APPRÊTS DE FÊTE

Nous sommes évidemment ici en pleins apprêts de gala, quelque chose comme les noces de Gamache de Cervantes, dans la note du temps.

Il est impossible de peindre avec plus de vie et d'éclat un sujet si lin par lui-même et si bien décrit par Cervantes.

Voilà bien la châtelaine noble et élégante au bras de son seigneur et maître, déjà grisé par sa puissance, sa fortune et sa bonne table. Le nain bouffon ne pouvait manquer d'assister, par derrière, à la

magnifique présentation, pas plus que, par devant, l'Amour et tous ses attributs, les apprêts du festin, qui s'étalent à tous les yeux. Un parti de musiciens mêle ses accents à l'enivrement général, à la joie du triomphe et du plaisir.

Une véritable cour de seigneurs est pressée derrière les pas des amoureux ou futurs époux. La foule des courtisans est compacte et brillante, riante et attentive.

Le château seigneurial paraît au dernier plan, avec ses tourelles et donjons pittoresques dans un paysage clair, animé et touffu, monté, à l'unisson de la grande cérémonie, dans une gamme de ton vive et splendide.

Il faut lire les fêtes du troisième mariage de Philippe le Bon pour se faire une idée du faste et des prodigalités plantureuses déployés dans ces agapes seigneuriales, sortes de kermesses nationales et princières.

Après cette brillante fantaisie, nous rencontrons au Louvre les sujets délicats de Cornélis Poëlenburg.

Ce sont plutôt des études de nus, en petites figures et figurines, dans toutes les poses et d'une franche coloration. Elles se rapprochent seulement du tableau dans les Bains de Diane, dont toutes les câaigneuses dévoilent leurs charmes dans un joli paysage.

La peinture, tiraillée entre deux tendances contraires, y perdra certainement de son originalité, mais elle reprend bien vite sa vérité primordiale, véritablement nationale, dans une floraison nouvelle d'un rameau germanique opposé au génie des peuples latins.

Dans l'art des Pays-Bas, en général, le centre de rayonnement de la peinture est déplacé. Le réalisme s'affirme dès lors comme idéal, en face du spiritualisme infirmé, du moins en Italie.

Avec Gérard Honthorst, nous rentrons dans le réalisme jovial.

11 procède à la fois de la manière franche de Jordaëns et du sansgêne de Garavage, desquels il est contemporain (1 592-1662) . Les Italiens le nommèrent Gherardo délie Notti, à cause de sa manière particulière d'éclairer ses tableaux d'une lumière .factice.

Gela mis à part, ses tableaux sont agréables et réjouissants ; le Joueur de mandoline est pris au naturel avec les quelques accessoires qu'il comporte, y compris le cruchon à bière, qui doit faire partie de toute composition du pays.

Le Concert, exécuté par deux musiciennes, est égayé par leur mine de splendeur et de prospérité. Ce sont deux gaillardes qui ne font pas toujours et seulement de la musique; dans la crainte que l'on ne s'y trompe, le peintre laisse planer au-dessus d'elles deux amours qui en font foi.

V Enfant prodigue, de Dusseldorf, réunit l'ensemble de ses qualités d'entrain portées au naturalisme.

Je distinguerai encore le solide talent de Franz Halz (J 58/1-1666), le premier anneau de cette chaîne incroyable de grands artistes qui naquirent coup sur coup, dont Rembrandt fut le brillant et savant interprète, et qui vécurent tous ensemble, en partage de son éclatante renommée.

Sa Bohémienne est colorée, délurée et prise au vif de l'humeur libre et vagabonde.

lol

Sa Femme est une excellente et bonne bourgeoise.

Enfin, le portrait de René Descartes, peu flatté certainement, mais curieux et historiquement intéressant par la singularité et l'expression pensive de notre grand philosophe.

La nouvelle école, dès lors, s'était montrée et affirmée dans les libres et vigoureux portraits de Franz Halz. Là, plus de soumission à l'art italien, ni même à l'art flamand.

Le Fou, du musée d'Amsterdam, est étonnant d'expression.

Brauwerest un humoristique à la façon de Halz et de ïéniers. 11 est le trait d'union entre les deux maîtres.

Élève de Halz, il a suivi de plus près encore que Téniers les compagnons de ses « joyeulsetés », rôdant avec de gais compères dans les cabarets, les guinguettes, les cuisines et les corps de garde, observant ces buveurs et ces fumeurs, ces joueurs de cartes, ces musiciens ambulants, ces barbiers et ces arracheurs de dents, en pleine foire, qu'il a fait revivre avec tant de verve et de drôlerie dans ses amusantes peintures.

Son Fumeur, du Louvre, est un type de buveur bâillant sa fumée,, la bouche contractée, les cheveux en désordre, les yeux hors de la tète; l'expression en est accrochée d'un trait sûr, en pleine pâte grasse

et coulante, la touche facile et à grands plans, comme escamotée ; c'est très habile évidemment.

Ses autres tableaux, plus petits, sont très analogues à ceux de Téniers, mais moins faits et plus ternes. Nous y avons surtout remarqué X Opération, où le pauvre patient, la houppelande rabattue, crie et paraît souffrir comme un damné sous le crochet aigu d'un chirurgien improvisé, en plein vent, qui lui arrache quelque furoncle ou tumeur sur l'épaule.

Rubens avait une grande prédilection pour les ouvrages de Brauwer, qui portent au plus haut degré l'empreinte réaliste.

Rembrandt van Ryn était le fils d'un menuisier de Leyde.

