Salon de 1894, Société des artistes français et Société nationale des beaux-arts

CEUX qui prétendraient que les Beaux-Arts ne sont plus aujourd’hui aussi florissants en France que jadis, il est facile de répondre.

A quelle époque, dans quel pays a-t-on jamais vu l’ouverture des Expositions de peinde sculpture constituer chaque année l’événement le plus con-

AVANT-PROPOS

sidérable, la préoccupation presque unique d’une population aussi nombreuse et aussi affairée que celle de Paris?

Le Salon est, plusieurs mois à l’avance, l’objet de toutes les conversations. Les journaux sont remplis d’indiscrétions préalables, de renseignements de toute sorte, de réclames anticipées. Les gens les moins intéressés à ce qui se passe dans le monde artiste s’inquiètent de savoir quels sont les noms des membres du jury, combien de toiles et de statues leur ont été soumises...

Huit jours avant le vernissage, on intrigue pour être admis à parcourir les salles du Palais de l’Industrie. Et le très aimable M. Louis Vigneron, le distingué secrétaire délégué de la Société des Artistes français, est obligé de prendre les airs les plus farouches pour faire respecter la consigne qu’il donne à l’armée des gardiens préposés à l’entrée du « sanctuaire ».

Ce n’est, du reste, ni la seule ni la plus terrible des besognes qui incombent à l’éminent administrateur que la Société des Artistes a choisi pour la représenter : il est l’organisateur en chef du Salon. C’est grâce aux mesures qu’il a su prendre que les divers jurys d’admission, par exemple, arrivent à pouvoir examiner, comparer, trier et émonder, en moins de dix jours, les sept ou huit mille ouvrages qui sont annuellement soumis à leur jugement. C’est encore lui qui s’occupe de la rédaction des procès-verbaux des séances du Comité des 90, des Sous-Comités, des Commissions de la propriété artistique, etc., etc.

Le classement des tableaux dans les salles est également une opération délicate qu’il faut faire d’une main légère et experte, avec le souci de l’harmonie des couleurs et la crainte de blesser des amourspropres toujours en éveil, ou de décourager les espérances de débuts trop ambitieux.

Trois commissaires, MM. Prétet en tête,Bisson et Glaudinont, exercent depuis longtemps ces fonctions avec une habileté digne d’éloges.

M. Collard

Rédacteur au CaUtîOQxie officiel.

AVANT-PROPOS

Sous-Commissaire au placement-

M. Prétet est un artiste convaincu, dont la physionomie est bien connue des Parisiens, surtout depuis que M. Roybet en a popularisé la rude et joyeuse expression.

M. Glaudinont, son lieutenant, est d’une taille menue; ses gestes courts ont une singulière vivacité; une barbe blonde en pointe affine encore la figure éclairée par des yeux malicieux sous l’ombre d’un chapeau à bords toujours plats.

M. Bisson, dont on a remarqué la jolie toile Tentation^ au dernier Salon, est un laborieux et savant collaborateur dont le zèle a été mis souvent à épreuve.

M. Prétet dirige donc l’opération du classement. Avant qu’elle soit en place, cette énorme collection de dix-huit cents tableaux coûte bien des peines et bien du temps aux commissaires. Ne serait-il pas absurde, en effet, d’accrocher les œuvres d’après un brutal ordre alphabétique ou suivant les hasards de leurs dimensions, aux murs des galeries?

Il y a à se préoccuper, pour que l’hospitalité qui leur est offerte ne soit ni banale ni même disgracieuse, de mille considérations qui n’ont rien avoir avec la géométrie. Il faut que les « voisinages » soient acceptables et, sans aller jusqu’aux naïfs désirs de « groupes sympathiques », que les sujets, les tons généraux des toiles s’harmonisent suffisamment pour que leur rapprochement ne soit point par trop disparate.

Ces difficultés obligent M. Prétet et ses collaborateurs à un triage préalable qui exige des soins infinis et un rare sentiment artistique.

Voici comment, au point de vue matériel, on parvient à mener à bien cette délicate et très fatigante besogne.

On divise les murs des salles en panneaux qu’on couvrira symétriquement de tableaux de toutes dimensions. Chaque panneau est d’abord constitué sur le plancher par les tableaux qu’on couche et

M. Bisson Sous-Commissaire nu placement.

i:e salon de 1894.

qu’on place plus ou moins haut d’après des numéros que le jury leur a donnés ; cela forme en quelque sorte une maquette. Et ce n’est que lorsque la gamme des couleurs est établie entre les differentes œuvres, qu’on les accroche aux murs.

Le jury inspecte alors les salles et donne sa sanction au travail des commissaires, et son rôle est maintenant, sinon terminé, du

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moins suspendu jusqu’à l’ouverture, époque à laquelle commence la répartition des médailles.

La création du jury, dont le rôle est si considérable, ne remonte qu’à 1748. Ce fut le directeur général des bâtiments, M. de Tournehem, qui l’institua, s’appuyant, pour soutenir son innovation, sur cette amusante et toujours juste remarque : « Que ce n’est pas le grand nombre mais le choix des tableaux qui rend les expositions intéressantes. »

Ce jury était composé du directeur de l’Académie, de deux recteurs, deux recteurs adjoints et de douze membres élus par les académiciens.

AVANT-PROPOS

peintres hors concours parmi lesquels, chaque année, le sort désigne les vingt membres chargés des fonctions flatteuses d’admettre, de refuser, de classer et de récompenser les œuvres que les artistes désirent exposer.

C’est encore M. Vigneron qui veille à la bonne confection, à l’im-

Jusque-là l’existence du jury n’avait pas été nécessaire, puisque l’admission au Salon était de droit pour les membres de l’Académie et que les artistes qui avaient déjà montré de réelles dispositions obtenaient facilement l’agrégation qui leur conférait le droit d’exposer.

Depuis que la Société des Artistes français a été chargée d’organiser elle-même les Salons, les jurés sont élus par tous les sociétaires. Actuellement, le suflVage universel choisit, tous les trois ans, soixante

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pression, à la correction du catalogue, ce petit livre qui, depuis l’adjonction, en 1864, de la liste, sans cesse remaniée, renouvelée, rajeunie, de tous les artistes vivants récompensés, a mérité le nom qui lui a été donné de « Livre d’or des artistes ».

Ah! il est loin, le temps où les livrets des Expositions de peinture étaient, comme ils le furent de 1678 à rédigés par le concierge de l’Académie, qui exerçait en même temps les fonctions de trésorier de la docte assemblée !

Qu’on ne s’étonne pas de cette date de lôyS. C’est celle, non de la première Exposition, car il est à peu près prouvé que des exhibitions avaient déjà été organisées antérieurement, mais c'est la date du premier catalogue qui ait été rédigé des œuvres exposées sous le patronage de l’Académie Royale.

Le Salon de 1894 est la cent douzième exposition dont la Société des Artistes français possède les catalogues.

Il s’est, depuis lôyS, écoulé deux cent vingt et une années : on voit que les Salons ont ressenti les contrecoups de la politique et que bien des interruptions ont marqué le cours de cette longue existence.

L’Académie Royale, supprimée en 1791, avait organisé trente-six expositions.

La première République, le Directoire et le Consulat virent s’ouvrir huit Salons.

Les périodes troublées du premier Empire et de la Restauration ont apporté une certaine perturbation dans ces pacifiques manifestations. De 1802 à 1812 il n’y en eut que cinq; de 1814 à 1847, vingtdeux. En revanche, on en compte trois de 1848 à i85o. Ces expositions étaient, pour ainsi dire, officielles, car le ministre et la direction des Beaux-Arts s’en occupaient exclusivement. L’organisation en fut cédée, en 1881, à la Société des Artistes français, qui fut alors régulièrement fondée.

Les Expositions ont donc manqué de régularité dans le cours des

M. Grimaldi

Sous-Commissaire

comptable.

AVANT-P RO PO S

années. Elles ont eu aussi bien du mal à fixer la saison où elles ouvraient.

Aujourd’hui nous sommes habitués à nous rendre à partir du mai au Palais de l’Industrie, fraîchement débarrassé du Concours hippique, pour y contempler l’œuvre annuelle de nos artistes; il nous

semble que l’endroit était prédestiné; cependant, comme son nom l’indique, le Palais de l’Industrie a été édifié dans un autre but; et c’est l’absence d’un local spécialement aménagé qui lui a valu l’honneur de donner asile aux Arts. Les Salons ont oscillé dans Paris à la recherche d’un domicile propice; on peut même dire qu’ils ont fréquenté tous les quartiers.

Le Palais-Royal fut le lieu de la première exposition. Le Louvre ensuite hérita de son privilège qu’il garda jusqu’en 1849; mais les œuvres trop tassées dans le très petit nombre de salles qui leur étaient accordées devaient parfois, à leur détriment, être logées jusque dans l’escalier. Le Palais des Tuileries remplaça le Louvre; en i852 le Palais-Royal reprit ses droits pour un an; puis le Conservatoire de musique — ou plutôt r « hôtel des Menus-Plaisirs » — lui succéda. Depuis i855 le Salon n'a pas quitté le palais des Champs-Elysées que l’Etat a concédé à la Société des Artistes français.

Un autre Salon est, depuis quatre ans, installé dans un des bâtiments du Champ-de-Mars. C’est là que se sont réfugiés les fondateurs de la Société Nationale des Beaux-Arts, à la grande joie de feu M.Alphand qui rêvait de voir rester debout perpétuellement les immenses et luxueux palais provisoires de l’Exposition universelle de 1889.

