièces en vers d'Alexandre Dumas. Ses plus grands succès ont été des pièces en prose.

Alfred de Vigny (1799-1863) a sa part d'initiative considérable dans le mouvement théâtral romantique.

Sa préface d'Othello (1829) est un manifeste littéraire gros de revendications et de conséquences. Reprenant la tentative de Ducis, il crut le moment venu de donner une adaptation de cet attirant Shakespeare, qui représentait alors l'idéal dramatique opposé à l'idéal Racinien. Sa traduction fut malheureusement moins audacieuse que son manifeste ; son Othello n'eut qu'un succès d'estime. La révolution de 1830 ayant éloigné de la scène son Marchand de Venise, Vigny se résigna à écrire des pièces en prose, la Maréchale d'Ancre et Chatterton, qui fut un triomphe.

La frénésie du théâtre romantique devait amener une réaction. On s'aperçut que le drame de Victor Hugo non seulement ne renversait rien ni ne remplaçait rien, mais que le goût classique n'était pas mort. Un homme arriva de province avec une tragédie classique dans sa poche : c'était Ponsard

(1812-1867). Sa Lucrèce excita de la surprise, de l'enthousiasme, du délire ! On revoyait enfin les anciens alexandrins, la vieille poésie cornélienne, les bonnes périphrases de tout repos, avec quelque chose de plus moderne, de détendu, de changé. L'acclamation devint un engouement et une mode. Agnès de Méranie (1846) eut moins de succès. L'étonnement passé, on remarqua la monotonie des tirades. Ulysse était plus faible encore. La politique fit réussir Charlotte Corday (1856), pièce mâle, bien frappée, où il y a de belles tirades, entre autres le fameux trio Robespierre, Danton, Marat. Le Lion amoureux, éloge de la Révolution (1866), n'est pas non plus une œuvre indifférente ; mais Galilée, satire contre l'Eglise (1867), est définitivement mauvaise. La poésie de Ponsard finit dans la prose.

Tels sont à peu près les noms des poètes illustres de l'art dramatique à cette époque. Il nous reste à mentionner les œuvres qui éclairent et accompagnent ces œuvres glorieuses.

Emile Deschamps (1791-1871) secondait l'effort romantique par de prosaïques et bonnes traductions de Shakespeare, Roméo et Juliette (1839) et Macbeth (1844).

Viennet tentait un mouvement de réaction classique en faisant jouer sans succès, d'ailleurs, quantité de tragédies banales dans le goût du xviii* siècle, Clovis, Alexandre, Arbogaste, Achille, Placidie, les Incas, les Péruviens...

En 1848, la Fille d'Eschyle d'Autran passe pour une bonne imitation de l'antique.

Charles de Brifaut, homme du monde, honame de goût et même académicien, donna Jeanne Gray (1807), Ninus (1813), Charles de Navarre (1820), Olympie (1826). Tout cela est oublié.

Chateaubriand eut lui aussi la faiblesse d'écrire une tragédie, Moïse, reçue au Théâtre-Français en 1828, qui est franchement mauvaise et qu'il s'entêta longtemps à vouloir faire jouer.

Quelques pièces encore méritent d'être citées dans

cette seconde moitié du xix" siècle : la Médée et les Deux Reines d'Ernest Legouvé (1856) ; les productions de Louis Bouilhet, qui fut excellent poète d'assimilation et donna Madame de Montarcy (1856), Hélène Peyron (1858), Dolorès (1862), la Conjuration d'Amboise, belle pièce aux vers très romantiques ; les Erynnies (1873), adaptation-traduction des deux premières parties de VOrestie d'Eschyle, où Leconte de Lisle essaya de mettre sa force lyriqpie et son vers sonore ; la FUle de Roland d'Henri de Bornier (1875), qui, par son ampleur à la fois bourgeoise et cornélienne, obtint un vif succès patriotique ; VHetraan de Déroulède (1877), également remarquable par son élan de patriotisme ; Paul Forestier, le djrame passionné d'Emile Augier, prosateur que nous verrons triompher dans la comédie.

Enfin le xix" siècle se termine par un« vraie renaissance du drame en vers, qui compte quelques fortes pièces : Pour la couronne, Severo Torelli et les Jacobites de François Coppée, déjà célèbre par le Passant, un petit chef-d'œuvre d'originalité, de grâce et d'émotion ; le Flibustier et Par le glaive de Jean Richepin, deux œuvres très personnelles ; Y Aiglon et Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand. Et constatons, en fin de compte, que dans la gravité tragique ou dans la broderie fantaisiste, c'est encore et c'est toujours la langue poétique de Victor Hugo qui règne au théâtre. Il n'en existe plus d'autre.