C'est dans l'étude personnelle qu'il chercha une nouvelle poésie avec un art nouveau, et que, changeant l'idéal consacré, il retrouve « un vrai beau dans le simple vrai ».(L. Viardot.)

Ses dons de nature lui révélèrent le coloris dans la simple application du blanc de papier et du noir de l'encre sur une planche d'acier nécessaire à la gravure.

Ses grandes qualités de peintre deviennent divinatoires dans la gravure.

On est émerveillé du procédé et de la manière de faire qui se dégagent de ses gravures telles que le Sacrifice d'Abraham, les Pèlerins d'Emmaûs, le Christ guérissant les malades et la Résurrection de Lazare.

Chez Rembrandt, les facultés du graveur ne sont plus accessoires, elles sont, je dirai presque, principales, en raison du sens mystérieux de ses rêveries et de l'immatérialité de son faire.

Rembrandt a prouvé, par exemple, et victorieusement, qu'un effet, disons mieux, un accent de lumière ou d'ombre, peut être plus expressif, peut toucher plus profondément que ces contractions des traits et des gestes qui servent d'habitude à rendre la douleur et qui prétendent la faire éprouver. On reproche quelquefois à Rembrandt d'exagérer l'obscurité, l'opacité de ses ombres ; mais c'est pour faire jaillir la lumière des ténèbres. Rembrandt est un magicien, et la lumière est sa magie. Il a compris — développant en cela l'intuition de l'école hollandaise — que sous un ciel voilé, brumeux, plus que

sous le rayonnement d'un ardent soleil, les couleurs conservent leur puissance et leur valeur relative.

Cette force d'accentuation du coloris s'accuse déjà dans l'une des premières œuvres du maître, la Leçon d'anatomie. C'est la dissection d'un cadavre par un célèbre médecin du temps, le professeur Tulp, dont la figure est sortie du tableau, devant sept autres médecins. Le sujet, d'ailleurs fort connu, n'exigeant d'autre invention que celle de l'ordonnance, et nul idéal, convenait merveilleusement au génie réaliste du peintre des Gueux. Rembrandt s'y élève à toute la distinction qu'il pouvait atteindre, car autour de ce corps inanimé, tous les personnages vivants ont cette certaine noblesse de maintien et d'expression que donne toujours la science attentive et curieuse. Quant à l'exécution, on peut dire que le don de vie est répandu sur cette toile laineuse.

Dans la Ronde de nuit, le sentiment de la réalité, de la vérité vraie, s'élève encore d'un degré. Cette œuvre, malgré le désordre apparent de cetie troupe en marche, sans ordre, sans uniforme, avec la plus complète liberté d'action et d'équipement, est un bizarre mélange de gens, d'attitudes, de costumes, d'armes dépareillées, arquebuses et hallebardes, casques et chapeaux, cuirasses et pourpoints.

L'oflicier vêtu en velours noir avec écharpe rouge, son compagnon en satin jaune qui balance une hallebarde, le porte-étendard, et pour ainsi dire toutes ces franches et martiales figures forment un ensemble des plus pittoresques et des plus complets, et nous offrent le vrai type de ces héros populaires qui arrachèrent la Hollande à l'Espagne catholique. La pensée du maitre reste claire sous le masque des figures.

La sécurité vous pénètre sous la protection de cette primitive garde nationale. La femme et l'enfant peuvent la suivre et s'y mêler. Ils posent devant vous, ils agissent, ils vivent, sous les étranges rayons de cette lumière diffuse et brillante créée comme un soleil intérieur par le génie de l'artiste.

C'est la poésie du [Naturalisme.

L'œuvre de Rembrandt, au Louvre, est assez importante pour donner une grande idée de ses qualités et aptitudes diverses s' étendant de la profonde étude, de la couleur et de la lumière, jusqu'aux limites de la réalité, relevée par tous les ressorts de la pensée et du sentiment humain. Le peintre se retire dans un monde intérieur ; il

sait ainsi distribuer les lueurs fantastiques dans ses évocations qui ont la demi-obscurité du rêve.

Les Deux philosophes, en méditation sous une voûte sombre, sont de petites figurines bien réduites, mais qui grandissent démesurément par leur attitude absorbée et le puissant effet de lumière qui les enveloppe.

Le Disciple d'Emmaùs serait un tableau d'un sens profond, sans l'expression du Christ qui manque d'effet religieux, malgré son auréole dans laquelle devait disparaître la figure du Seigneur.

Sainte Famille ou Ménage du Menuisier.

Nous ne discuterons pas sur le litre, nous avons dit déjà qu'il nous était indiffèrent, autant que l'œuvre nous séduit.

Quel puissant effet de lumière sur ce joli groupe de la mère et de l'enfant. A lui seul.ee rayon d'en haut illumine et sanctifie l'œuvre entière. Le vieux père agenouillé devant eux, dans cette muette adoration du grand-père que tout transporte quand il s'agit du petit bambin. Le menuisier, près de la fenêtre, est à son travail, participant de de ce clair et ravissant foyer de lumière du dehors qui se projette dans une perspective aérienne laissant apercevoir au loin le sommet des habitations, les dernières branches des arbres, sur un petit coin de rue qui s'étend au loin à l'horizon. Quel profond sentiment artistique dans la disposition d'une échappée sur la ville ! dans l'ouverture d'une croisée à guillotine, surmontée d'un vitrage à petits carreaux scintillants,en face de cette vaste cheminée presque monumentale ! (La sorbonne du menuisier.)