Nous n’avons pas ici à nous mêler des querelles d’artistes. Le Salon du Champ-de-Mars aura sa place dans cette étude. Les œuvres qui figurent dans le Pavillon de l’avenue La Bourdonnais

MM. Baillot, Bocquet Delobel

Brigadiers-chefs des gardiens.

JR

MM. Verwaest, Collard, Laurent

Attachés à l’administration.

vin

seront analysées avec la même impartialité que celles qui sont envoyées aux Champs-Elysées.

Mais, aux Champs-Elysées, les exposants sont infiniment plus nombreux; c’est là que les jeunes artistes trouvent, de la part de leurs

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maîtres, un accueil et des encouragements qu’ils ne rencontreraient point ailleurs. C’est là que peuvent se révéler au public les talents naissants, les gloires de l’avenir.

Ne fût-ce qu’en vertu de la juste loi du nombre, c’est au Salon des Artistes français que nous devons réserver la plus grande place dans notre travail; c’est par les Champs-Elysées que nous devons commencer notre promenade de sincère et passionné partisan de toutes les manifestations artistiques de notre « beau pays de France ».

E.Dantan T.Chîi-tr CBcrnicr de Richemont. F. Tatte^rain dELaurens G.Saiiilpierre

F. Cormon C.Btissoii H.Pilie JiiJp efebvn- Aà.I'îim'Et T. J‘ ' ''le iry ; Bmti:.:' E Pe) ■ E.Dameron AMaidnan

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LA PEINTURE

Le Salon a, chaque année, un aspect pour ainsi dire spécial, une unité, une « note caractéristique ».Les sujets des tableaux d’histoire, les paysages, les allégories, les symboles, les anecdotes varient suivant le tempérament, le genre, le caprice des artistes; mais, sans c|ue ceux-ci s’en rendent compte, il se trouve que l’ensemble d’une exposition forme un tout ayant sa vie propre, son caractère, son individualité.

Il y a, dit-on souvent, des idées qui traînent dans l’air. On les rencontre, on les respire, on s’en imprègne malgré soi et, en dépit de la différence des milieux où vivent les peintres, en dépit des partis pris de chacun, il se trouve que, sans se ressembler dans le sens précis, brutal du mot, les œuvres d’une année ont toutes une physionomie vaguement pareille.

Le Salon de 1894 peut se définir d’un mot : il est gai.

Ce qui frappe tout d’abord l’esprit du spectateur, dès son entrée dans les salles du Palais de l’Industrie, c’est la lumineuse clarté, la chatoyante coloration pour laquelle presque tous les peintres ont, cette année, montré une idéniable tendance.

Qu’il s’agisse de grandes compositions historiques, religieuses ou guerrières, de paysages, de tableaux de genre ou de portraits, c’est la note claire qui domine. La recherche de la lumière diffuse, des effets « blonds » a évidemment séduit, plus que jamais, nos contemporains.

Le clair-obscur des anciens maîtres est « passé de mode «.Nous sommes arrivés décidément aux temps du plein air, où les objets représentés se montrent « baignés de soleil » et harmonisés sous les rayons de la lumière directe...

Faut-il attribuer cette transformation à des influences d’Ecoles? Ne devons-nous pas plutôt en rechercher les causes dans des raisons plus matérielles, telles que la continuité, la longue persistance de l’été dernier en F’rance? Peu importe. Constatons que l’ensemble des œuvres envoyées cette année au Salon est fort remarquable, que parmi ces œuvres, il en est un grand nombre de tout à fait dignes d’être classées parmi celles qui resteront et, sans plus de préambule, commençons notre revue impartiale et attentive.

Et pour qu’elle reste impartiale, cette revue, nous nous garderons bien de la passer dans un ordre hiérarchique ou même volontairement déterminé. Nous agirons comme agit le public, c’est-à-dire en nous laissant diriger par notre seul instinct, nous arrêtant tout d’abord devant les œuvres qui attireront notre attention et revenant sur nos

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LA l’EINTUR'E.

pas quand nous apercevrons que nous avons laissé de côté des toiles intéressantes.

Le premier tableau qui nous appelle irrésistiblement à lui, c’est le Chevalier aux fleurs, de M. Georges Rochegrosse.

L’auteur de la Prise de Troie, de la Mort de Babylone et de ce bijou archaïque qui était intitulé : Pillage d'une villa gallo-romaine, a singulièrement modifié sa manière de concevoir l’art de la peinture depuis l’an dernier. La précision de ses recherches archéologiques, la dramatique mise en scène de ses grandes toiles de jadis, la fougue romantique des débuts de M. Rochegrosse, tout cela a fait place à la préoccupation très idéaliste de mettre sa merveilleuse habileté de maître ouvrier au service de la plus subtile étude psychologique qui se puisse rêver.

L’idée première du tableau a été suggérée au jeune artiste par la scène célèbre des Fdlles-Fleurs du Parsifal de Richard Wagner : (( Dans les jardins magiques de l’enchanteur Klingsor, les fleurs s’animent à l’approche du chevalier Parsifal, deviennent femmes, cherchant à le retenir et à lui faire oublier sa mission. » Mais M. Rochegrosse n’a voulu, en aucune façon, représenter exactement la scène du drame mystique du maître allemand. Il a volontairement négligé le décor avec le château magique de Klingsor et le jardin entouré de murs, et le costume même de Parsifal.

Ce n’est pas une scène d’un libretto d’opéra qu’il a voulu peindre : il a voulu généraliser, symboliser l’idée même du poème : « L’Etre épris de l’Idéal marche à travers la vie vers son but, sans s’apercevoir des tentations, sans entendre les voix qui l’appellent en dehors de sa route. »

Mais, ce qui est plus important pour nous, simples « êtres épris d’art matériel », c’est que ce singulier sujet nous a valu une admirable toile ; la physionomie placide et douce du blond chevalier est merveilleuse d’expression; son armure d’argent (symbolique ou non) est peinte avec une maestria extraordinaire, reflétant tout ce qui l’entoure sans, pour cela, avoir l’air diaphane; les belles filles figurant

les fleurs animées sont de superbes et vivantes études de nu; la composition, le coloris, l’éclairage même de toute la scène sont d’une originalité aussi heureuse que saisissante... Voilà, certes, de quoi nous faire oublier que jusqu’à présent le mot « symbolisme » a été synonyme de « charlatanisme » et de... « fumisterie ».

La grande peinture n’a, du reste, pas toujours besoin d’aller puiser ses sujets dans les légendes demi-sacrées du moyen âge, et peut rester noble d’allure et idéale sans surnaturel.

Les Gloires lyonnaises, l’immense toile de M. Louis-Edouard Fournier est là, tout près, pour nous apporter un excellent argument en faveur de cette théorie.

C’est un très grand effort artistique que le jeune artiste vient d’accomplir en groupant d’aussi harmonieuse façon près de quatrevingts portraits dans ce tableau, destiné à orner la salle du Conseil général du département du Rhône dans le Palais de la Préfecture de Lyon.

Il n’a pas fallu moins de quatre ans à M. Louis-Edouard Fournier pour venir à bout de ce travail dont l’Etat lui a fait la commande en

Malgré les méfiances, — hélas trop souvent justifiées, — qu’inspire au public ce qu’on est convenu d’appeler 1’ « art officiel », l’œuvre de M. Fournier est de tous points remarquable. L’ordonnance de cette grande composition est parfaite : un paysage bien traité, doux de ton et suffisamment sincère, dont le motif est pris au confluent même du Rhône et de la Saône, sert de fond à la scène; au second^plan, en haut d'un escalier de quatre marches, dans la partie centrale de la toile, sont groupés les fondateurs de la ville de Lyon, les chefs rhodiens Momorus et Atepomarus qui, 200 ans avant Jésus- Christ, sont venus déloger de cette région les complaisants Liguriens. Ces émules de Remus et de Romulus, revêtus de manteaux bleu clair et blanc bordé de jaune, sont reconnaissables à leurs barbes noires et à leurs bandelettes blanches. Derrière eux, appuyé sur le dossier de l’exèdre, se trouve L. MunatiusPlancus, le général romain qui, lôoans

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plus tard, vint sur l’ordre du Sénat bâtir une seconde ville au confluent de la Saône et du Rhône, la véritable Lugdunum, pour les Viennois chassés de chez eux par les Allobroges. Il regarde fièrement le panorama de cette ville qu’il établit à côté de celle des Rhodiens.

Au milieu de l’exèdre sont les deux frères nés à Lyon, Germanicus, le vertueux guerrier que Tibère fit empoisonner, et l'empereur Claude qui éleva Lugdunum au rang de colonie romaine, ce qui permit aux riches Gaulois de Lyon de devenir sénateurs de l’Empire de Rome ; le décret impérial se trouve au musée de Lyon gravé sur une plaque de bronze.

A leur gauche, l’empereur Marc-Auréle, le philosophe guerrier . A droite les Pères de l’Eglise primitive de Lyon, saint Pothin, sur l’épaule de qui s’appuient sainte Blandine et saint Irénée, en violet clair : trois

martyrs chrétiens fort vénérés à Lyon. A gauche, en blanc, est saint Ambroise, dont le père était préfet du Prétoire de la ville. Plus loin, la figure en rouge qui se penche vers saint Ambroise, c’est Sidoine Apollinaire, dont la vie fut l’image même du v'^ siècle de notre ère : il fut tour à tour littérateur, poète, magistrat et évêque. Quelle carrière!

