BENJAMIN GODARD

Né à Paris en 1849, M. Benjamin Godard entre tout jeune au Conservatoire pour y apprendre le violon, mais ses professeurs reconnaissent bientôt en lui de telles dispositions pour la composition, qu’ils le font admettre à la classe d’harmonie de Reber ; c’est avec ce maître qu’il a fait toutes ses études : harmonie, contrepoint et fugue.

A quinze ans, il concourt pour le prix de Rome. Les membres du jury : Berlioz, Félicien David et Auber, lui font les plus grands compliments sur sa cantate, tout en lui expliquant qu’il est trop jeune , et qu’il est préférable d’attendre pour lui décerner le prix. L’année suivante, il n’obtient même pas un accessit.

Le jeune Godard se montrait d’ailleurs peu scholastique dans sa manière ; le sentiment lui paraissant la première chose en musique, il en mettait jusque dans ses fugues, au grand désespoir de Reber. Ce qu’il est curieux de constater, c’est que, n’avant obtenu aucune récompense au concours de Rome, il est aujourd’hui parmi les

m embres du jury qui décernentla fameuse timbale. Combien de compositeurs, d’ailleurs, n’ont pas eu le prix: MM. Saint-Saëns, Lalo, Widor, d’Indy, Chabrier, par exemple, et se sont fait néanmoins dans la musique une place brillante.

La première œuvre de M.Godard estunesonafe pour piano et violon, dans laquelle on trouve déjà, malgré la forme consacrée et classique du morceau, les qualités de charme et de sentiment qui vont caractériser les œuvres futures du jeune compositeur. Il écrit aussi des pièces pour piano et des mélodies, et, en 1874, fait exécuter au concert Pasdeloup la Symphonie gothique , d’un caractère si archaïque. Des trios, des quatuors, et le concerto pour piano, joué par Lewita, datent de cette époque. Dans le concerto romantique pour violon et orchestre (1876), l’auteur affirmait son goût pour les tendances nouvelles ; aussi, à la première audition, le public s’étonna-t-il d’une absence aussi totale de formules. Mais ce même public, au concert Colonne, où M. Wolff a joué l’année dernière le concerto romantique, a montré par l’accueil qu’il a fait à cette œuvre, qu’un compositeur peut écrire même un concerto sans retomber dans le cliché classique, et cela à la grande satisfaction des auditeurs. Les beaux concertos de MM. Saint-Saëns, Lalo,Widor, etc., sont autant d’exemples à l’appui de cette vérité.

En 1878, M. Godard obtient le grand prix de la ville de Paris avec sa partition du Tasse, et, le

lendemain de l’exécution de cette œuvre, sônnom est célèbre.

Cette partition n’a d’ailleurs pas été oubliée, car les concerts du dimanche en ont souvent mis des fragments sur leurs programmes.Est-il besoin de rappeler ce ravissant duo d'amour de la première partie, puis la scène religieuse avec les chœurs de moines ? Dans la pastorale et toute la suite de la deuxième partie, l’auteur se montre symphoniste descriptif au suprême degré. Avec la fête et le chœur des Buveurs , c’est une orgie de musique colorée qui, bien qu’écrite dans un style tout moderne, rappelle cependant, par l’intensité du sentiment décoratif, le premier acte des Huguenots , dans lequel on sent si bien ce mélange de galanterie etde barbarie qui peint ces époques où l’on ne faisait que jouer, boire, aimer ou mourir, tout cela avec une désinvolture parfaite. Mais, pour en revenir au Tasse, voici l’élégant duc d’Aoste qui, après un récitatif d’une habileté de facture étonnante, chante cette sérénade bien connue, dont l’éloge n’est plus à faire. La scène de la folie et les chœurs funèbres de la fin, font un contraste frappant avec le tableau de la fête.

La même année M. Colonne nous a donné les Scènes poétiques. C’est dans cette œuvre surtout que M. Godard a montré son amour pour la nature. Remarquez, d’ailleurs, dans tous ses ouvrages, avec quel soin il travaille les paysages et les scènes champêtres. Le Tasse contient une pas-

(oraie exquise ; nous en trouverons d’autres dans Jocelyn.