Le soleil trace sur le sol une traînée lumineuse qui éclaire un modeste volatile, détail simple, primitif si l'on veut, mais non grotesque, qui vous ramène bien vite à la réalité qui allait vous échapper. Sous le charme du peintre, le ciel pouvait donc s entr'ouvrir un instant, au même degré inversement que, dans d'autres compositions du même ordre, quoique fort belles également, le ciel nous ramène à la réalité.

L'interprétation du sentiment religieux par Rembrandt, nous l'avons déjà vu plus haut, est plus près de l'esprit de l'enseignement du Christ, de son amour du peuple, et du pauvre d'esprit, de la compassion pour les misères humaines et sociales, que de la glorification des puissants et de l'orgueil superbe.

11 y a plus à gagner pour le sentiment moral à l'élévation de l'humble qu'à l'exaltat'on des grands.

Rembrandt marchait ainsi en communication d'idées avec son pays et son temps.

Nous arrêtant un instant aux formes de la peinture, prises dans leur ensemble, on pourrait dire que de même que le dessin s'est eiïacé sous l'éclat du coloris, le coloris s'est dissipé au foyer de la lumière; l'évolution des effets du rendu s'est opérée dans le sens de la lumière. L'art y a pris l'expression d'une direction différente, un moyen puissant, que nous retrouverons plus tard.

Après les Arquebusiers. cV Anvers de Téniers et la Bonde de nuit de Rembrandt, il était difficile de comprendre une œuvre de même genre avec plus de vérité et d'ampleur que ne l'a fait Van der Helst dans le Banquet de la garde civique, que l'on a placé, à Amsterdam, en face de la Bonde de nuit.

En groupant plusieurs portraits dans un même cadre, à propos d'un même sujet, Van der Helst est arrivé à faire des tableaux d'histoire.

Tels sont encore les Chefs de la Confrérie des Arbalétriers, dont nous avons au Louvre une copie réduite ; le Prix de Varc, qui ne peut donner qu'une idée insuffisante de l'original.

Quoi qu'il en soit, cette peinture, comme le dit M. Edmond Tixier, « est merveilleusement appropriée aux gens qu'elle représente, calme, digne, honnête et forte ». Le syndic est fièrement campé sur son siège en avant de la table où les lots sont disposés et successivement considérés et évalués par les confrères; ils discutent paisiblement les prix à distribuer ; tous ces objets précieux sont splendides et bien rendus, et une chaude lumière est répandue sur l'ensemble, s'attachant finement sur chacun de ces objets.

Une autre toile de la collection Lacaze, attribuée à Van der Helst, est très remarquable également. Ce sont les deux époux, nobles et dignes, assis en présence l'un de l'autre, d'une tenue sévère, irréprochable, douce pourtant dans son attitude réfléchie, et le mari paraît indiquer avec sa canne, dans une partie du paysage, une prochaine station de promenade ou le choix d'un lieu d'habitation.

C'est à la fois grand et familial. De G. Flinck, aussi, un délicieux portrait d'enfant, la Fille à la houlette.

La réalité, en effet, commence à une personnification, pour setermier en une expression indéfinie.

Nous sommes arrivés, à la suite de Halz, Rembrandt, Téniers et Van der Helst, à toute une suite de petits maître» hollandais, qu'il nous est impossible de prendre à partie et de désigner autrement que par le genre qu'ils ont représenté.

Ils se classent forcément par genres, depuis les sujets anecdotiques, où les acteurs sont des personnages, pour traverser les intérieurs, et nous conduire aux animaux, paysages, marines, fleurs et fruits.

Le musée du Louvre, dans ce premier genre anecdotique, a réuni, à la place d'honneur, à proximité l'une de l'autre, trois véritables perles, qui sont la Femme hydropique, le Galant officier, te Maître d'école, de Gérard Dow, Gérard Terburg, et A. Van Ostade.

On ne sait véritablement à laquelle de ces trois œuvres parfaites on devrait donner la préférence, tant elles sont attrayantes et achevées.

La Femme hydropique, par exemple, pour le prodigieux fini du détail, pour l'harmonie de l' ensemble, est vraiment prodigieuse. Et pourtant la scène est d'une extrême simplicité, d'une vérité tellement frappante que, d'après nos procédés actuels de la photographie, on pourrait la croire révélée par le simple appareil reproducteur, et pourtant on y sent l'art en toutes ses parties : la pose attristante de la malade entourée des soins charmants de sa jeune fille, l'attention de la chambrière; le regard penché et docte du médecin, l'arrangement supérieur de tout cet intérieur, élégant et presque somptueux, éclairé en pleine lumière par ces belles fenêtres cintrées, garnies de verrières du pays. Quelque peintre que ce soit a-t-il*approché jamais de cette justesse du coloris, de cette pénétrante accentuation de chaque groupe et de chaque objet; la femme malade, la jeune fille à ses pieds, le brillant de la liqueur examinée par le docteur, et la lumière se jouant en mille reflets sur le lustre, les vases, le tentures, les rideaux relevés pour le développement du tableau?

On pourrait dire que cela est tellement parfait que l'on n'y sent "que par la pensée l'art consommé qui y est répandu à pleines mains.

C'est donc un chef-d'œuvre de perfection.

Le Militaire offrant des pièces cVor à une jeune femme, de Gérard

Terburg, est certainement une scène galante ; on ne peut nier la paillardise du soldat légèrement aviné, qui apporte au pied de sa belle la rançon de son honneur; mais cela est touché avec une telle bonhomie d'un côté, une telle grâce et une telle finesse de l'autre, que l'on ne peut s'attendre qu'à de bons et beaux résultats d'une pareille entrevue. jN'est-ce pas aussi le comble de l'art de faire disparaître dans certain sujet ce qu'il peut avoir de trivial et de choquant, — ce n'est pas absolument l'habitude hollandaise, — mais cette discrétion n'en singularise que mieux notre peintre, qui a suivi en cela l'exemple de Titien (allégorie), la Cassette.