A la gauche de ces antiques personnages, à notre droite, à nous spectateurs, par conséquent, sont placés les représentants de l’époque de la Renaissance. Le porte-étendard, c’est Jacques d’Albon de Saint- André, qui fut maréchal à vingt-quatre ans, combattit sous François L‘, Henri II, François II et Charles IX, et périt à la bataille de Dreux. Ensuite, vient Philibert Delorme, le père de l’architecture de la Renaissance en France, le constructeur du château des Tuileries à Paris; il montre le plan du portail de Saint-Nizier (la plus belle église de Lyon) au peintre Jean Perréal (dit Jean de Paris quoiqu’il fût Lyonnais) qui vivait sous Louis XII. Derrière eux se montre le duc de Villeroy, ministre des finances sous Henri IV. Ceux qui portent la bannière violette sont Etienne Turquet et Barthélemy Naris, deux Piémontais qui, au moment des guerres italiennes, comprirent que la Erance pouvait fabriquer elle-même les produits que, jusqu’alors, elle était obligée d’acheter à l’Italie. Ils se fixèrent à Lyon, obtinrent le concours de la commune, l’autorisation du roi François F' qui leur accorda, en outre, des privilèges, des exemptions d’impôt et les encouragea de toutes manières. Ils réussirent si bien dans leur entreprise que, dès l’année i553, l’industrie des soieries de Lyon occupait déjà douze mille personnes. On voit qu’ils ont droit à la reconnaissance de la seconde ville de France et que leur place était marquée dans cette apothéose des gloires lyonnaises.

A côté d’eux, en profil perdu, sous une bannière rouge, Ottavio Mey, qui, au xvif siècle, se rendit fameux en inventant l’art de « lustrer » la soie.

C’est tout à fait à la droite du tableau que M. Fournier a mis les poètes lyonnais de la Renaissance, parmi lesquels Louise Labé, sur-

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LA PKINTURE.

nommée la Belle Cordière. C’était, d’ailleurs, son second surnom, car, à seize ans, elle avait, en prenant part au siège de Perpignan, conquis celui de capitaine Loÿs. Dans ses vers, qui rappellent un peu les poésies de Marot, elle a célébré elle-même ses prouesses ;

Qui m’eût vu lors, en armes, Hère, aller,

Porter la lance et bois faire voler,

Le devoir faire en l’estour furieux.

Piquer, volter le cheval glorieux,

Pour Bradamante ou la haute Marphise,

Sœur de Roger, il m’eût, possible, prise.

A côté d’elle Maurice de Sères, l’ami d’Etienne Dolet, le précurseur de Ronsard, et sa sœur Sibylle de Sères que chanta Clément Marot. La douce figure de Pernette du Guillet,qui mourut à vingt ans, montre son profil auprès de ces beaux chantres de l’amour.

De l’autre côté du tableau se trouvent les illustrations du xviP et du xviP siècles : les deux sculpteurs Nicolas et Guillaume Coustou regardent une esquisse en cire du groupe des Chevaux de Marly et, derrière eux, leur oncle, Antoine Coysevox, — le Van Dyck de la statuaire, — complète le trio. Plus loin, on aperçoit les graveurs Gérard Audran et Drevet. Puis, plus à droite, sous les bannières, les premiers imprimeurs de Lyon, Sébastien Gryphe qui publia le Commentaire sur la langue latine d’Etienne Dolet, et Jehan de Tournes. Voici encore le géomètre Desargues et l’architecte Simon Maupin d’auteur de ce chef-d’œuvre qui est l’Hôtel de Ville de Lyon), et le peintre Jacques Stella, l’ami de Nicolas Poussin.

Tout à fait à gauche, faisant pendant au groupe de Louise Labé, se rencontrent les personnages du xviiP siècle, c’est-à-dire M*'® de Lespinasse, qui a laissé des Lettres si spirituelles; Bernard de Jussieu, le botaniste qui organisa le populaire Jardin des Plantes de Paris. Il examine à la loupe une fleurette et tourne le dos à l’ingénieur Perrache, celui qui conçut l’idée grandiose, — mise plus tard à exécution, — d’agrandir Lyon en reculant vers le sud le point de jonction du Rhône et de la Saône. A côté, ■ — dans le cadre même, — se trouve

Philippe de Lassalle, le plus célèbre dessinateur d’ornements pour les soieries.

Descendons maintenant les gradins et arrivons aux figures du premier plan qui représentent le xix® siècle. Ici, l’œuvre du peintre cesse d’être uniquement décorative ; il s’agit de véritables portraits dont beaucoup de spectateurs du tableau peuvent apprécier la sincérité. Les recherches que M. Louis-Edouard Fournier a dû faire au sujet de quelques-uns des hommes célèbres que son devoir était de faire figurer sur latoileontété parfois des plus pénibles. Mais le résultat est fort intéressant et prend la valeur d’un véritable document historique.

En partant de la gauche, nous voyons successivement défiler sous nos yeux Roland, le ministre de Louis XVI, qui se tua en 1793 quand il apprit la mort tragique de sa femme; puis le major Martin, le fondateur de l’École de la Martinière à Lyon. Voici Jacquard, l’inventeur génial, type du plus pur désintéressement et du patriotisme : sur ses genoux, il tient la pièce capitale du métier qui a immortalisé son nom, les cartons troués, et une étoffe sur laquelle est tissé l’écusson de la ville de Lyon. Puis le maréchal Suchet, duc d’Albuféra; le sculpteur Lemot, auteur du Louis XIV de la place Bellecour et de la statue d'Henri IV sur le Pont-Neuf à Paris; le doux philosophe Ballanche à côté de M“® Récamier, puis Camille Jordan, l’orateur élégant, le publiciste ardent qui fut membre du Conseil des Cinq-Cents. A côté de lui, est assis Jean-Baptiste Say, le père de l’économie politique. Nous saluons André Ampère, qui découvrit les lois de l’électrodynamisme, dont l’application immédiate fut le télégraphe électrique et dont les conséquences sont encore incalculables.

Au centre du premier plan, nous trouvons des personnages de plus en plus contemporains ; c’est Jules Favre, au profil accentué, causant avec le chansonnier-poète populaire Pierre Dupont; Victor de Laprade lisant un manuscrit; Joséphin Soulary, le « sonnettiste » impeccable; les deux Ozanam, Louisa Siéfert, le grand physiologiste Claude Bernard...

Enfin, à droite, terminant cette série, le groupe des peintres nés à

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Lyon : quatre morts, Hippolyte et Paul Flandrin, Meissonier, Chenavard; un vivant, M. Puvis de Chavannes.

Nous ne pouvons nous empêcher d’exprimer ici un regret ; pourquoi M. Louis-Ldouard Fournier n’a-t-il pas fait la portraiture de M. Antoine Vollon, le grand artiste dont l’œuvre admirable et si personnelle est digne de figurer à côté de celles de n'importe lequel de ses confrères. 11 est né à Lyon, le maître peintre qui a trouvé moyen de rendre, à force de talent et de puissance artistique, presque émouvantes de simples natures mortes, des chaudrons, des cuirasses, des poissons ou des fruits comme ceux de cette année même.

Et quel paysagiste, de vision fine et nette, original il se montre encore dans cette Vue de Marseille que, pour la seconde fois, il nous rapporte de sa dernière excursion ! Décidément, M. Vollon était digne de figurer sur la liste de ses glorieux compatriotes lyonnais, et l’inadvertance de M. Louis-Edouard Fournier est impardonnable.

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Le flot tumultueux du public nous entraîne maintenant deux salles plus loin. Quitte à revenir sur nos pas, laissons-nous faire : c’est devant la superbe toile de Roybet, la Main-chaude, qu’il nous pousse et nous ne pouvons que nous réjouir de nous arrêter devant un pareil chef-d’œuvre.

Nous faisons ici de nouveau connaissance avec les deux admirables personnages des Propos galants de l’an dernier : le superbe cavalier qui, renversé et riant, tend ses genoux pour que la forte et gaillarde commère y cache sa rubiconde et luisante figure : c’est bien le même mousquetaire qui ressemble tant à l’aimable M. Prétet, et sa partenaire est son interlocutrice du Salon de 1893.

Derrière eux, souriant finement et bonnement, un compagnon de plaisir et de gloire, présentant un singulier air de famille avec M. Vigneron, surveille le geste hardi du guerrier qui prend la taille d’une robuste fille nous tournant le dos et fermant la bouche au patient d’un geste familier et naïf. Une belle fillette lève la main pour frapper celle de la grosse Flamande en riant aux éclats, pendant qu’un guerrier, au chapeau tout empanaché, s’apprête à donner le change à la « victime » en affectant d’être le coupable...

Tout cela est vivant, chaud, remuant, animé, coloré, peint hardiment, puissamment, avec la sûreté de main du plus moderne des maîtres, la conscience d’un grand artiste, la délicatesse d’un Flamand de la meilleure époque. Les chairs sont splendides, les étoffes sont des merveilles de « rendu », les accessoires sont traités avec un art inouï.

Parmi les spectateurs, c’est à qui rivalisera d'érudition avec ses voisins pour évoquer les noms de Franz Fiais, de Rembrandt, de Rubens, de Van Dyck. Nous avouons n’avoir, dans nos visites aux grands musées de l’Europe, rencontré qu’un seul peintre qui ait jamais réuni sur une toile unique les diverses et précieuses qualités de tous ces

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LA PEINTURE

maîtres, et ce peintre, c’est l’auteur de VHomme à l’épée, c’est M. I^oybet.

