Ch. Blanc, Grammaire des arts du dessin, p

œuvre, il nous reste à rechercher s’il existe entre ce sentiment et cette forme un rapport intime, si l’un est né de l’autre, si ces deux éléments se fondent et se complètent mutuellement.

Considérons d’abord les signes naturels du sentiment, les physionomies et les gestes. La Vierge se penche vers Jésus, mais comme le corps s’abaisse en même temps, comme les mains aident l’élan de l’enfant, la tête de la mère n’a pas besoin de s’incliner beaucoup; le mouvement est donc modéré; l’attitude n’est ni trop raide ni trop molle. Les sourcils dessinent une courbe légère, sans s’élever ni s’abaisser; les yeux ne sont qu’entr’ouverts ; l’éclat du regard est atténué et comme voilé par de larges paupières; les lèvres sont demi-closes, ou plutôt reposent doucement l’une sur l’autre. Chacun sent qu’on ne saurait mieux rendre ce qu’il y a de tendre, de profond et de reposé dans l’amour d’une mère pour son fils. Mais ce sentiment d’affection est également peint sur toutes les figures; il s’y mêle seulement des nuances nouvelles qui le varient et le font, pour ainsi dire, passer par tous les tons. Chez saint Joseph, l’attention est plus grande : aussi voyez comme les sourcils s’abaissent et se rapprochent du côté du nez; la tendresse est plus austère ; aussi voyez comme la tête, moins penchée que celle de la Vierge, se repose sur la main; comme les yeux plus ouverts^ mais aussi fixes, annoncent une âme qui se livre moins au sentiment. L’ange qui répand des fleurs a moins d’affection et plus d’admiration; les sourcils sont élevés, les yeux sont ouverts, la bouche s’entr’ouvre. 11 remplit sa tâche avec bon-

heur ; aussi les narines semblent-elles se dilater légèrement, les coins de la bouche se relèvent comme pour ébaucher un sourire; les joues arrondies ajoutent encore à l’expression riante de cette physionomie. L’ange qui croise les bras est un adolescent distrait qui vient de s’agenouiller; le sentiment de joie et de vénération qui lui a fait prendre cette attitude se lit encore sur le visage, mais il regarde ailleurs, en dehors de la scène et du tableau. L’unité en est-elle rompue? non certes, puisque ces traits disent également ce qu’expriment toutes les figures qui l’environnent. Sainte Elisabeth n’a qu’une préoccupation, celle d’apprendre au jeune saint Jean à croiser ses mains pour mieux adorer celui dont il est le précurseur; mais cette douce et chère préoccupation, en contractant les lèvres, en abaissant les yeux, n’altère sensiblement aucune partie du visage, qui reste en parfait accord avec le caractère général du tableau. Saint Jean-Baptiste, à qui sa mère rapproche les bras et les mains, semble avoir pris de lui-même l’expression qui convient le mieux à cette attitude ; il y a sur ce visage d’enfant de la rêverie, et comme un pressentiment du rôle qu’il doit jouer; rien cependant ne vient troubler ses traits, ni par suite le calme enchanteur (]^ la scène à laquelle il est mêlé. Le sentiment de joie, dont nous avons cherché à surprendre les effets sur toutes les figures, se montre encore sur le visage de l’enfant Jésus; mais il y prend un caractère de vivacité charmante que lui donnent le mouvement de la tête, l’éclat des yeux, l’élan de tout le corps. Au point de vue de l’expression, c’est la note la plus gaie

du tableau, c’est la variation la plus animée sur le sentiment qui est le thème de l’œuvre.

11 suffit maintenant de nous rappeler les qualités de composition, de dessin, de clair-obscur, de coloris pour comprendre combien ces qualités ont d’affinité avec le sentiment que manifeste l’expression des physionomies. Le front de la Vierge est pur, grave, plein de sérénité; pour accompagner, pour relever ce genre de charme, pour le rendre plus saisissant, l’artiste pouvait-il trouver rien de plus favorable que les plis ondulés de la draperie, que leur disposition à la fois largo et gracieuse, que la richesse des petites lignes ramenées à l’unité par la simplicité des lignes enveloppantes? La pondération des groupes et des masses, cette symétrie qui se dérobe, ces contours que suit l’ceil sans être arrêté par des angles malencontreux, sans être rebuté par la monotonie d’une ligne droite, tout cela ne semble-t-il [)as prêter un merveilleux concours à l’éloquence du sujet lui-même? Le sentiment est un, avons-nous dit, quelque figure que l’on considère; mais sur chaque figure il apparaît uni à une nuance nouvelle ; la ligne elliptique suivant laquelle sont disposées les têtes force doucement le regard à passer par tous les termes de cette curieuse et charmante progression. Quant à la lumière, répandue et ménagée de telle sorte, qu’elle éclaire vivement les deux personnages principaux, et toutes les figures, puis qu’elle s’affixiblisse à mesure que les objets ou les personnes s’éloignent du centre, qu’elle ne s’éparpille pas, qu’elle ne rompe pas sa propre unité par des reflets inopportuns, elle donne à tout

l’ouvrage, comme le disait Mignard, « une tendresse » qui nous fait encore mieux entrer dans le sentiment de la scène. Pour mériter le même éloge, le coloris devrait être plus suave et plus fondu ; tel qu’il est cependant, malgré les bruns qui sont devenus noirs, malgré le contraste des surfaces et du fond, il rentre dans riiarmonie générale par une vivacité et une fraîcheur qui conviennent à l’enfant Jésus et à la Vierge, par une diminution d’éclat proportionnée à la distance de la lumière et à l’importance du rôle de chacun.

Nous pouvons maintenant conclure. Par l’idée, cette œuvre où la beauté des types s’unit à tout ce qui fait le prix de la vie humaine, l’amour, la pureté, la sérénité profonde, où les affections les plus tendres sont comme ennoblies par le sentiment religieux qui s’y mêle, doit être placée très-haut parmi les productions de l’art; il faudrait même lui donner le premier rang, si nous ne croyions devoir le réserver à celles qui nous arrachent plus complètement aux préoccupations terrestres. Si nous considérons la forme, non-seulement elle est, de tous points, la plus belle qu’on puisse imaginer; mais elle s’unit si étroitement à l’idée, que nous sommes dispensés de rechercher pour celle-là une autre mesure, une autre échelle esthétique que pour celle-ci. Bien rares sont les tableaux qui nous inspirent de telles réflexions, et c’est pour ceux-là sans cloute que nous devons réserver le nom de chef-d’œuvre.