Il se distingue en effet, au milieu des petits Hollandais, par l'arrangement ingénieux, la touche discrète et ferme, le coloris fin, adouci et moelleux.

Nous mettrons en regard l'un de l'autre les deux Maîtres d'école, d'Adrien Van Ostade, celui de la collection Lacaze et celui du salon carré, pour montrer la souplesse de son talent.

Le premier est peint dans un joli petit coin lumineux, dans un trou de lumière filtrant au travers d'un vitrage hollandais. Toute une marmaille est attablée, et par terre, sous les yeux du maître en toque de docteur, et sous la surveillance d'une bonne vieille, femme du pédagogue. Ce grand jour du tableau lui donne une apparence heureuse, saine et réjouissante.

L'autre est bien misérable et primitif, avec son bonnet et sa houppelande de paysan. Ses bambins se jouent, se traînent ou s'accoudent, les uns à peine sortis du maillot, d'autres plus émancipés, dans une assez triste chambrelte de quelque chaumière isolée.

De ces deux œu\res l'une est modelée en pleine lumière, l'autre dans une demi-teinte sombre et triste, donnant bien, par leur rapprochement, la mesure de ce talent si achevé dans l'heureux arrangement des groupes, l'étonnante habileté de la touche et la prodigieuse entente du clair-obscur, pour des productions rustiques et familières.

Comme complément à ces œuvres du plus grand mérite nous citerons encore :

La Lecture, la Femme au coq, la Cuisinière, YEpicière, Y Arracheur de dents, Y Aiguière, de Gérard Dow; et son portrait, jeune.

Le Concert, la Leçon de musique, la Lecture, de Terburg.

Le Cabaret, la Gazette, le Buveur, le Fumeur, le Liseur, le Marché aux poissons, Y Intérieur, rappelant l'école d'Adrien Ostade.

Les dix portraits en figurines qui composent, dit-on, sa famille, sont bien le portrait moral de toute famille hollandaise; famille nombreuse d'ailleurs.

Deux jeunes gens, une demoiselle à marier et une nichée de cinq autres enfants ; cette œuvre reste éclatante de lumière à côté des tableaux voisins.

Le Louvre possède quatre tableaux d'Isaac Yan Ostade, son frère.

La Halte de voyageur* à la porte d'une hôtellerie, œuvre brillante bien touchée et d'un beau coloris;

V Hôtellerie, un Canal gelé en Hollande, d'un clair-obscur supérieur et d'une extrême clarté.

Dans cette famille artistique des petits maîtres hollandais nous distinguerons encore Gabriel Métzu, Franz Miéris et Gaspard Netscher.

Placé entre Gérard Dow et Terburg, l'Officier et la jeune Dame de G. Metzu pâlit et s'efface à première vue; mais, en l'examinant de plus près et dans ses plus minutieux détails, il reprend tout de suite sa valeur de grâce délicate et de distinction.

Moins parfait peut-être que Gérard Dow, il est plus fin, plus élégant que Terburg.

Son officier est superbe de charmes discrets en face de sa jolie interlocutrice, et comme exécution et fini on ne peut aller plus loin que sa figure, sa pose et son costume.

Ce sont ces mêmes qualités supérieures que nous retrouvons dans le Chimiste, la Femme au pot de bière, la Peleuse de pommes, Y Amiral Tromp, la Leçon de musique, surtout.

Le Marché d'Amsterdam exprime une forme un peu différente, mais fort amusante. Deux groupes bien vrais, dans un marché public: une porteuse de halle, apostrophant une marchande ; un jeune seigneur courtisant une jolie bourgeoise tout à ses provisions ; un chien répète les mêmes scènes et cris devant la poule et le coq; le fond du tableau reste seulement un peu terne sur le gai mouvement du marché ; c'est la seule imperfection de l'œuvre.

Franz Miéris se distingue également par de jolies toiles très élégantes : Y Homme au lévrier, la Toilette surtout, le Thé et la Famille flamande, moins simple et moins naturelle que celle de Van Ostade.

De G. Netscher, la Leçon de chant, la Leçon de viole, sont deux petits cadres en pendant, très distingués l'un et l'autre, d'une peinture nette et ferme.

11 est impossible d'omettre, après les précédents, le joli Intérieur hollandais de P. de Ilooghe. L'effet d'une petite cour en arrière de la salle principale, par laquelle s'éloigne la maîtresse de maison, est frappant de vérité et de pleine lumière. Ce cadre s'aperçoit entre tous.

Tous ces petits tableaux sont des scènes naturelles ou observations prises sur la vérité, en pleine réalité et animées pourtant d'une vie propre à chacun, d'un sentiment juste et ferme en son action.

Ces Intérieurs conseillent la paix, la douce intimité et l'honnêteté familiales; ils contiennent, sous leur réalité même, une signification improvisée, une valeur morale ; ils répondent à un charme secret, à une émotion contenue dans les choses privées, dans les naïvetés et tendresses du foyer domestique, du at home.

Nous avons vu l'élégance prendre une place de plus en plus grande dans l'école hollandaise à mesure que l'on s'éloigne de la souche réaliste acclimatée au centre du pays, à mesure aussi que ces maîtres particuliers se desséminent pour se porter à l'étranger.