11 nous semble bien inutile d’affecter de nous excuser en quelque sorte de la délicieuse émotion, de l’enthousiasme réchauffant que nous donne la vue d’un chef-d’œuvre comme la Main-chaude, en cherchant, dans le passé, des prétextes ou des explications. Les joies sincères s’éprouvent et s’avouent sans qu’il soit besoin d’en chercher l’origine et nous ne savons vraiment pas pourquoi nous priverions notre temps et notre pays des gloires qui leur appartiennent.

Il serait d’autant plus regrettable d’agir ainsi sur le terrain artistique qui vous tient tant au cœur, que jamais le patriotisme ne s’est manifesté avec plus de chaleur que cette année.

Est-ce affaire de mode, est-ce à cause du besoin qu’on éprouve d’oublier nos défaites de 1870, est-ce, plus simplement, parce que le théâtre a remis en lumière les souvenirs du commencement de ce siècle ? Nous ne saurions le dire; mais il est certain que presque tous les tableaux anecdotiques du Salon de 1894 sont consacrés à l’histoire de Napoléon Eh

Au premier rang des artistes qui ont pris pour héros de leurs compositions le typedu César français, il faut placer Al. Jean-Paul Laurens.

Dans le Pape et l’Empereur, le célèbre peintre des Emmurés de Carcassonne nous fait assister à la fameuse et orageuse conversation historique que Napoléon tint, à Fontainebleau, avec son prisonnier Pie VIL

Le Maître n’a évidemment pas choisi, dans cette scène, le moment où le pontife a pu prononcer le mot bien connu : « Comediante! » L’Empereur a plutôt l’air tragique. Un mouvement violent l’a fait se lever de sa chaise qu’il a renversée , son chapeau a sauté par terre et, les bras croisés, il parle au Saint-Père avec une vivacité proche de la violence...

Dans son tableau du Salon précédent, M. Laurens nous montrait saint Jean Chrysostome « attrapant » l’impératrice Eudoxie. Cette fois, c’est Napoléon « attrapant » le Pape.

Le talent robuste et le pinceau incisif du peintre sont bien faits pour rendre ces scènes énergiques.

Le Pape et l’ Empereur est un des meilleurs tableaux du Salon; il est d’un dessin impeccable, serré, d’une couleur agréable et d’une composition fort habile dans sa simplicité. Si nous avions quelque regret à exprimer, ce serait de voir les accessoires, dans cette belle scène, prendre une importance un peu exagérée. La chaise renversée est d’une exécution si minutieuse, si poussée (c’est un véritable trompe-l’œil) qu’elle attire trop l’attention et l’empêche de se concentrer sur les personnages. L’éclat et l’extrême netteté des bariolages du superbe tapis d’Aubusson que foulent les pieds des deux augustes personnages sont également beaucoup trop évidents et d’une valeur exagérée. Ce sont là, quand il s’agit d’une œuvre aussi intéressante, de bien petites critiques, — mais elles viennent à l’esprit dès le premier coup d’œil qu’on jette sur la toile, et les plus consciencieux efforts qu’on fait pour les repousser restent vains. Ces défauts dominent, tuent, anéantissent presque le plaisir que vous font éprouver la finesse, la justesse et la souplesse des physionomies des deux interlocuteurs.

Dans son Bonaparte reçu par les religieux du Mont Saint-Bernard, M. Jules Girardet est, d’une façon toute différente, tombé dans un piège analogue : la neige joue un rôle trop grand dans la mise en scène. Il est vrai que cela a permis à l’artiste de faire ressortir ses qualités personnelles de finesse dans les effets et dans l’observation des tonalités. De plus, la présence de ce tapis naturel justifie la u propreté » extrême, exagérée presque, des soldats et des religieux. Pas une tache de houe, pas une souillure ne vient ternir les uniformes ni les soutanes. Le petit Bonaparte à cheval a une jolie redingote sous laquelle passe un pan d'habit brodé, irréprochable et net comme si le général sortait de chez son tailleur.

Du reste, il paraît que Napoléon, dans l'esprit de nos peintres, était un homme bien mis, car M. Kratké nous le montre, dans sa Campagne de I^rance en 1814, se chauffant devant une grande cheminée avec quelques-uns de ses « fidèles « maréchaux. Malgré les

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préoccupations qui devaient assaillir le grand capitaine à ce moment tragique, il a l’aspect un peu bien tranquille. Pourtant, le tableau est bon et d’une belle facture : le jeu de lumière provenant de la lutte entre la flamme du foyer et le jour de la fenêtre est fort curieux et intéressant.

Le Souper de Beaiicaire de M. Lecomte du Nouy est d’une érudition de haut goût : « Buonaparte » est encore le jeune lieutenant d’artillerie que le siège de Toulon allait lancer vers un avenir extraordinaire. Le peintre nous le montre en train d’expliquer aux bons bourgeois qui sont ses hôtes, quel est, à son avis, le sort qui attend la France et la République :

— Croyez-moi, leur dit-il, il viendra un homme qui saura réunir sur sa tête toutes les espérances de la nation, et alors...

Et, comme on sent bien dans les yeux de ce petit officier de fortune qu’il veut faire comprendre qu’il sera cet homme-là !

Peinte avec une onctuosité qui n’est pas habituelle à l’auteur, éclairée d’une habile façon au moyen d’une chandelle placée au centre, ordonnancée avec une mystérieuse préoccupation de frapper l’imagination, cette petite toile mérite d’attirer et de retenir l’attention des connaisseurs.

Singulièrement émouvante et d’une bien séduisante couleur, la grande toile de M. Emile Boutigny, le Maréchal Lannes à Essliiig, obtient un succès qui n’est pas dû seulement au sujet. Le peintre des « petits soldats » s’est révélé cette fois comme un véritable peintre d’histoire et son tableau ferait bonne figure dans un de nos musées nationaux.

C’est Marbot, dont les pittoresques mémoires sont si suggestifs, qui a inspiré à M. Boutigny l’idée de reproduire la scène où le héros de Montebello, de Marengo et de Saragosse, frappé mortellement, vient de subir l’amputation de la jambe.

(( Il supporta, dit Marbot, cette opération avec un grand courage, elle était à peine terminée lorsque l’Empereur survint. L’entrevue fut des plus touchantes! L’Empereur, à genoux au pied du brancard, pleurait en embrassant le maréchal. »

Le moribond, étendu au premier plan, montre une physionomie résignée, presque joyeuse; l’Empereur est grave, ému, sincère; le chirurgien considère la scène d’un air triste dont la signification est claire. Il n’est pas jusqu’au factionnaire qui, présentant les armes, au fond à droite, ne joue un rôle dans cette excellente composition.

Avec M. Edmond de Boislecomte, nous revenons à la jeunesse de Bonaparte. La petite toile de cet élève de M. J. -P. Laurens lui a été inspirée par un passage des Mémoires du comte Chaptal : « En arrivant à Nice, en lypS, Bonaparte expose à Turreau et à Volney le plan de la campagne d’Italie qu’il exécutera comme général en chef, trois ans plus tard. » La figure du petit officier d’artillerie est intéressante mais trop « traditionnelle » ; ses deux auditeurs ont une attitude un

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peu débraillée qui s’explique par le moment où la scène se déroule, « après déjeuner ». Par une fenêtre ouverte, on aperçoit un coin de masure ensoleillée qui « localise » bien le tableau. Peinture sage et d’une belle conscience.

C’est en juillet 1807, pendant la revue de Tilsitt^ que M. Lionel Royer nous montre l’Empereur. Bien que de dimensions restreintes, le tableau est d’une large composition et d’un aspect grandiose. Les paroles historiques adressées par Napoléon au czar Alexandre P'’ : « Sire, je vous demande la permission de donner la Légion d’honneur au plus brave de vos soldats, à celui qui s’est le plus vaillamment conduit dans celte guerre », en expliquent suffisamment le sujet. Le peintre a naturellement choisi le moment où Napoléon attache à la poitrine du brave soldat russe, le nommé Lazarewe, la croix en question. 11 serre en même temps la main à l’empereur Alexandre, qui semble lui témoigner vivement sa reconnaissance. L’émotion qui se peint sur le visage de tous les généraux témoins de cette scène, la variété des uniformes français et russes, une recherche visible mais non exagérée de la vérité dans les détails, tout cela fait du tableau de M. Lionel Royer une toile digne d’un bon moment d’attention.

Ce n’est pas par l’émotion que M. Sergent, dans son tableau intitulé; Gaiement^ essaie de retenir les visiteurs du Salon. Et pourtant, le sujet qu’il a choisi est essentiellement français et « chauvin ». 11 nous fait apprécier la part prise par la musique militaire à la victoire d’iéna.

Dans des Mémoires^ moins connus que ceux de Marbot ou de Coignet, le capitaine Parquin fait allusion à cette scène entraînante : « Je vois encore les 17° et léger, les 14° et 27® de ligne aborder les lignes ennemies au milieu de la fusillade et de la mitraille... les clarinettes qui dominaient dans la musique ne perdaient pas une note... »

Et M. Sergent nous montre les braves clarinettistes soufflant à perdre haleine dans leurs instruments et faisant d’énormes enjambées. Le mouvement est bon, l’ensemble est bien enlevé et M. Sergent fait preuve des plus précieuses qualités de dessinateur précis et sincère; mais, il faut bien l’avouer, il s’est trompé d’adverbe quand il a cherché

un titre pour son tableau, ce n’est pas Gaiement qu’il eût fallu le baptiser, c’est Comiquement ^ — ce qui n’est pas tout à fait la même chose. Certes, ce n’est pas sa faute, à cet excellent artiste, si les joueurs de clarinette gonflent leurs joues et prennent l’aspect de singes qui se bourrent de noix, mais cela n’empêche pas la course enfiévrée des intrépides musiciens d’avoir l’apparence d’une « charge » — en prenant le mot dans un sens qui n’a rien de militaire.