Nous allons voir la comédie en vers suivre à peu près la même évolution que le drame. Au début, noua sommes encore dans la comédie classique du XVIII* siècle, avec Etienne (1778-1845), excellent auteur des Deux gendres (1808), Brueys et Palaprat (1807), et Vlntrigante (1813) ; et Casimir Bonjour, poète ennuyeux et banal, dont les pièces sont justement oubliées, même les Deux cousines, sa meilleure (1823).

Casimir Delavigne ennoblit et relève le genre. Ses Comédiens sont peu scéniques ; mais l'Ecole des vieillards est une œuvre originale, la première où l'on

ail pris au tragique le caractère d'un vieillard amoureux.

Avec Emile Augier (1820-1889), la comédie se transforme bourgeoisement, devient émue et sérieuse, trouve une langue noble et nouvelle. Après un brillant début, la Cigûe, élégant pastiche plein d'amertume, à la manière antique, Augier donna Gabrielle (1849), qui fut un événement. C'est la glorification de la famille, l'apologie du foyer, l'idéalisation du mari, la faillite de l'adultère, le rebours de toutes les exaltations romantiques. L'Aventurière, pièce très bien faite, Philiberte, la Jeunesse, complètent la physionomie poétique de celui qui fut le chef de l'Ecole du bon sens, l'émule de Ponsard. Ponsard est beaucoup plus sec, beaucoup plus banal dans VHonneur et Vargent (1853), comédie qui n'a pas paru, même aujourd'hui, entièrement surannée. Elle a la marque de l'époque, elle est très déclamatoire ; mais il y a de belles scènes et de fortes répliques. Parlerons-nous d'Eugène Scribe ? Il n'a guère à son actif de poète que des libretti d'opéra versifiés avec facilité : la Dame Blanche, les Huguenots, Robert le Diable, le Prophète, la Juive, la Muette, le Domiîio noir.

En somme, c'est la poésie lyrique et descriptive qui est l'originalité, la marque, la gloire du xix" siècle. Lamartine et Victor Hugo ont vraiment créé la poésie lyrique.

On aperçoit déjà les germes de cette évolution de la grande poésie dans quelques poètes précurseurs : Millevoye (1782-1816), élève de Parny et l'auteur d'une élégie, la Chute des feuilles (1812), qui lui donna, à elle seule, la réputation de toute l'œuvre de Parny. L'émotion et le cœur y étaient ; Charles Loyson (1791-1820) a gardé le ton de Millevoye et annonce déjà Lamartine ; Baour Lormian, par sa traduction en vers d'Ossian et ses Vallées poétiques, prépare les mélancolies et les tristesses du prochain lyrisme ; enfin Fontanes, homme de goût, poète facile et réfléchi, publie l'Ode à la lune, la Chartreuse

et le Jour des morts, où l'on trouve un commencement de l'inspiration Lamartinienne, que ne pourra retarder la suprême tentative classique de Casimir Delavigne. On acclama les chants de liberté, les odes ardentes et factices des Messéniennes, vers élégants et à périphrases, compositions de rhétorique qui empruntèrent à la politique leur retentissement et leur éloquence ; œuvre de fausse antiquité, très réussie, mais froide, artificielle et presque illisible aujourd'hui.

Mme Desbordes-Valmore, par son premier recueil, Elégies et romances (1819), fut Tannonciatrice la plus proche et la plus immédiate de la poésie Lamartinienne. Elle n'a ni le lyrisme ni les aspirations du chantre d'Elvire ; mais sa poésie a la même élégance et la môme limpidité, et c'est déjà l'expression profonde, sincère d'une sensibilité personnelle.

Alfred de Vigny (1799-1863), a été véritablement le premier précurseur du romantisme, dans ses productions de début, comme la Fille de Jephté. Vigny est un grand poète qui, après des années d'indifférence, est désormais définitivement replacé sur son piédestal de gloire, dans son immortelle attitude de noblesse et de dignité. Ce qui le caractérise, c'est la poésie philosophique, bien plus que la poésie lyrique. Il incarne le doute, la négation, l'incrédulité hautaine et tranquille. La Colère de Samson, Moïse, la Maison du Berger, certains passages û'Eloa, Dolorida, le Cor, etc., sont des œuvres de toute beauté. La grandeur de la pensée lui tient lieu d'image. Malheureusement si le vers philosophique fait son originalité, il a fait aussi son infériorité. Bien des poèmes de ses Destinées sentent déjà la future école de Sully Prudhomme. Vigny est toujours grandiose ; mais il lui arrive trop souvent, en voulant écrire de beaux vers, d'écrire des vers qui sont simplement de la très belle prose. Malgré ces défauts, sa vie et son œuvre sont d'une élévation incomparables.