Tels sont Netscher, Hingeland et Wouvermans.

Cette évolution correspond au rôle effacé que prend la Hollande devant le premier rang réservé dès lors à l'Angleterre.

Les grands événements historiques sont ainsi les précurseurs du progrès ou de l'affaissement artistiques.

Netscher fut le peintre favori du roi Guillaume d'Angleterre, Wouvermans est le peintre élégant de la vie des gentilshommes.

Après le manoir seigneurial, on revient forcément à laguinguette avec Jean Steen.

Jean Steen le jovial, et Pierre de Laër le Bamboccio (bossu), ferment hardiment la marche des tableaux de gaieté franche et de comédie burlesque.

Nous avons au Louvre trois tableaux seulement de Jean Steen, et dans les trois un seul de grand mérite, la Fête flamande. Il vaut qu'on s'y arrête sans pruderie.

La salle de l'auberge est spacieuse et n'y entre pas qui veut. Le cabaretier sur le pas de sa porte, par laquelle on voit la fête détendant en dehors, repousse les curieux, les malandrins, les boiteux, pour ne laisser entrer que la fleur du pays; sa femme, à une autre porte, de côté, reçoit la dépense et le prix des consommations. Le joueur de viole, la joueuse de cornemuse et autres musiciens se tiennent sur le devant du tableau, à une table particulière; ils sont dans un tel état d'ébriété que l'un d'eux va s'endormir, tandis que son copain est assis par terre, le broc en main.

Les rondes n'en suivent pas moins leur train au milieu de la salle et les danses sont vives, animées, en longues files de jolis gars et de belles filles.

Sur l'un des côtés la table est remplie de victuailles et bouteilles; de joyeux convives y font ripaille, tandis qu'une bonne mère, largement découverte, donne le sein au bébé qu'elle allaite.

De l'autre côté un garçon d'auberge tire par le tablier, au travers de l'escalier, une pauvre jeune femme bien aventurée avec le gaillard qui la pousse en avant pour la suivre, cet escalier donnant accès à des réduits particuliers et à une galerie supérieure d'où l'on peut apercevoir toute la fête du dedans comme du dehors.

Une seule personne est tranquille et sage dans ces bandes de joyeux compagnons, c'est une chanteuse en arrière des musiciens, la fille de la maison probablement, qui poursuit son .air qu'elle lit, un feuillet à la main, en dépit de tout ce tapage et dévergondage. Il y a, dans cette composition à peine achevée, une touche ample et hardie, effrénée et sensuelle qui vaut un fini plus minutieux.

Ses deux autres toiles, plus petites, sont : le Repas, le fourmillement et la gaieté de cette scène d'auberge est à la fois des plus gais et des mieux éclairés ; l'Ivresse, image d'un garçon plumé par des drôlesses après jeu et libations. C'est la bacchanale du naturalisme.

De van Laër nous n'avons au Louvre, malheureusement, que deux petits cadres en pendants, les Pâtres, le Départ de l'hôtellerie, fins et brillants l'un et l'autre, éclairés d'une sorte de lumière fantastique qui, d'un côté, silhouette les bœufs de leur troupeau sur le fond rougeâtre des collines, qui en forment le fond ; de l'autre, les chevaux et leur charge de l'autre côté sur les mur et face de l'hôtellerie.

La galerie de Cassel possède trois compositions exquises du maître ; notamment un Charlatan montrant sa patente à la foule, qui est l'œuvre la plus importante qu'on connaisse de lui.

Voir aussi, de Karel Dujardin, les Charlatans italiens, composition pleine d'une franche et vive fantaisie que nous ne retrouverons plus au même degré par la suite, malheureusement.

Enfin le paysage donne à cette école hollandaise un regain de célébrité.

Dans le paysage, l'ordre chronologique nous indique d'abord Albert Cuyp et Nicolas Berghem.

Albert Cuyp a cultivé divers genres avec succès.

Mais il est supérieur dans un paysage dénommé le Chalumeau.

La ville se voit au loin, sur les bords d'une rivière où glisse une voile blanche; l'église et les maisons de la bourgade se projettent sur le fond du tableau dans une légère brume du matin ; tandis qu'à travers des éclaircies de nuages déchirés, les rayons d'un splendide soleil matinal inondent de leurs feux tout le premier plan: — un berger assis au bord de l'eau près de ses deux enfants ; — les vaches paissant paisiblement au bas d'une colline élevée, dominée par un arbre d'une belle végétation.

La vue de. ce paysage est d'un grand charme.

Parmi les paysages de Nicolas Berghem nous en distinguerons deux spécia'ement.

Le Turc. Ii y a une grande ampleur de paysage dans cette vue très entendue de collines fuyant à l'infini de l'horizon; les différents sites en sont bien observés et bien rendus. Les premiers plans sont accentués par leur diversité et la découpure des arbres qu'ils supportent. La bergère avec son troupeau, ses enfants qui se jouent dans l'herbe un peu plus loin, puis enfin, le Turc et sa sultane ajoutent à ce tableau de la nature une impression riante et pittoresque qu'il comporte bien.

La Boute coupée réunit toutes les qualités excellentes de ses autres paysages; fermeté des premiers plans, cela à un point tel que les arbres ressortent de la toile par la vigueur des tons et du dessin des branches entre-croisées et jusqu'au frémissement du feuillage; au loin, un charmant horizon de collines superposées et dégradées. Une chaumière bien rendue domine le centre du tableau en avant du paysage intercepté, et un groupe de paysans chargés de forts ballots de marchandises, avec leurs mulets et leurs bestiaux, se trouvent arrêtés par la rupture du chemin; très francs de tons et d'allure.