Un tableau militaire peut être gai et garder l’aspect héroïque à la fois. Voyez plutôt le délicieux Episode du siège de Lille en ijg2 que M. Le Dru nous présente. L’anecdote qu’il met en scène est célèbre, c’est l’histoire d’Ovigneur, le capitaine d’une compagnie de canonniers bourgeois qui, commandant une des batteries de rempart, voit, au moment où il vérifie le pointage d'un coup difficile, arriver un de ses amis.

— Mon cher Ovigneur, dit le survenant, ta maison brûle et ta femme accouche.

— Ma femme est-elle dans ma maison?

— Non, mon ami.

— Eh bien, alors, je m’en fiche, je reste à mon poste, et je vais leur rendre feu pour feu.

Puis il commande : « Amorcez ! »

Est-ce l’effet du dialogue, est-ce excès de conscience dans le travail des figures, mais dans cette toile vraiment excellente, les personnages ont un peu l’apparence d’acteurs jouant des rôles... Cela n’enlève rien au mérite du peintre, mais cela diminue l’aspect grandiose de la scène.

Ce défaut, M. Eugène Chaperon n'y a pas complètement échappé dans son tableau, le Maréchal Masséna à la bataille de Wagram, M. Chaperon, qui est un de nos meilleurs peintres militaires, s’est inspiré de ce passage des mémoires du général de Marbot : « Le maréchal Masséna fut assez grièvement blessé pour ne plus pouvoir se tenir en selle. Il fit alors preuve d'une grande force d'âme; car, malgré les vives souffrances qu’il éprouvait, il voulut conserver son

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commandement. Il fut convenu qu’il irait sur le champ de bataille dans sa calèche découverte, ayant auprès de lui son chirurgien, le D'’ Brisset... Les ennemis, en apercevant au milieu de la bataille cette voiture attelée de quatre chevaux blancs, comprirent qu’elle ne pouvait être occupée que par un personnage fort important; ils dirigèrent donc sur elle une grêle de boulets. Le Maréchal et ceux qui l’entouraient coururent les plus grands dangers. »

Eh bien, M. Eugène Chaperon s’est un peu exagéré l’idée contenue dans la dernière phrase de cette citation, et il s’est inconsciemment laissé aller à donner au cocher et au jockey qui conduisent la calèche une placidité encore plus héroïque que celle de Masséna et de son chirurgien. Leurphysionomie est d’une tranquillité, d’un calme qui leur donne trop d’importance. On se croirait à l’Ambigu ou à la

Porte-Saint-Martin où les figurants ont toujours l’air d’ignorer de quoi il est question autour d’eux... Gelan’empèche pas M. Chaperon d’avoir conçu et mené à bien une œuvre de haute valeur, mais cela prouve qu’il faut se méfier du théâtre et de ses mesquines mises en scène.

Ah! nous ne serions pas du même avis si, comme M. Rourgain l’a fait pour son tableau représentant la Soumission des Mamehicks à Bonaparte pendant la campagne d’Égypte en 1798, les peintres se donnaient la peine d’encadrer leurs sujets dans des « décors » pleins de détails vrais, d’archéologies cherchées et de minutieuses reproductions de « choses vues ». Tout en gardant son allure légendaire, le petit général Bonaparte, qui se campe fièrement sur ce perron antique, a l’air d’un homme et les brutes « de toutes couleurs » qui s’agenouillent devant lui sont franchement saisies d’admiration. Le palais est d’un orientalisme intéressant qui saisit l'œil et l’esprit. Si c’est là encore du théâtre c’est du moins du théâtre « bien fait », moderne, exact et digne d’attention.

Le Waterloo de M. Chartier est un tableau d’un genre bien bizarre : 11 nous fait assister à un des épisodes les plus mouvementés de ce terrible combat. C’est le moment où la brigade anglaise Ponsonby chargeant les cuirassiers du général Travers est prise en flanc par le 5® chevau-légers, et culbutée. Cette toile est beaucoup regardée. L’étrangeté de l’uniforme du général français — qui a le torse enveloppé dans une cuirasse d’acier et la tête couverte d’un chapeau bicorne à plumes — est pour beaucoup dans ce succès de curiosité.

Vous rappelez-vous le minuscule Napoléon de nSoj de Meissonier? Eh bien! regardez le tout petit tableau de M. Perboyre, Wagram, vous le reconnaîtrez tout de suite. Seulement vous ne reconnaîtrez pas la minutieuse précision de dessin du vieux maître. Ce galop d’artillerie est curieux de mouvement et le tableau est d’une heureuse composition, mais c’est tout.

Plus « poussés », plus « cherchés », plus sincères sont les Pupilles et les Grenadiers de la Garde impériale que M. Marins Roy nous montre montant la garde au poste du palais de Saint-Cloud en 1812.

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LA PEINTURE

Ces petits bonshommes, à figures poupines, affublés d’horribles costumes à torsades et à galons verts, sont très joliment campés et constituent de bonnes études d’après nature.

Le public du dimanche et des jours de fêtes, ce bon et simple public qu’il faut regarder longtemps et patiemment défiler dans les galeries du Salon pour arriver à connaître sa pensée, a fixé son attention sur une toile qui, sans lui, serait restée certainement bien inaperçue. C’est la Mort de Barry^ de M. Fauvel. Barry était, — c’est la longue légende inscrite sur le cadre qui nous l’apprend, — un bon chien dressé à sauver les voyageurs égarés dans les neiges. Un jour, un soldat de la Grande Armée était tombé épuisé de fatigue, en traversant les Alpes. Il allait geler quand le chien Barry vint le tirer par le pan de sa tunique. Le soldat se réveille; épouvanté par la vue inattendue de ce gros « toutou » à la gueule ouverte, il plonge son sabre dans la gorge du pauvre animal, et tue ainsi son sauveteur. C’est épouvantable d’enfantillage, cette petite histoire, mais le peintre a mis tant de naïf sentimentalisme dans la reproduction de cette scène attendrissante que nous ne serions nullement surpris de voir la Mort de Barry devenir tout aussi populaire que le Convoi du pauvre ou le Dernier Ami. Il y a encore de beaux jours pour les chanteurs de romances; le « Fleuve du Tage » n’est point encore tari et le « Beau Dunois » est déjà ressuscité.

Il faut mettre un terme à cette longue énumération des tableaux inspirés plus ou moins directement par la légende napoléonienne. Nous voici devant une petite toile qui va nous rappeler la cause du retour offensif de cette époque plus brillante au point de vue militaire qu’au point de vue artistique. M. Georges Gain nous montre M. Victorien Sardou dirigeant une des répétitions générales de « Madame Sans-Gêne », sur la scène du théâtre du Vaudeville.

Et cette petite toile spirituelle, sans prétention, mais d’aspect chatoyant, nous fait assister à la « cuisine » du plus grand succès théâtral de la saison dernière. Si le premier Empire est « à la mode », c’est parce que le plus habile de nos auteurs dramatiques s’est amusé

à mettre en scène avec un art personnel inouï, avec des soins méticuleux presque dans les plus petits détails, un épisode de cette curieuse époque.

M. Gain a, dans ce tableautin, fait ressortir la finesse de la physionomie de M. Sardou; il l’a entouré de tous les accessoires que sa savante érudition avait exigés pour sa pièce; les acteurs et les actrices qui écoutent le maître sont revêtus de leurs somptueux et véridiques costumes...

Or, messieurs les peintres sont parfois (que celui qui n’a jamais péché leur jette la première pierre) assez soucieux de leurs intérêts matériels pour suivre la « mode », espérant ainsi trouver plus facilement des acquéreurs pour leurs tableaux. Le succès de Madame Sans-Gêne au Vaudeville leur a semblé indiquer de la part du public un regain de goût pour le temps de l’Empire. Ils se sont attelés à produire des tableaux flattant ce goût...

Les portraits que M. Gain a placés dans sa petite toile sont ingénieusement groupés, mais il serait bien imprudent de garantir leur ressemblance ; la physionomie seule de M. Sardou est assez exactement saisie. Quant à M"® Réjane, à M. Emile Moreau, à M. Porel et à M. Albert Garré, ce sont des silhouettes quelconques dans lesquelles on ne peut guère les reconnaître que par de fines indications de costumes ou d’attitudes. La postérité est priée de ne pas s’imaginer que M. Porel était ce gros bonhomme à visage bouffi, que M"“ Réjane avait cette tête de poupée placide, que M. Moreau avait l’air d’un simple souffleur et que M. Albert Garré gardait, aux répétitions de Madame Sans-Gêne, l’apparence d’un sergent de ville en bourgeois...

Du reste, ce n’est point une mauvaise querelle que nous cherchons ici à M. Georges Gain. Il n’a pas voulu peindre une galerie de portraits; c’est un tableau de genre qu’il nous offre et nous devons le prendre tel qu’il est et tel qu’il a voulu nous l’offrir...