Çà et là, il écrit des morceaux de piano ; la Lanterne magique, suite de pièces renfermant trois numéros : Chopin, Mendelssohn et Schumann, qui sont d’amusants pastiches de la manière de ces trois maîtres. Ce sont bien eux, mais modernisés encore, avec des nouveautés harmoniques qui ne gâtent rien. En 1880, M. Godard donne successivement au concert Pasdeloup :

Diane, scène mythologique pour chœur et orchestre, et la symphonie Ballet, si charmante. Pendant ce temps, M. Colonne exécutait une belle symphonie en si bémol.

De l’année 1883 date celui des opéras de M. Godard, que nous préférons, celui aussi pour lequel il paraît avoir une affection toute particulière. Nous voulons parler de Pédro de Zalaméa, joué pour la première fois sur le théâtre royal d’Anvers le 31 janvier 1884. Nous ne chercherons pas à établir de comparaison entre le Tasse et Pédro de Zalaméa, les deux poèmes étant trop différents l’un de l’autre, et la marque de chaque œuvre ayant bien son caractère particulier et distinct. C’est là, croyons-nous, le propre des grands talents de savoir varier le style en changeant de sujet. Les grands maîtres n’ont pas fait autrement : Meyerbeer écrit le Prophète et le Pardon de Ploërmel, Rossini le Barbier de Séville et Guillaume Tell, Berlioz la Damnation

de Faust et VEnfance du Christ , Wagner Tristan et Yseult et les Maîtres Chanteurs.

Dans Pedro de Zalamêa , le livret du premier acte est d’abord gracieux, élégaut, rempli d’épisodes humoristiques et pittoresques, mais dès le deuxième acte l’action devient plus grave. Au troisième elle prend des proportions dramatiques, et le quatrième acte serait aussi lugubre que la fin du Tasse si, par un heureux hasard, tout ne s’arrangeait au gré des intérêts communs avant la chute du rideau. L’inspiration musicale nous parait très soutenue dans cette partition. Après un carillon très curieux qui sert d’ouverture et un chœur de moines où les harmonies modernes ne nuisent pas au sentiment religieux, s’ouvre le premier acte tout champêtre. La chanson de Rosanna et la petite Marche villageoise sont charmantes ; le Sextuor qui suit est très simple et sonore, mais voici un chœur de paysans qui laisse à l’acte toute sa couleur rustique. L’entr’acte qui suit est une petite merveille de facture et Y Air de Pedro à la scène I une des plus belles inspirations de B. Godard. Puis, c est la Sérenade y spirituelle et sarcastique, la Romance d Isabelle , si expressive, et un très beau Duo d’amour. Nous trouvons un second duo d’amour plus court, mais d’un sentiment pénétrant, au troisième acte. Ici les chœurs deviennent de plus en plus nombreux, et la musique atteint un haut degré d’expression dramatique.

Citons encore une admirable phrase de Pedro, à la scène VIII du troisième acte, les chœurs funèbres, la Prière d’Alvar, et le finale du quatrième acte.

Malheureusement Pedro fut horriblement défiguré sur un théâtre où l’on manquait de tout. C’est le compositeur qui se vit dans la nécessité de s’occuper, non seulement des répétitions, mais des costumes, voire même des décors. Espérons qu’un jour ou l’autre les directeurs de nos grandes scènes lyriques auront la bonne idée de remonter Pèdro de Zalaméa. Il ne faut pas désespérer : Samson et Dalila, le chef-d’œuvre scénique de M. Saint-Saëns, n’est-il pas resté quinze ans, depuis sa première représentation à Weimar, avant d’être joué sur un théâtre français?

C’est en 1884 que M. Godard succéda à M. Pasdeloup au cirque d’hiver. En l’espace de six mois, et malgré l’état plus que précaire de la Société, il réussit à monter des œuvres importantes, comme sa Symphonie orientale , la Seconde Symphonie pour orchestre de M. Widor, et bien d’autres. Cependant il fallut abandonner le bâton de chef d’orchestre, et M. Godard revint au concert Colonne faire jouer sa Symphonie légendaire. On se rappelle le succès qu obtint cette œuvre, à laquelle M. Faure prêtait le concours de sa belle voix et de sa pure diction. La scène de la Cathédrale a frappé particulièrement le public, mais nous qimons aussi beaucoup

toutes les parties descriptives : la Ballade, la Tentation, avec cet élounant chœur de femmes qui coutieut quarante-deux mesures sur les seuls accords de tonique et de dominante alternés, sans que l’effet soit monotone, le tableau de la Forêt, etc. M. Godard, poète à ses heures, a écrit pour la Symphonie orientale et la Symphonie légendaire , des strophes qui ne manquent pas de caractère. La Symphonie légendaire fut exécutée à Genève sous la direction de l’auteur.