Ces deux paysagistes, Cuyp et Berghem, entrent réellement dans la voie du grand paysage, dans l'acception vraie de l'expression de h nature.

On est émerveillé, quand on veut suivre la filiation des peintres hollandais qui se sont consacrés aux représentations des divers aspects de la nature, de la science qu'ils en avaient acquise dans tous les genres, des aptitudes énormes qu'ils y ont déployées et de la facilité avec laquelle ils les ont traitées.

Il serait véritablement injuste, dans cet ordre d'idées, de ne citer que les grands maîtres. Je ne puis passer outre, sans donner un souvenir à leurs émules, ou quelquefois leurs précurseurs.

Voici van Heyden, par exemple, qui a peint des portraits de villes et de monuments, des vues de lieux habités.

Il est impossible de ne pas admirer quels effets il sait tir,er de ces reproductions, par les contrastes harmonieux des lumières et des ombres, par la prodigieuse patience qu'il apportait dans les plus minutieux détails, comme le prestige de l'ensemble.

Peut-on rien trouver de plus juste que la copie de l'hôtel de ville d'Amsterdam?

Mais surtout peut-on voir une représentation plus fidèle, plus vraie et en même temps plus agréable que ce Village, près d'une rivière ?

Cette rivière en pleine circulation de barques et petits bâtiments de toutes sortes : au fond, un clocher vaporeux d'un village voisin ; plus près, sur la rive même, au deuxième plan, une jolie petite église de campagne dont la tourelle domine le paysage; aussi de ravissantes arcades légères et très pittoresques; en avant, au premier plan, des habitations d'une élégance riche et surtout très ariistique. Ce coin de ville est une véritable trouvaille, si tant est qu'il existe ainsi; et cela dans la clarté d'un ciel brumeux, qui en adoucit, en assouplit toutes les tonalités.

Quel paysagiste aussi que Wynantz, avant Ruysdaël et Hobbema !

Ses Paysages et Arbre abattu ont déjà la netteté, la transparence des parties couvertes ou éloignées, la puissance du fini des plus grands peintres de l'époque moderne.

La puissance de l'école hollandaise se révèle donc en toutes ses œuvres.

Nous pouvons maintenant aborder les maîtres.

Paul Polter est le peintre des animaux. Il est impossible de les rendre avec plus de vérité, de justesse et de sentiment naturel.

Son Cheval blanc, du Louvre, va sortir de la toile pour se mettre à marcher.

La Prairie est le pâturage parfait; bêtes, arbres et prairie.

Le Bois de la Haye est une petite partie de bois, reproduite dans un cadre avec toute sa réalité d'aspect : le couvert des arbres, la limpidité du ruisseau où vout boire les animaux, l'éclat du ciel qui domine le tout, formant un bleu limpide où se découpe le paysage.

On ne ptmt atteindre à cette perfection que par une intuition innée des tableaux de la nature '.

L'expression de la nature, telle que la comprend l'école hollandaise, s'applique surtout à la fidélité età la beauté de la reproduction; le sentiment de la nature, plus élargi, reprend le fond de la nature humaine et en même temps extérieure pour constituer dans son harmonie la sensibilité et la richesse d'expression de la nature divine. L'école hollandaise sera dès lors surpassée.

Parmi les peintres d'animaux, on ne peut refuser une place sérieuse, à la suite de Paul Potter, à M. llondekocter et à Jean Weenix.

Hondekocter a peint des basses-cours avec une grande justesse et beaucoup de vérité.

J. Weenix, comme Fyt, choisit d'habitude des pièces de menu gibier et d'oiseaux de toutes sortes, qu'il groupe avec des ustensiles de chasse, pour en composer ce qu'on nomme des garde-manger.

\. La Haye a gardé de ce précoce génie, mort à vingt-neuf ans, celle de ses œuvres que l'on peut déclarer unique en son genre : c'est le paysage où sont réunis un jeune taureau brun, une vache, trois brebis et leur pâtre, tous de grandeur naturelle, et qu'on nomme le Taureau de Paul Potier. Il le peignit à vingtdeux ans. C'était un incroyable coup d'audace. Par ses proportions inusitées, ce taureau exigeait un système d'exécution tout différent de celui des maîtres antérieurs, et de Paul Potier. 11 fallait en créer un nouveau. C'est ce que fit Paul Potter, en empruntant à sps devanciers leurs différents procédés d'exécution, qu'il sut fondre en un seul : à Sneyders, sa manière des grandes chasses, avec un fort empâtement dans les masses; à Yan der Heyden et Denner, leurs détails finement terminés, leur travail de patience sans trêve ni relâche.

Le Taureau est envisagé, dans la pratique et l'art du pinceau, comme le plus étonnant ouvrage produit par la peinture.

Ils sont fort appétissants d'ailleurs, et l'imitation en est poussée à un tel point qu'ils vous donnent réellement l'illusion de l'objet luimême.

C'est du naturalisme à froid.

Jacques Ruysdaël (1620-16S1) est le point de réunion de tous les éléments divers qui ont formé les paysagistes hollandais et tous les paysagistes du .Nord. Il prouve merveilleusement l'adage de Bacon : homo addttus iiaturœ.

Aux talents de ses devanciers ou contemporains, il ajouta cette poésie rêveuse et mélancolique, cette douce tristesse qu'il a perpétuellement jetée sur la nature, parce qu'elle était dans son âme, et qui n'est bien comprise que des âmes qui ressemblent a la sienne.