Gombien plus coupable s’est montré M. Louis Béroud dans son triptyque intitulé : Le Foyer des artistes à la Comédie-Française ! Où le désir de figurer dans le musée célèbre des coulisses de la Maison de

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Molière peut-il conduire un artiste consciencieux dont les envois précédents nous donnaient tant d’espérances? Les pauvres sociétaires du Théâtre-Français sont tous plus ou moins défigurés dans cette collection de caricatures et M. Jules Claretie ne s’est jamais vu si drôlement représenté. Notez que l’amour du public pour ses chers comédiens est si grand que la foule ne cesse, devant cette toile, de s’amasser plus compacte, plus animée que devant des œuvres bien plus importantes qui lui sont voisines.

Pourtant, il est juste de reconnaître que les tableaux militaires continuent à attirer l’attention, même quand ils sont modernes et ne cherchent dans aucune légende ancienne un intérêt plus ou moins problématique.

La grande toile de M. Grolleron, par exemple, le Sergent Tanviray,

est l’objet des commentaires les plus émus. C’est la très simple et très grandiose représentation d’un épisode peu connu de la guerre francoallemande de 1870, que le général Ambert a ainsi raconté d’après les renseignements que lui a fournis le capitaine de Maricourt :

« Lorsque après une retraite désastreuse, le 75" mobiles de Loiret-Cher fut rentré à Joigny, Louis Tanviray demanda :

— Où est le drapeau ?

- Héron est tué, répondit une voix.

-Le drapeau de Vendôme ne restera pas aux mains des Prussiens! s’écria Tanviray.

Et, seul, il repartit dans la plaine, sillonnée d’ennemis et labourée par les balles allemandes et françaises. Le sergent suivit la trace des morts, la voie glorieuse, et trouva enfin le pauvre Héron couché sur le petit fanion qu’il pressait sur sa poitrine. Tanviray serra la main du mort et, relevant le drapeau, le rapporta au milieu d’une grêle de balles dirigées contre lui. »

M. Grolleron a rendu avec un rare sentiment du vrai l’esprit héroïque de cette scène. De grandeur naturelle, son soldat se penche sur le corps de son camarade et lui prend d’un geste rapide, non le « petit fanion » dont parle le général Ambert, mais un ample drapeau dont le pauvre Héron est enveloppé. Au point de vue technique, il faut rendre justice aux qualités de peintre dont l’artiste a fait preuve : les terrains particulièrement sont traités de main de maître.

L’immense toile de M. Rouffet, la Charge des cuirassiers à Reiniiville, est infiniment plus théâtrale, mais produit moins d’effet que cette simple scène si bien conçue et si énergiquement peinte.

Et combien plus poétiques, plus poignants sont encore les Réfractaires, de M. Julien Le Riant. Fidèle à sa « spécialité «, ce sont des Bretons que nous montre encore le peintre des guerres vendéennes. Mais combien son paysage est vrai et comme l’attitude de ses « réquisitionnaires » est exacte. Ce petit tableau vous produit le même effet que la lecture de ce merveilleux chapitre premier des Chouans, où Honoré de Balzac s’est montré le premier et le plus génial des paysagistes.

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l^ien original aussi, le tableau de M. George-William Joy, le Tambour du roi. C’est un souvenir du soulèvement de l’Irlande en 1798 qui, par un singulier rapprochement, rappelle l’histoire du petit l^)arra qu’a immortalisé un des couplets de la Marseillaise. M. Joy a accompagné sa toile d’une petite notice qui nous raconte l’histoire de ce petit héros : Un jeune tambour du régiment d’Antrim, nommé H..., fait prisonnier à la bataille de Corée, ayant reçu des rebelles l’ordre de battre son tambour à la tète de leur régiment, en creva la peau en s’écriant : « Jamais le tambour du roi ne battra pour les rebelles. »

L'excellente et originale facture de ce tableau, sa coloration étrange et sincère, l’attitude du petit bonhomme, tout cela est fort curieux et mérite de nous arrêter un bon moment.

Avec M. Jules Girardet, nous voici revenu en France, à l’époque de la guerre. Son Attaque du Moulin n’a aucun rapport avec la nouvelle célèbre de M. Emile Zola, pas plus qu'avec le drame lyrique de M. Alfred Bruneau. Le Moulin de M. Girardet n’est, du reste, un moulin que parce qu’on nous le dit. C’est une maison quelconque, occupée par les Allemands et dont un zouave et un chasseur à pied font sauter la porte à coups de crosse de fusil. Le mouvement est bon et juste; la scène est bien composée et d’un dessin précis ; voilà de quoi justifier le succès de cette intéressante toile.

Par une coïncidence assez bizarre, M. Alphonse David nous montre, à son tour, une Attaque de village en Picardie, où les Français délogent les Allemands des maisons dont ils se sont emparés. Sobre et mouvementé, c’est un tableau qui a obtenu un vrai succès auprès du public.

En temps de paix les peintres militaires ne peuvent trouver de sujets un peu émouvants que les jours de grandes revues. M. Petit- Gérard s’est, — en attendant les guerres futures, — résigné à nous présenter deux épisodes intéressants des manœuvres auxquelles se livrent chaque année notre cavalerie et notre artillerie. En bataille! et la Charge de la fin de la revue sont des études sérieuses et mouvementées devant lesquelles on s’arrête avec un grand plaisir. M. Petit-Gérard

connaît à fond l’anatomie et l’allure du cheval. Il sait « voir » et « faire voir ». Et c’est avec un tact parfait, une exquise perception des plus petits détails, qu’il a su, à la fois, rendre un compte exact des terreurs éprouvées à la vue des formidables mouvements des masses guerrières et du calme confiant que doivent inspirer aux simples spectateurs ces belles études militaires préparatoires, ces « répétitions générales » qui ne causent la mort de personne.

Est-ce un tableau militaire ou une simple toile de genre, cet Inventaire auquel M. Alexandre Bloch nous fait si spirituellement prendre part ? Jugez-en. La scène représente un coin de bois, où se sont arrêtés quelques francs-tireurs. Nous sommes en 1870, au commencement de l’hiver; l’officier, assis, tient un registre et inscrit les objets que lui désignent ses hommes. L’un tient en l’air une statuette en bronze représentant le classique « petit caporal » à la redingote grise; l’autre remue des livres. Çà et là, pêle-mêle, on voit une guitare, une bassinoire, une lampe, des chaises de style démodé, des pendules... C’est, à coup sûr, d’un déménagement qu’il s’agit ! Eh bien, non, c’est d’un épisode de la guerre de 1870! Voici ce que notre regretté confrère Édouard Fournier a raconté dans son beau livre, les Prussiens che{ nous : « A Vernon, un fourgon avait été compris dans le coup de filet de nos francs-tireurs. Il s’y trouvait une variété inouïe de toutes sortes de choses, grosses ou menues. C’était une vraie foire en partance pour l’Allemagne! »

D’une jolie couleur, d’un « tour » fort amusant, cette petite scène constitue un très véridique tableau de la façon « pratique » dont nos ennemis avaient compris la guerre lorsqu’ils ont envahi notre pays il y a vingt-quatre ans...

Plus sérieuse, mais bien claire et de compréhension facile, ce qui n’est pas toujours la qualité dominante pour les profanes quand il s’agit d’une bataille, est la belle toile de M. Beauquesne, la Défense de Bapaume. C’est la « retraite d’une batterie couverte par le f hussards ». Le galop emporté des cavaliers qui font face à l’ennemi qu’on ne voit pas et qui protègent les canons entraînés rapidement à la droite

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du tableau est saisissant de réalité. On est ému comme au théâtre et on voudrait prendre part à cette action si nettement indiquée. La belle facture du tableau est certainement pour beaucoup dans cette impression, mais la composition y est encore pour bien davantage... C’est une des bonnes toiles militaires du Salon, et d’une modernité empoignante...

Un Secours, de M. Rerne-Bellecour est une scène plus moderne encore et d’une philosophie attendrissante : Un cavalier français rencontre au détour d’une route un soldat allemand qui, épuisé de fatigue, s’est assis au bord d’un fossé. Et le brave garçon donne sa gourde au Prussien, se privant ainsi lui-même du breuvage réconfortant qui lui sera peut-être nécessaire tout à l’heure... Finement dessiné et joliment

peint, ce sentimental épisode, symbolisant si finement « l’esprit français », est tout simplement délicieux...

En bel ordre et d’aplomb sur leurs étriers, les cuirassiers de M. JoséCusachs ont tout à fait bon air, mais il est permis de les trouver un peu bien « sages », et leur physionomie est vraiment trop placide pour faire comprendre le cri qui sert de titre à cette bonne toile : « Vive la France! »

Les Dragons à Gravelotte de M. Brisset sont plus fougueux. Ce combat dans une houblonnière, dont les verts panaches forment un si curieux contraste avec les uniformes français et allemands, est d’une saisissante vérité d’aspect. C’est un tableau d’une louable et rare originalité.

Pas banale non plus, la grande toile de 1^““= Aline Billet-Guérin, Envoi d'un ordre! Ce groupe, composé d’un colonel et de deux jeunes officiers de cavalerie, est intéressant, et les chevaux sont superbes. Le paysage, un « sous-bois » très sincère, est bien aéré et d’un beau dessin. C’est là une excellente étude et, croyons-nous, de bons portraits...

Ce doivent être encore des portraits que M. Armand-Dumaresq a peints dans sa jolie et très spirituelle scène de genre, la Lecture de l’Annuaire de la Cavalerie. Ces officiers, qui se livrent au plus doux des « passe-temps de la vie de garnison », sont si vivants qu’il nous semble bien les reconnaître.

En tous cas, dans son autre envoi, M. Armand-Dumaresq s’est montré, comme portraitiste militaire, à la hauteur de sa réputation : son Général Février est parfait et la physionomie populaire du Grand Chancelier de la Légion d’honneur est tout à fait prise sur le vif.