Vigny ne fut d'abord que le poète d'une élite. La rcnomittée de Lamartine, au contraire, fut fou-

droyante ei universelle. C'est de lui que date le changement complet de la poésie en France. Les Nymphes, le Pinde, le Parnasse, les Miises, toute l'antique mythologie disparut avec les Méditations (1820), et fut remplacée par les gémissements, l'inspiration, la sensibilité de l'âme même. Dieu, l'amour, la destinée, l'existence du mal, soifs d'immortalité et d'infini, mélancolies et désenchantements, tout ce que peut contenir le plus noble et le plus pur sentimentalisme mystique : voilà ce que nous a révélé Lamartine. Comme il le disait, « au lieu de la lyre dé convention, c'étaient les fibres mêmes du cœur de l'homme qu'il faisait vibrer », en y ajoutant le sens profond de la nature et les incomparables séductions d'une langue exquise. Le Lac est un chant immortel. Dans les Nouvelles Méditations (1823), le Crucifix, les Etoiles, Bonaparte ne périront pas. On lira toujours dans les Harmonies (1829), Novissima Verba, le Premier regret, et la yigne et la Maison des Recueillements poétiques (1839).

Avec Jocelyn (1836), Lamartine a tenté de nous donner l'épopée intime, domestique, sentimentale et descriptive. Le fond de l'histoire est absurde ; mais cet amour idéal, très pur et très équivoque, eut un prodigieux succès, surtout chez les femmes. La narration poétique y est de premier ordre, et la qualité du vers d'une délicatesse admirable. En abordant le démesuré et le colossal dans la Chute d'un ange (1838), Lamartine exagéra sa facture, força son talent et fit une oeuvre d'un goût beaucoup moins pur. On y sent l'artificiel, l'abua de la verve et de l'image ; mais il y a d'intenses descriptions. Nous sommes loin, en tous cas, des poèmes de Parceval de Grand'maison, comme les Amours épiques (1804), où il racontait en style de Delille les amours empruntées aux grands poètes, l'Arioste Virgile, Homère, Milton, ou comme son Philippe-Auguste en 12 chants, qu'il publiait à l'époque même des Méditations.

Victor Hugo (1802-1885) a eu sur l'évolution de la poésie française une influence aussi considérable, plus directe encore, plus visible, plus matérielle. Non seulement Victor Hugo a créé la langue poétique et dramatique ; mais il a changé, transformé, repétri la facture du vers français. C'est un grand poète et un prodigieux artiste. Son génie, sans cesse en évolution, a eu tous les tons, toutes les ressources, toutes 'les virtuosités de l'inspiration et du métier, plasticité, couleur, formes, sonorités, images.

Il a d'abord fait du Casimir Delavigne : Les Vierges de Verdun, Naissance du duc de Bordeaux, Sacre de Charles X (Odes et Ballades, 1822). Les Orientales (1828), les Feuilles d'automne (1831), les Voix intérieures (1837), les Rayons et les Ombres (1840), montrent le rapide développement de son imagination lyrique. Les Contemplations (1856) fixent enfin sa véritable personnalité, qui grandit, se renouvelle, se surpasse encore, à partir de 1859, dans les séries de sa Légende des siècles. On ne peut contester que Victor Hugo ait trouvé là un ton, un mode de narration, un genre de récits descriptifs véritablement imposants, malgré tout ce que ces poèmes ont d'exagéré et de convenu. H n'y a d'abord aucune espèce d'unité. Ni les croisades, ni Jeanne d'Arc, ni la Révolution ne figurent dans cette résurrection du passé. C'est une vision" énorme, sans proportions ; mais c'est bien réellement une épopée. Par la variété de sa production incessante, par sa puissance verbale, par la vie de ses métaphores et ses dons miraculeux de création plastique, Victor Hugo peut être considéré comme le plus grand artiste de mots et d'images qui ait jamais paru dans toute notre littérature française.