Le sentiment de la nature s'y inculque profondément.

Cherchons dans ses tableaux du Louvre l'expression qui répond à cet énoncé, aussi jusie que sympathique.

Le Chemin montant. Le sol sablonneux et rougeâtre en est fortement éclairé entre une double protection, ou abri : d'un côté, de grands arbres, de l'autre, le buisson ; dans ces arbres, on voit le frémissement, on entend le bruissement des feuilles. Le village est au fond dans un ciel brumeux. La vie y pénètre.

Coin de route. D'un effet presque semblable, mais plus petit.

La Forêt. Superbe par la vigueur des masses d'arbres touffus qui encadrent le paysage. Le groupe des paysans voyageurs arrêtés, la femme sur son mulet, le pâtre près de sa vache, le chien en arrêt; plus vers la droite, un immense étang ou plaine liquide d'une eau absolument claire, limpide et calme, s' étendant à l'infini et se noyant dans de vertes collines. Le ciel assombri seulement de quelques nuages transparents. Le sentiment humain s'élargit de cette puissance de la nature.

Le Pont en ruines est également très pittoresque. Un château avec ses tours et son donjon, placé sur une éminence, est protégé par les deux bras d'un grand fleuve.

Le soleil frappe vivement le grand bras qui passe derrière le château ; le petit bras, au contraire, est traversé par le pont en ruines, relié au chemin qui borde l'autre rive. Un voyageur vient de le traverser et un mendiant lui tend la main au passage.

Tout le site est abrupt et s'étend au loin en montagnes et collines dans lesquelles s'élève le village voisin. Quelques baigneurs s'aventurent seulement dans le bras, plus calme, au-dessous du pont.

La Tempête. Splendide effet de mer, précipitant les navires, grands et petits, contre la jetée, frappée par des flots énormes se roulant en écume blanche et tumultueuse, qui se brisent en eflorts impuissants contre la digue qui leur est imposée. La cabane du guetteur au-dessus baigne dans une teinte livide, formant Vestueade aux eaux rousses dont parle Michelet, et le ciel en pleine mer est lugubre et sinistre. On peut donc l'appeler, comme Michelet, « le prodige du Louvre ».

Ruysdaël aime la nature, il en comprend les sombres aspects, les farouches énergies, les ombrageuses colères.

il a bien le sentiment de la nature.

Le prodige des énergies de la nature peut rivaliser avec le prodige des intensités de sa clarté, en plein jour et en pleine campagne.

Le Moulin à eau, de Mindert Ilobbema (1638-1709), est un véritable tour de force de fini comme de rendu par l'éclat des eaux du canal, des chaumières qui le bordent et du chemin qui le suit. Les arbres scintillants et diaprés qui se détachent en pleine lumière sur le ciel ajoutent encore à l'effet prodigieux et enchanteur de ce coin de prospérité champêtre.

La Mare est fort belle également comme vigueur des parties boisées au-dessus des eaux de la mare couverte d'herbes et de fleurs aquatiques ; la route se perd sur le coté dans un joli verger riant et verdoyant.

Hobbema voit la nature sous un aspect plus riant et dans une note plus sereine que son rival qui a pu être son professeur. Us font l'un et l'autre le plus grand honneur, par leur maestria, à leur temps et à leur école.

C'est du naturalisme franc, de même que Paul Potter.

Le réalisme se complète ainsi des diverses formes qui le constituent, et le sol des Pays-Bas s'affermit sous cette féconde gestation.

Un peuple navigateur ne pouvait être inférieur à aucun autre pour la peinture de ses paysages de mer — les Marines.

Nous avons déjà vu une très belle marine d'Albert Guyp.

Backuysen et Van de Velde, contemporains, peuvent être considérés comme les maîtres du genre.

a Backuysen, a dit justement Gh. Blanc, nous fait craindre la mer, et Van de Velde nous la fait aimer. »

Nous avons au Louvre, à Paris, plusieurs toiles qui peuvent nous donner cette crainte des effets de mer rendus par Backuysen. L'Orage, la Marée montante, une Marine, sont des ouvrages excellents, assombris seulement par cette fureur de la mer, rendue d'une façon supérieure, avec une très grande énergie.

L'Escadre hollandaise est, en même temps que bien traitée, noble et imposante; c'est bien là une force maritime, solide, calme et sûre d'elle-même, avec des amiraux de la irempe des Ruyter et Tromp dont nous avons les portraits.

Van de Velde n'est représenté à nos musées que par une charmante miniature qu'on nomme Calme, de Van de Velde. Une plage de Hollande nette et précise, où arrive tout un attelage de personnages ou voyageurs; au-dessus de la station ou abri-relais, s'élève un clocher d'un village lointain

Rien ne disposera mieux cette réunion de société ou d'amis aux voyages lointains.

Le musée d'Amsterdam possède Près de la côte; la National Gallery, Temps calme, qui donnent l'un et l'autre une haute idée de son talent ferme et brillant, surtout par la transparence qu'il sait donner à l'eau et au ciel, et aux alternatives d'ombre et de lumière dont il sait ménager la série des plans successifs, et enfin la douce et fine harmonie qui règne dans ses compositions.

Ces deux maîtres n'ont pu que profiter de l'exemple et des leçons de Van Goyen, paysagiste en même temps que peintre de marine.

11 a quatre tableaux au Louvre, qui ont surtout un grand charme de vue pittoresque. Ce sont : le Canal, la Barque à voile, très fins et clairs.