C’est encore une bataille que représente la grande et superbe toile de M. Edouard Détaillé, une bataille dont les péripéties sont effroyables, et dans laquelle se déploie le plus noble courage. Le beau nom de Victimes du Devoir, qui sert de titre à ce tableau, est le titre

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LA PEINTURE

glorieux des combattants « morts au feu » et les sapeurs-pompiers sont les héros de cette émouvante page de l’histoire parisienne.

M. Edouard Détaillé a merveilleusement saisi l’aspect sinistre, vivant et mouvementé d’un grand incendie à Paris. Ce carrefour, dont les maisons à quatre et cinq étages sont remplies de locataires; cette foule de pompiers travaillant à éteindre les flammes dont la lueur rouge éclaire la scène; les sergents de ville portant sur des brancards les malheureux soldats qui ont sacrifié leur vie pour sauver leurs semblables, et ces portraits, frappants de ressemblance, du préfet de la Seine, du préfet de Police, du chef de la Sûreté... tout cela fait de cette œuvre remarquable un véritable souvenir historique...

Les superbes dons de dessinateur précis et sévère, de coloriste sincère, et même de « panoramiste » que possède M. Edouard Détaillé ne se sont jamais donné plus librement carrière. En dépit du cadre, malgré la composition très arrêtée de la scène, les Victimes du Devoir constituent un véritable diorama où l’illusion, le « trompe-l’œil » sont extraordinaires. C’est une étonnante et splendide page d’un journal illustré, peinte par un grand artiste. Meissonier l’aurait pu signer. . . mais Philippoteaux ne la renierait pas...

Avec cette toile immense, nous entrons dans la série des grandes peintures décoratives, en tête desquelles il convient de citer le Plafond que M. Léon Donnât a exécuté pour orner la salle des Fêtes de l’Hôtel de ’Ville de Paris.

D’une maîtrise absolue, d’un accent plein d’autorité, ce plafond, très violent de coloris, est une vigoureuse riposte de M. Donnât aux sectaires de la nouvelle école qui déclare que l’affadissement des tons, les grisailles anémiques, les effets mats des fresques décolorées peuvent seuls s’harmoniser avec les architectures de nos palais.

Le Triomphe de l'Art de Donnât sera, avec les peintures de Paul Daudry à l’Opéra, le plus beau spécimen de ce que peut produire aujourd’hui l’art de la peinture dans la décoration moderne.

Le sujet symbolique — ou plutôt allégorique — en est très simple et très clair : « L’Art, personnifié par Apollon et monté sur Pégase,

s’élance vers le ciel en brandissant un flambeau étincelant, pendant qu’à ses pieds, roulent, dans l’abîme de l’Oubli, l’Ignorance et la Barbarie, »

De son aveu même, M. Bonnat s’est inspiré des beaux vers de Victor Hugo :

C’était le grand cheval de gloire,

Né de la mer comme Astarté,

A qui l’Aurore donne à boire Dans les urnes de la Clarté.

Tout génie, élevant sa coupe, Dressant sa torche au fond des deux, Superbe, a passé sur la croupe De ce monstre mystérieux !. .

Et c’est peut-être pour que sa toile rappelât l’ode immortelle qui en a fourni le sujet que M. Bonnat donne pour guide, au génie de l’Art, cette belle figure de la Poésie tenant une lyre et s’envolant vers la lumière...

C’est également un plafond qu’a exposé M. Quinsac, un plafond de plus grande dimension encore et d’un très bel aspect.

Destiné évidemment à orner une salle de bibliothèque, ce superbe morceau de peinture décorative est consacré à V Apothéose de Gutenberg.

Le vénérable inventeur de l’imprimerie est représenté assis sur un fauteuil, presque un trône, placé au-dessus d’un perron d’une dizaine de marches. Il a les genoux enveloppés dans une riche draperie et tient à la main un manuscrit roulé. A côté de lui, supérieurement dessinée, une vieille presse à bras; à ses pieds, sur l’escalier recouvert d’un tapis somptueux, des enfants jouent en feuilletant de gros livres; dans le ciel, planant au-dessus du sublime inventeur, se tient une Gloire qui lui tend une couronne d’or. Au loin, la Renommée s’envole s’apprêtant à sonner de sa symbolique trompette, et les Muses sont occupées à inscrire le nom immortel de Gutenberg sur des tablettes

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de marbre. Enfin, au sommet du tableau, le Génie de la poésie, entouré de rayons, domine toute la scène.

Très décoratif, dans le sens le meilleur et le plus sain du mot, très harmonieux dans ses grandes lignes et dans tous ses détails, d’un coloris frais, léger et franc, très hardi et juste de perspective, le plafond de M. Quinsac est une des plus belles œuvres du Salon.

La Couroime de Toulouse, de M. Debat-Ponsan, qui lui sert, pour ainsi dire, de « pendant », est digne de ce voisinage. Destiné à la grande salle de l’Hôtel de Ville du chef-lieu de la Haute-Garonne, ce plafond est conçu dans un excellent esprit décoratif. L’ « Athènes de la France méridionale » est personnifiée par une jeune femme brune, caractérisant bien la beauté des Toulousaines : elle est entourée de six figures allégoriques représentant la Poésie, la Musique, la Sculpture,

la Peinture, le Chant, le Théâtre. Les couleurs des draperies paraissent un peu crues et semblent se heurter, mais il ne faut pas oublier que l’œuvre de M. Debat-Ponsan, quand elle occupera sa place définitive, sera soumise à la grande lumière du Midi, qui se chargera d’adoucir, de modérer, d’harmoniser ces colorations très artistement groupées.

Il en sera de même pour la Cérès de M. Pinta,qui doit servir de plafond à un des salons de la demeure de M. J.Moricelly, à Marseille. Composé avec un rare sentiment des ordonnances des maîtres italiens, dessiné avec une grande sûreté de savoir, d’un ton général très séduisant, ce plafond fait grand honneur à M. Pinta, qui ne se contente plus, à ce qu’il paraît, du réel talent de paysagiste que son maître Cabanel lui prédisait jadis.

Mais la peinture décorative n’est pas représentée seulement par des plafonds au Salon de cette année.

C’est à ce genre particulièrement intéressant qu’appartiennent aussi les grandes toiles qui figurent, nombreuses et très appréciées, dans les salles du Palais des Champs-Elysées.

N’est-elle point d’une belle conception décorative, dans ses tons volontairement effacés et presque en camaïeu, l’immense toile de M. Chartran, Saint François d’ Assise chantant au labour? La douceur de la lumière, l’allure nonchalante des énormes bœufs qui tirent le tronc d’arbre qui sert de charrue, la buée matinale qui s’élève de tous côtés, tout cela « chante » avec le moine inspiré qui, les yeux fixes, semble transfiguré. C’est un hymne à la nature autant qu’un hymne au Créateur qui sort de ce tableau plein d’harmonie et de calme.

Les précieuses qualités de portraitiste que possède M. Chartran se montrent une fois de plus dans l’excellent portrait de M. Carnot qu’il expose dans la même salle. Le Président de la République, dont les traits ont tant de fois été reproduits depuis sept ans, nous apparaît sous un aspect intime, assis à sa table de travail et feuilletant d’un air distrait un gros livre. Le sourire à peine indiqué dans le regard, l’inclinaison de la tête, tout est très finement, très profondément ob-

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serve. M. Chartran a bien étudié et bien « su » étudier son modèle.

C’est de Home que M. Paul Gervais date sa grande composition le Jugement de Paris; le paysage un peu artificiel qui sert de fond au tableau est, du reste, bien facile à reconnaître; c’est bien un jardin de Tivoli avec ses charmilles, ses allées pavées de mosaïque et les fameuses cascades. La scène est de noble allure et les trois figures de femmes qui personnifient l’altière Junon, la sage Minerve et la blonde Vénus sont d’une impeccable académie. De beaux effets de lumière, avec une recherche très heureuse de décomposition des ombres ont valu à M. Gervais un gros succès auprès des véritables connaisseurs.

Le Jardin des Hespérides de M. François Gorguet n’a de mythologique que son titre : au fond d’une vallée toute verdoyante, toute plantée d’arbres aux tons variés, de belles jeunes filles en costumes très modernes, se livrent à la cueillette des pommes. L’atmosphère circule « visiblement » autour de toutes ces jolies personnes dont la douce physionomie et la pâleur mélancolique sont en accord avec la couleur générale du tableau. Il n’est pas jusqu’à leurs toilettes mêmes qui, de nuances grises, roses fanées ou vert passé, ne complètent cette harmonieuse et poétique symphonie automnale.

En face de cette curieuse toile, le public s’empresse devant un très beau paysage parisien de M. A. Guillemet, le Pont Marie. La merveilleuse précision du dessin, la spirituelle et lumineuse couleur, l’absolue vérité locale de ce délicieux tableau en font une des plus séduisantes œuvres du célèbre paysagiste qui, du reste, a en même temps envoyé au Salon une petite marine où se révèle l’autre face non moins estimable de son grand talent.

Mais, puisque le hasard nous amène à parler de paysages, arrêtonsnous un peu devant les deux admirables toiles du maître Harpignies, Soirée d’automne et la Vallée Egérie. La première nous fait assister à un magnifique coucher de soleil : un groupe de grands arbres éclairés en « blond » et dominant un terrain très mouvementé et d’un rendu superbe. La seconde est comme un « souvenir d’Italie >> qui nous prouve une fois de plus que les paysages noirs, lourds et tristes rap-

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portés autrefois des campagnes d’outre-monts n’étaient pas le résultat nécessaire et fatal de l’étude de la nature dans ce beau pays. Il y fait clair et gai, sous ce ciel tant vanté, et la preuve, c’est que cette Vallée Égérie n’a rien de brutal ni de morose, au contraire...