La réputation de M. Godard grandit, et, tandis qu à Paris on s’obstine à ne pas lui ouvrir toutes grandes les portes de nos théâtres lyriques, le théâtre de la Monnaie monte à grands frais Jocelyn, représenté en février 1884, à Bruxelles.

On sait que le public Bruxellois est très ardent amateur de musique. Il y a là deux camps bien tranchés : d’un côté lesWagnériens purs, intransigeants, de l’autre, les partisans de l’école française qui ne craignent pas une musique plus facile que celle du Jupiter tonnant de Bayreuth. Jocelyn réussit pleinement. Pour nous qui, éclectique et sans parti pris, applaudissons ce qui nous parait beau dans toutes les écoles, nous trouvons la partition de Jocelyn sous certains points très intéressante. C’est une œuvre toute de sentiment et de pittoresque, plutôt que de puissance. La mélodie y est abondante, trop facile peut-être, mais les harmonies modernes les plus curieuses lui enlèvent sa banalité. On sait que dans la

musique d’aujourd'hui la science harmonique joue un si grand rôle qu’il est impossible de la séparer de la mélodie ; celle-ci, quelqu’inspirée qu’elle fût, paraîtrait bien mince et pauvre, si elle était isolée. D’un autre côté, la plus belle harmonie qui ne revêtirait pas une idée, n’auraitelle pas l’air d’un beau corps sans âme ?

Nous ne donnerons pas ici une analyse de Jocelijn , sur lequel les avis ont été bien partagés d'ailleurs. Après son succès à Bruxelles, cet opéra fut mouté à Paris dans la 'salle du Château d’Eau, et quoiqu’insufûsamment chanté, il n’a pas été oublié du public parisien. Dans Jocelyn, la note amoureuse est presque continue, mais ce n’est pas l’amour dramatique de Raoul et de Valentine, ni le sentiment purement sensuel qu’exprime la musique de MM. Gounod ou Massenet, c’est un amour plus chaste et tout aussi tendre. Les principaux motifs qui reviennent dans Jocelyn , un peu à la manière des leitmotiven de Wagner, sont d’une expression profonde ; par exemple, la phrase de la mère de Jocelyn : « Sois béni, pauvre enfant », les adieux de Jocelyn à la maison paternelle, et le motif « Anges du Tout-Puissant », d’une si grande envolée. La scène de la prison est d’une réelle puissance. Quant au tableau de la mort de l'évêque, il a produit à Bruxelles une très grande impression, mais il est douteux qu’on puisse jamais le représenter en France.

Citons encore la romance de Laurence « Dors en paix », et un très beau Quatuor au quatrième acte. La scène du Bal est charmante, et le tableau de la Procession fort réussi. L’auteur de Jocelyn possède d’ailleurs le sentiment religieux; il a écrit des scènes d’églises fort belles. Quant au court duo qui termine Jocelyn, nous le trouvons très-dramatique. Le cri de Laurence : « Ah ! s'il était la » est absolument poignant, et le retour de la phrase de Jocelyn : « Anges du Tout-Puissant », termine bien l’ouvrage.

Depuis Jocelyn , M. Godard a publié 24 Etudes artistiques . qui sont certainement ses plus remarquables compositions pour piano. Ce ne sont plus des morceaux de salon, mais de véritables études, comme leur nom l’indique, très-travaillées mais sans aridité. Citons le Cavalier fantastique , Avant le départ , VAttente, VHymne surtout, qui est d’une grande envergure. Tout cela est très bien écrit pour le piano, et nous le préférons mille fois aux valses et mazurkas du même auteur, d’un art trop facile.

Arrivons à l’époque où fut représenté à l’Opéra- Comique Dante , cette partition qui eut un sort malheureux malgré son très-grand mérite, parce qu’une critique haineuse ou ignorante en fit une exécution sommaire, sans même en discuter la valeur. Avant la première représentation la cabale était organisée, et le coup monté réussit si bien que le public ne vint pas. Cependant il est à

remarquer qu’à chacune des huit ou dix représentations du Dante , la salle s’est trouvée pleine de personnes sans doute, dédaigneuses de l’appréciation de certaine presse, et qui applaudissaient avec enthousiasme.