Le romantisme eut à la même époque son poète d'élégance, de fantaisie, d'aristocratie littéraire : Alfred de Musset (1810-1857), qui est, en outre et par excellence, le poète de l'amour et de la passion. Musset résume l'outrance romantique, l'incrédulité frondeuse, l'esprit, la verve, la modernité, l'ironie, le

persiflage, et en même temps il a un don de sincérité, de sensibilité, de profondeur dans l'amour comme il n'y en a peut-être pas d'autre exemple. Ses Nuits sont des chants de douleur immortels. VEspoir en Dieu est le cri éternel des âmes. Musset mérita le titre de Byron français. Il reste le poète de la mélancolie et de la souffrance amoureuse. L'amour et la femme sont presque la seule inspiration non seulement de sa poésie, mais de son théâtre. C'est pour cela que la jeunesse lira toujours Musset et que l'auteur de Rolla, malgré son dandysme déclamatoire, garde un caractère de vérité et d'éternité qui immortalise une partie de son œuvre, dont une autre partie est faite de prose pétillante et de vers faciles.

Les Poésies de Sainte-Beuve, Joseph Delorme (1829), et les Consolations (1830), eurent aussi leur large part d'influence sur le mouvement romantique. Elles n'ont ni coups d'aile ni images grandioses : leur charme est fait d'intimités, de demi-teintes, de qualités d'âme, vie intérieure, sensibilité méditative, mélancolie d'amour effacé et sincère, mysticité, religiosité, délicatesse... Ce recueil, dont on pourrait citer bien des pièces remarquables, contient déjà ce ton familier, réaliste, de douceur pénétrante, que nous retrouverons dans Coppée. Malheureusement Sainte-Beuve n'était pas grand poète et ses vers ne sortiront jamais tout à fait de leur brouillard de monotonie un peu grise.

En contraste avec Sainte-Beuve, Théophile Gautier (1809-1866) est bien le plus effréné, le plus immoral, le plus échevelé, le plus truculent, le plus fou de tous les romantiques. Apôtre illuminé de l'art pour l'art, ivre de vie, de fantaisie, de mots, d'images, de formes, joaillier de phrases, triomphateur d'épithètes, éblouissant styliste, il représente la verve intarissable, l'excès du romantisme, l'ironie, la plasticité, l'exagération, la licence, l'intempérance de description et de couleur. Albertus (1832), la Comédie de la mort. Pensées de minuit résument le fond de sa manière, l'imagination et le métier, cet art exquis et parfait qu'il a condensé, purifié et, pour ainsi dire, solidifié dans ses Emaux

et Camées (1852), chef-d'œuvre de rythme, de délicatesse et d'habileté. Ciseleur de matière rare, il n'a manqué à Théophile Gautier que la sensibilité franche et la sincérité de l'âme.

Alexandre Soumet publia à <;ette époque un grand poème épique, la Divine épopée (le rachat des âmes par le Christ) dont le souvenir ne doit pas périr et qui contient des morceaux de premier ordre, pouvant rivaliser avec ce qu'il y a de meilleur dans Lamartine et Hugo.

Vers le même temps (1820) Népomucène Lemercier donnait d'énormes poèmes qui n'annonçaient encore que la folie romantique, comme la Panhypocrisiade, œuvre infernale et fantastique, et VAtlhntide, où sous forme d'allégories invraisemblables, évoluaient des personnages qui s'appelaient Calorique, Gravitation, Phosphore, Oxygène et Attraction.

L'épanouissement de la grande poésie de Hugo et de Lamartine n'empêche pas l'éclosion d'un genre plus modeste, la Chanson, auquel le talent de Déranger donna des lettres de noblesse littéraires. La chanson devint avec lui une espèce de lyrisme populaire. Déranger fut célèbre parce qu'il traduisit les idées, les prédilections, le patriotisme, les rancunes et les colères de son temps. Il dut certainement une partie de sa renommée à la politique, à ses attaques contre la Restauration, à son anticléricalisme bourgeois, à sa grivoiserie de bonne humeur, à sa philosophie simpliste et vulgaire ; mais il mérita une partie de sa réputation par quelques chansons qui sont des chefs-d'œuvre : Le Roi d'Yvetot, la Grand' mère, le Juif-Errant, etc. Il est malheureusement trop souvent le Joseph Prudhomme et le Paul de Kock de la poésie.