Ils sont nombreux, les visiteurs qui « décernaient » la médaille d’honneur de cette année au tableau de M. Henri Pille, Puritains et Cavaliers. L’idée du tableau est intéressante : ce groupe des trois sévères protestants, dont les rudes physionomies, peintes de grandeur naturelle, forment un si solide premier plan ; le trio des cavaliers assis plus loin autour d’une table où des pots de grès, d’un rendu exquis, attirent l’attention; la délicatesse des détails architecturaux de la maison devant laquelle se déroule la scène, tout cela est beau, très beau, digne d’un maître. La toile de M. Pille est une de celles qui « se tiendraient » le mieux dans un grand musée à côté des plus illustres Flamands.

M. Georges Clairin a exposé cette année deux toiles de grande dimension où se retrouve toute la fougue romantique et un peu toumentée qui caractérise le talent de celui que nous avions pris l’habitude de regarder comme le plus proche héritier d’Henry Régnault.

La Dernière Messe nous fait assister à l’envahissement et au pillage d’une cathédrale espagnole par les Maures. L’autre tableau, plus lumineux et presque aussi dramatique, représente Fantasia au Maroc : des tourbillons de poussière, des chevaux se cabrant, se mêlant, des cavaliers noirs revêtus de manteaux éclatants et multicolores, une véritable orgie de couleurs vives et de coups de lumière.

Les Matines, de M. Emile Renard, sont d’un aspect fort original et l’artiste y fait preuve des plus rares qualités de coloriste. Les murs gris de ce cloître, cet escalier de pierre en « colimaçon », cette théorie de religieuses noires, tout cela, malgré la monotonie qui semble devoir en résulter, est vibrant, fouillé, curieux. Les reflets des lumières

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artificielles dus aux lanternes des sœurs, se mêlent habilement aux lueurs du jour naissant. C’est d’un elïet saisissant et d’une virtuosité très délicate.

C’est également par les effets de lumière que se distingue le très beau tableau de M. Marius Perret, les Tirailleurs sénégalais de la colonne Dodds en arrière-garde. Le sable blond et irisé du désert, les reflets très justes du soleil sur ce terrain doré ; le pâlissement des uniformes sous l’implacable ciel africain, tout cela est d’une impression excellente.

Inspiré par la légende de saint Dominique, M. de Richemont nous montre les Moines servis par des Anges. Le caractère mystique du sujet a autorisé le peintre à laisser son tableau dans des tons effacés, harmonieusement gris et très doux. Les moines, dont la physionomie

est plutôt admirative qu’étonnée, sont d’un dessin ferme et juste; la lumière est bien distribuée et l’ange aux cheveux dorés qui porte les pains sur un plat couvert de linge est d’une rare beauté. C’est un des bons tableaux du Salon.

Moins mystique comme sujet, bien qu’il s’agisse d’un épisode de la vie d’une sainte, la grande toile de M. Henri Motte, intitulée : la Légende de sainte Geneviève, patronne de Paris, est conçue, ordonnée, peinte avec une visible préoccupation d’imiter la manière de M. Puvis de Chavannes.

M. Motte a déployé dans cette composition moins d’originalité mais un meilleur goût que dans la Revue des Phoques, petit tableau bien peint, amusant, mais un peu trop « bizarre » que lui a inspiré le vieil Homère qui, dans V Odyssée, nous a raconté comment Minerve avait « caché sous des peaux de phoques les compagnons de Ménélas, afin d’attendre le moment de se saisir de Protée quand il compterait ses phoques

La composition religieuse de M. Monchablon, Venite ad meomnes, n’est pas terminée, le peintre nous en avertit. C’est une immense « icône » destinée à l’ornementation d’un sanctuaire. Cette évocation primitive est remplie de détails intéressants et l’ensemble est franchement, presque exclusivement décoratif.

Dans la salle voisine, on remarque un paysage traité uvec une rare et délicate justesse de ton, les Blés en fleurs^ de M. Quignon. L’air circule à merveille à travers ces tiges non encore mûres qu’un sentier traverse et que le vent semble « moirer » de la plus heureuse façon.

Les paysages de M. Nozal,la Fin de journée à Beuieval-Houlgate et le Bord du Drochon sont d’une jolie impression, et ceux de M. Pointelin, toujours nuageux et sombre, sont d’une poignante mélancolie.

C’est une simple « carte de visite » que M. Tony Robert-Fleury a déposée au Salon de cette année; mais, pour être toute petite, la figure de jeune fille qu’il a intitulée Douce rêverie n’en est pas moins une bien jolie chose, finement dessinée et bien spirituelle.

Le regretté Renouf, que la mort vient de surprendre il y a quelques

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semaines, avait exposé une bonne marine, Orage en mer, et un superbe portrait du R. P. une tête de prêtre merveilleuse d’intelligence et de vigueur.

U Abside de l’église Saint-Germain-des-Prés, vue des jardins de l’Abbaye, de M. Paul Schmitt, est un curieux paysage parisien, bien construit et bien éclaire.

Dans la salle du Roybet et des Matines de M. Renard, il serait injuste de ne pas remarquer les deux remarquables têtes d’étude de M"“ Julia Romani, la brillante élève de l’auteur de la Main chaude. Dans sa Pensierosa aussi bien que dans son Infante, la jeune artiste est parvenue à rappeler la vigoureuse manière de son maître en y mêlant un peu du « flou » si profond et si lumineux de M. Henner. Ce sont là deux toiles qui ne manqueront pas de tenter les amateurs.

Nous devons signaler aussi les deux paysages de M. Riou, les Bords de la Méditerranée à Saint-Raphaël, et la Chasse au bois en hiver, deux excellentes études qui méritent le succès qu’elles obtiennent.

Nous voici revenus devant une grande toile décorative, un immense panneau de M. Léon Comerre destiné à la préfecture de Lyon et intitulé le Rhône et la Saône. L’ensemble est de belle allure et le coloris général du tableau est riche et chatoyant.

Il est d’un symbolisme un peu plus raffiné, le Torrent deM. Fernand Le Quesnedont les terrifiantes dimensions imposent au spectateur un respect mêlé de quelque inquiétude. Cetamoncellement, cette « dégringolade » de chairs blanches et roses est d’un aspect singulier. On voit que le jeune artiste, qui a voué son très notable talent à l’étude à peu près exclusive du nu féminin, s’en est donné à cœur joie. C’est le torrent de la volupté que ce torrent-là. Dans cette collection appétissante de naïades blondes et brunes, il y a bien quelques erreurs de dessin, quelques fautes d’anatomie, mais il se trouve aussi d’excellentes et pures académies. Et puis la lumière est bien distribuée, la tonalité de ces savoureuses visions est vibrante et chaude; eufin, dans cette composition plus qu’originale, M. Le Quesne a évité l’écueil de la confusion : compliquée comme un scénario de feu Hennequin, cette toile reste

i.E SALON DE 1894.

claire et l’œil ne s’y embrouille point. Voilà, comme vous pouvez en juger, bien des qualités capables de compenser quelques petits défauts.

Passons devant V Angélus en mer, de M. Duthoit dont la belle tonalité est pourtant à signaler; ne jetons qu’un coup d’œil sur le trop grand Décembre de M. Louis Drouet qui, sans nuire à l’effet de son tableau, eût pu faire l’économie d’un bon morceau de toile, et reposons-nous un peu devant la très amusante scène populaire de M. Chocarne-Moreau, Abus de confiance.

La malicieuse et cordiale physionomie du petit pâtissier qui offre au petit marchand de statuettes les écrevisses du vol-au-vent qu’il est chargé de « porter en ville » est une merveille d’expression. La bonhomie gourmande du jeune « receleur », l’envieux regard de la spectatrice muette de ce drame, tout cela est exquis, gai sans être caricatural, comique sans être grossier, essentiellement parisien en un mot...

Les Valkyries de M. Bussière sont d’une composition un peu bizarre : l’idée de faire chevaucher les filles du dieu Wotan à travers les branches d’une épaisse forêt, la suppression du traditionnel coursier de Brünnhild dans la scène admirable où elle vient annoncer à Siegmund son très prochain trépas sont deux inutiles et quasi sacrilèges inexactitudes. Mais tout l’intérêt se porte sur le groupe de Siegmund et de Sieglinde, et ce groupe est remarquablement peint.

L’attitude du héros wagnérien que l’on n’aperçoit que de profil perdu, le superbe dessin de ses muscles, la délicieuse tête de la coupable épouse de Hounding, tout cela suffit bien pour faire du tableau de M. Bussière une œuvre de haute et sérieuse valeur.

Il y a de bien belles qualités aussi dans les deux grandes toiles de M. Tattegrain, d’un aspect si moderne et d’une facture si serrée. Le Débarquement des Verrai iers dans la baie d’A uthie est très curieusement étudié. Le paysage est d’un aspect bien spécial aux côtes de la Picardie. Les glaçons transparents se dissolvent dans la tiédeur des eaux pendant qu’au loin on aperçoit, dorée par la lumière vive d’un beau ciel d’hiver, la neige qui couvre les dunes. La mer, à peine agitée, clapote et confond ses diaphanes colorations avec celle du rivage. Les

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