« C’est de la musique italienne ! » avait-on crié avant d’avoir entendu une note de Dante. Erreur et parti-pris ! L’auteur de Dante ne redoute pas le charme en musique, cette qualité si rare de nos jours, mais sa sensibilité n'exclut ni la science harmonique, ni la puissance nécessaires au théâtre. Ce n’est pas un algébriste pur, puisqu’il cherche les effets obtenus par les moyens simples, mais qu’on ne dise pas qu’il est iucapable de produire ces œuvres où le cœur n’est rien (l’inspiration, on n’ose plus en parler !) et l'écriture tout. Comme M. Saint-Saëns, qui, lui non plus, ne craint pas la douceur parfois, M. Godard, s’il le voulait, pourrait en une seule page, réunir plus de curiosités harmoniques, plus d’agrégations bizarres mais toujours analysables, que 11 e le feraient vingt énergumènes en dix années de leur existence.

La musique de l’auteur de Dante est essentiellement dramatique : elle tient les planches. Le compositeur a compris qu’il y a au théâtre des exigences scéniques qui ne peuvent être méprisées. Ecrivez pour le théâtre ou pour le concert , choisissez ; mais si vous vous décidez pour la scène, ne nous y apportez pas des symphonies.

Nous ne voulons pas faire ici une réhabilitation de l’école italienne, que nous n’aimons pas, et qui n’est pas une école dramatique, puisqu’elle n’exprime pas, ou exprime faux. Mais nous croyons que dans toute la durée d’un acte, par exemple, il est nécessaire, de temps en temps, de donner le sentiment de la conclusion à la fin d'une scène, d’un tableau, sous peine de fatiguer l’auditeur, qui ne pourra plus suivre.

Il n’est pas obligatoire pour cela de terminer chaque phrase musicale par une de ces finales communes et vulgaires qui gâtent quelquefois les plus belles inspirations. M. Godard a toujours le soin de donner à ses formules finales un dessin qui les empêche de tomber dans le cliché. L’altération d’une note dans la partie d’un des instruments de l’orchestre, un rien suffit pour enlever toute banalité à une cadence.

Mais revenons au Dante , et citons les pages qui nous ont particulièrement frappé : dans le premier acte, la caotiléne de Dante. « Le ciel est si bleu sur Florence », inspiration d’une fraîcheur exquise, un duo des deux femmes, dans lequel Béatrice avoue à sa confidente Gemma son amour pour Dante, et le finale très grandiose.

Au 2 me acte, un beau duo contient une phrase : « Si ma douleur est amère », d’un très grand charme. Elle revient trois fois sans lasser, mais elle finit toujours sur la tierce majeure, et

il nous semble que la première de ces chutes escompte l’effet des deux autres.

Le duo d’amour du 2 me acte est tendre et dramatique, et le chœur des traîtres qui proscrivent le gonfalonier, puissant, mais il finit d’une façon qui relève plutôt de l’Opéra-Comique que de l’Opéra.

Le « clou » de Dante est le 3 me acte. Après un ballet écrit avec la facilité qu’on connaît à M. Godard, vient Y Invocation aujombeau de Virgile. Le largamente : O maître , lève-toi... est de la plus haute envolée, et nous connaissons dans le théâtre moderne peu de scènes aussi simples et inspirées que celle-là. Mais bientôt les nuages couvrent la scène, Dante s’endort et en rêve aperçoit YEnfer.

Dans le chant des damnés nous trouvons tout ce que l’harmonie moderne peut créer de plus angoissant. C’était certainement comme cela qu’il fallait interpréter la scène ; le chant céleste, avec ses longues harmonies consonnantes et son calme infini, fait d’autant plus d’effet qu’il succède au tableau de l’enfer. Bientôt apparaît Béatrice qui chante une des phrases les plus suaves de l’œuvre : « Je vais dans lazur sans voiles », accompagnée par le chœur céleste pianissimo, et soulignée à l’orchestre par un léger dessin du violon solo. L’acte se termine par un beau cri de Dante :

« Oui, tu las dit , ma Béatrice , je pourrai te revoir. »

Après le prélude du dernier tableau, qui est une page symphonique superbe, citons la romance de Gemma, puis le grand air « De l'éternel sommeil je n'ai pas l'épouvante. » Le quatuor qui suit nous a fait involontairement penser à celui de Jocelyn, avec lequel il a des analogies de sonorités. Passons sur le duetto, auquel nous reprocherons de n’être pas assez de la musique d’opéra, pour arriver à la scène finale qui est très empoignante. Béatrice meurt sur le rappel de l’admirable phrase de l’apparition: « Je vais dans l'azur sans voiles. »

Nous n’avons cité de Dante que les morceaux les plus saillants ; au théâtre on avait, d’ailleurs, supprimé une bonne partie de la partition. Parmi les pages sacrifiées, l’épisode de la rencontre de Paolo et Francesca d’une poésie et d’un charme infinis, et le premier tableau du dernier acte, méritaient à tous égards d’être conservés.