Les chansons, pleines de sincérité, de franc rire et de verve, de Désaugiers (1772-1827) méritent de n'être pas oubliées, même à côté des chansons de Déranger.

Pierre Dupont (1821-1870), qui, un moment eut autant de vogue, est essentiellement champêtre et rustique. Auteur de la Chanson du blé, Ma vigne, le

Louis d'or, le Braconnier, Pierre Dupont a fait aussi des chansons politiques.

A son tour, Nadaud (1820-1893) obtint une réputation avec des chansons pleines d'esprit, sentimentales, attendries et de facture délicate : Les Deux gendarmes, la Forêt, etc..

La satire, comme genre, est bien près de la chanson. La poésie satirique en France compte quatre noms remarquables : Barthélémy et Méry, Auguste Barbier et Victor Hugo.

Versificateurs d'un-e surprenante facilité, écrivains descriptifs satiriques et politiques, les auteurs de la Némésis (1831) n'ont pu survivre à l'actualité. Les Ïambes d'Auguste Barbier (1805-1882) excitèrent l'enthousiasme. L'Idole et la Curée (1830) restent célèbres. « 0 Corse à cheveux plats !... » C'est une œuvre de vrai poète, écrite dans une langue inférieure et réaliste, une déclamation de génie traversée d'un souffle de sincérité et de liberté. Barbier est aussi l'auteur du Pianto, noble et très beau poème.

Les Châtiments de Victor Hugo sont encore un© satire, ou plutôt un pamphlet politique en vers inoubliables, en vers flagellateurs, violents, souvent injustes, où Victor Hugo a mis des accents d'indignation, de colère et de révolte qu'il n'a pas retrouvés dans YAnnée Terrible.

Revenons à la poésie lyrique. Théodore de Banville mérite une place spéciale, à côté de Théophile Gautier, par son talent incontestable, fait surtout de fantaisie, d'habileté, d'imagination verbale. Les Cariatides (1845) sont d'un lyrisme adouci, plein de couleurs et d'images. Les Stalactites (1845) et les Odelettes (1848) révèlent une dextérité et un sens du rythme étonnants. Tout le monde a lu les spirituelles charges des Odes Funambulesques. Les Exilées contiennent les inspirations sévères et graves que lui inspira son culte de la mythologie et de l'antiquité. La noblesse et l'émotion n'ont pas fait défaut à ce poète de métier et de facture.

Leconte de Lisle (1818-1894) fut le chef de l'Ecole

dite des Parnassiens. L'auteur des Poèmes antiques et des Poèmes barbares est un grand poète impassible, pantliéiste, pessimiste, dédaigneux, hautain, au vers plein et sonore, très travaillé, plastique, nerveux, haut en couleur, marmoréen et magnifiquement et continuellement descriptif. Un Delille « flamboyant », comme a dit à peu près Sainte- Beuve. Leconte de Lisle nous a laissé des évocations antiques et préhistoriques pleines de magnificences, des paysages exotiques remarquables par l'allure grandiose et la perfection massive. Si son émotion est toute scientifique et symbolique ; ai la vie et la tendresse lui manquent, il possède, en revanche, toute la splendide matérialité de l'art. Les Parnassiens furent tous, d'ailleurs, des descripteurs immobiles, des dominateurs d'émotion, des sculpteurs étincelants, des stylistes de métier, des coloristes en relief. On compte dans cette école Gautier, Banville, Louis Ménard, Léon Dierx, Emile Deschamps, Emmanu-el des Essarts, François Coppée et Verlaine, ces deux derniers transfuges de la première heure, et enfin Heredia l'impérial auteur des Trophées (1893) te suprême représentant de la perfection descriptive.

L'œuvre de François Coppée (1842-1908) nous révèle tout un côté nouveau de la poésie romantique personnelle : intimité, familiarité, douceur pénétrante, sensibilité intérieure, croquis domestiques et parisiens, amour des humbles, inspirations populaires, idéalisation du prosaïsme, réalisme bourgeois, types, idylles, amours, petits métiers, etc. Voilà sa note, voilà le genre où il a excellé, où il a été un maître. Coppée a écrit les Humbles, les intimités, le Cahier rouge, Olivier, Poèmes modernes et Récits et Elégies (1878) qu'il semble avoir empruntés à la Légende des Siècles.