Depuis Dante , M. Benjamin Godard a écrit une importante partition pour Jeanne d'Arc , le drame de M. Joseph Fabre, représenté au théâtre du Châtelet.

L 'Angélus, au premier tableau, avec sa note de harpe figurant la doche, qui accompagne depuis la première jusqu’à la dernière mesure un chœur lointain et fait partie de toutes les harmonies, est une trouvaille. Benjamin Godard affectionne d’ailleurs cet effet de pédale. Dans Jocelyn , sur la phrase de la Mère : Sois béni . il y a une

note tenue qui produit un effet semblable ; de môme dans maintes compositions de piano. Le compositeur dans ce cas, quoique modulant souvent aux tons les plus éloignés, ne paraît éprouver aucune difficulté à maintenir la pédale. C’est un pur tour de force de métier.

Godard est aussi un des premiers compositeurs de la jeune école qui ait fait un emploi fréquent et heureux de l’enharmonie.

Le 2 me entr’acte de Jeanne d’Arc est encore un fort beau morceau d’orchestre, rempli de délicatesse.

La scène à Chinon a un caractère bien archaïque, très intéressant : il y a là un ballet qui a beaucoup de couleur, et un ménestrel vient chanter des chansons du moyen âge pleines de caractère : le citant de la Guerre et le dict de Merlin l'Enchanteur. Mentionnons aussi une Prière de soldats d’une grande allure, et la belle Marche du Sacre, où les sonneries des trompettes, sur la scène, alternent avec l’orchestre, dont la sonorité rappelle parfois à s’y méprendre celle des grandes orgues. Cette dernière page, écrite dans un style scénique et décoratif, accompagnait fort bien l’imposante scène du sacre.

L 'Adeste fideles chanté par des enfants de chœur et repris trois fois par tous les choristes, chaque fois dans une tonalité et avec des harmonies nouvelles, produit le plus grand effet.

Pour la dernière scène du Bûcher, le composi-

teur a écrit une émotionnante Marche funèbre.

Récemment, M. Godard a transformé en opéra sa belle symphonie dramatique le Tasse, dont nous avons parlé plus haut.

En outre, M. Benjamin Godard a publié de nombreuses pièces pour le piano : Scènes italiennes, Barcarolle napolitaine , six livraisons de morceaux pittoresques réunis sous le nom de Lanterne magique , des mélodies parmi lesquelles nous citerons spécialement la Chanson arabe et le Voyageur, des duos très charmants pour deux violons avec accompagnement de piano, un 2 e Concerto pour violon, six nouvelles pièces pour violon et piano, etc., etc.

Pour compléter cette courte étude, citons encore un opéra, les Guelfes, poème de M. Gallet, dont le manuscrit,'entièrement terminé, attend chez l’éditeur Grus qu’une grande scène lyrique veuille bien de lui à l’Etranger. Car les directeurs de l’Opéra nont jamais voulu jouer une note de M. Benjamin Godard.

En ce moment le jeune maître écrit la musique d’un drame lyrique, Ste-Geneviève , dont le livret avait été remis par son auteur, M. Louis Gallet, à l’infortuné Bizet quelques jours avant sa mort.

A quarante et un aus, M. Godard a déjà écrit 150 œuvres, dont le plus grand nombre pour l’orchestre. Il a remplacé au Conservatoire M. Deldevez comme professeur de la classe d’ensemble instrumental, et cependant la Société des Concerts

n’a mis qu’une seule fois son nom sur ses programmes. Que nos chefs d’orchestre n’oublient pas que dans la jeune école française il y a des compositeurs qui ont du talent, à l’exemple des auteurs étrangers acclamés à Paris, et qu’il se pourrait bien qu’un jour leurs œuvres symphoniques fissent, comme leurs partitions d’opéras, en prenant le chemin de la frontière !