Sully Prudhomme (1839-1907) lut plus paHiculièrement le descendant direct de la poésie Lamartinienne. Son art a deux faces : poésie purement d'émotion, de délicatesse, de sensibilité ; et poésie de pensée, exclusivement philosophique. Dans ses

Stances et Poèmes, les Epreuves (1866), les Solitudes (1869), les Vaines tendresses (1874), sa langue précise et raffinée a traduit l'inexploré du cœur et de l'amour. Il a décrit l'insaisissable, la nuance, le sentiment, le fond du rêve, les plus intimes secrets de la mélancolie et de la tendresse. Ses recueils, les Destins, la Justice, le Prisine sont des poèmes philosophiques et la partie de son œuvre qui mourra le plus vite.

Pour compléter ce rapide tableau, il nous reste à citer les noms de ChênedoUé (1769-1833), l'auteur du Génie de l'homme, poème philosophique, qui contient des descriptions remarquables ; Mme de Girardin, spirituelle et sans émotion ; Mme Amable Tastu, Anaïs Ségalas ; Antony Deschamps, le douloureux auteur des Dernières paroles (1835) ; le caustique et spirituel Roger de Beauvoir ; Berchoux et sa Gastronomie ; les satires froides et oubliées d'Amédée Pommier, Hégésippe Moreau (1810-1838), l'auteur ému du Myosotis ; Charles Nodier, l'ami d'Alfred de Musset ; Jean Reboul, le poète boulanger, qui a laissé l'élégie l'Ange et VEnfant et quelques beaux vers sur les arènes de Nîmes ; Gérard de Nerval, poète d'élégance, d'hésitation et de goût ; Brizeux (1803-1858) qui, dans son poème Marie (1827), a exprimé la sincérité de l'amour, la simplicité du cœur, la douceur et le charme du sol natal et qui a évoqué dans ses Bretons (1845), l'énergie de la Bretagne, ses mœurs, ses types et ses coutumes ; de Laprade, poète de noblesse et de belle tenue, descriptif et symbolique, qui a senti la nature et la montagne, auteur de Psyché (1842), Odes et Poèmes (1843), Symphonies (1855), Idylles héroïques, le Livre d'un père (1876), un poème, Pernette, et des Poèmes Evangéliques d'une belle inspiration ; Joseph Autran, sincère évocateur dans ses Poèmes de la mer (1835) et qui, dans sa Vie rurale (1854), a montré des dons de poésie distinguée, bien que manquant de plasticité et de relief ; La Caussade, qui a écrit des Poèmes et des paysages (1852) ; Baudelaire (1821-

1867), auteur des Fleurs du mal (1857), poète d'une perfection de form« raffinée, qui s'est complu dans la sensation maladive et malsaine, artiste mystique et brutal, d'un réalisme effroyable, compliqué, fiévreux, où l'on sent pourtant le son d'unis âme et le culte de la beauté ; Louis Bouilhet, l'ami de Flaubert, qui a fait du Delllle solide dans ses Fossiles, du Théophile Gautier dans ses Festons et astragales, et du Musset dans Mélœnis ; Eugène Manuel, un Coppée sans suavité et moins lyrique, auteur des Ouvriers ; André Lemoyne, curieux peintre de nature et de paysage {Les charmeuses, 1870, Paysages de mer, 1876, Légende des bois, 1878) ; Josephin Soulary, le roi du sonnet ; André Theuriet et ses poésies rustiques si profondément senties, les nobles inspirations du parnassien, Léon Dierx ; Mme Ackermann, dont la forte poésie philosophique, écho fidèle, trop fidèle, d'Alfred de Musset (1874) est un cri si émouvant d'athéisme, de néant et de désespérance ; l'œuvre populaire de Jean Aicard, ses Poèmes de Provence et sa Chanson de VEnfant ; Armand Silvestre et son panthéisme mélancolique ; Mallarmé si souvent inintelligible ; Jean Richepin, auteur de poèmes éclatants et populaires, la Chanson des gueux (1876) et les Blasphèmes (1884) ; Henri de Régnier, Jean Moréas, H. de Bornier auteur d'un drame célèbre, la Fille de Roland, Catulle Mendès, poète rutilant, romantique, coloré de brillante et séduisante imagination, Samain, l'auteur parfait de Polyphème, Charles Guérin, si artiste, si impeccable et si profondément ému, et tant d'autres, sans oublier celui qui a dominé la sensibilité des dernières années du XIX' siècle, Verlaine, poète exquis, d'émotion profonde, qui a trouvé des expressions nouvelles de rêverie, de nuance, d'émotion et de tendresse.

Antoine Albalat.