Une Marine et une Rivière, où tout concourt à un effet des plus variés et des plus charmants ; les barques sillonnant les eaux, la vue des villes et villages, les clochers et les tours monumentales et jusqu'aux habitations splendides ou élégantes. Les fonds se joignent, ciel et mer, dans une teinte légère et harmonieuse.

L'école hollandaise, après cet admirable ensemble de spectateurs et peintres de la grande nature, vient s'épuiser dans les fades, mais savantes et ingénieuses compositions de Van der Nerff. Moïse sauvé des eaux du Nil, la Chasteté de Joseph, les Anges annonçant aux Bergers la bonne nouvelle, Madeleine au désert, sujets de petite dimension où s'étalent toutes les formes, plus ou moins exquises, de la nudité, et se perdent dans cette alTectation d'une élégance trop libre.

Les Fleurs et Fruits donnent en peinture un genre plus modeste, mais supérieurement relevé par le goût et l'arrangement de ces charmants produits naturels.

De Heem père, A. Mignon, Rachel lïuysch et surtout Van Huysum y ont excellé, et dit encore le dernier mot d'un art, trop vite éteint, sur une terre si fertile, dont les derniers rejetons, encore illustres, sont J. Kopel, Koeskoch, Mayer; et comme scènes anecdotiques, MM. Israels et Aima Tadéma.

Le sentiment naturel s'est éteint dans l'esprit bourgeois, archéologique ou cosmopolite.

Comme trait d'union avec la littérature russe sur laquelle je veux donner un simple aperçu, j'ai trouvé dans la ]S ou relie Renie, rédigée sous l'inspiration de Mme Adam (Juliette Lamber), sous ce titre: Mœurs et Chants de la Bosnie et de l'Herzégovine, quelques chants chers aux Slaves du Sud, qui revivent par le souvenir de leurs ancêtres et qui se rappellent avec douleur les malheurs passés et présents de leur race.

Ces chants, pour la plupart, s'adaptent aux diverses phases de la vie. Ils sont donc l'expression de la nature humaine.

Aux baptêmes, aux mariages, on récite des morceaux symboliques accompagnés de la tarnbura, espèce de mandoline que l'on touche avec un petit éclat de bois.

Voici un spécimen de ce genre de poésie:

Rose, pourquoi t'effeuiller?

L'eau t'a-t elle inondée,

Les tleurs t'ont-elles fatiguée?

L'amour des jeunes gens t'a-t-il touchée. Lotsque, le soir, ils passent devant ta demeure?

— L'eau ne m'a pas inondée,

Les pleurs ne m'ont pas fatiguée;

Mais bien les soupirs des amants

Passant, matin et soir, devant moi

Et se promenant sous mes regards.

Les danses chantées, appelées sauteuses, charment les soirées d'hiver :

Oui est cette jeune fille.

Qui, si matin, la mène à la fontaine?

Elle a relevé sa calotte Et rejeté sur la nuque ses cheveux.

Elle cueille des fleurs, Elle choisit des roses et des violettes:

Elle met les roses sur son sein >

Et les violettes sur sa tôle.

— C'est mon amante ; Elle me .donnera les violettes.

Des roses elle fera un parfum Que je respirerai près d'elle.

Les chansons dites kaïdok sont des morceaux à demande et à réponse intercalées.

Je donnerais bien. — Que donnerais-tu?

Jusqu'à deux bœu's roux. — Cela ne suffirait pas.

Pour ne pas vivre seule. — Hein! que dis-tu?

Et deux autres bœufs bruns. — Cela nÔ* suffirait pas.

Pour la moustache de Jean... Merci, te voilà, Jean.

11 existe aussi quelques noëls slaves,

La mère de l'enfant Noël a dit :

Je vous enverrai mon fds.

A Noël, il y a trois bouquets fleuris; L'un représente la joie et la santé :

Soyez toujours heureux et sains; L'autre, le repos et l'entente :

Pui-siez-vous être toujours d'accord!

Le troisième rappelle 1j vin et le blé : Soyez toujours bien bus et repus.

Aux enterrements, on entend encore parfois des pleurs rythmés appelés koukavitza :

O doux mari qui me laisses seule!

Qui désormais aura soin de moi?

Que deviendrai-je sans toi ?

Qui, le soir, retournera au foyer?

Les chants héroïques sont soutenus par la gouzla, sorte de violon à une seule corde formée, ainsi que l'archet, de crins de cheval.

Le chanteur commence par une forte exclamation : « Ah! » puis il récite le poème héroïque, dont il appuie chaque strophe du son de la gouzla; entre chaque stance il j jue et reprend son récitatif.

Aujourd'hui, et depuis l'entrée des Autrichiens dans les provinces occupées, ils se redisent souvent et tout bas cette strophe héroïque :

A Kossovo, où coulent quatre sources, Passait jadis un Slave voyageur :

La première lançait un jet de lait,

La deuxième versait du rouge sang,

La troisième répandait du vin noir, *

La quatrième faisait surgir de l'«au.

Le voyageur dit à la première source :

« Pourquoi couler en ces plaines du lait?

— C'est pour nourrir tes générations. » Puis, s'avançant à la deuxième : « Et toi?

— Je rappelle la sourde vengeance. »

Il apostropha ensuite le vin noir :

« Pourquoi sorlir des entraille? du globe?

— Pour te donner un cœur ceint dans l'airain. » A la quatrième : « Et toi, quel est ton rôle?

— C'est de laver la honte de ta race. »

Ce chant est né aux frontières de l'Herzégovine ; mais elle le répète à voix basse et aspire, avec ses sœurs slaves, à la reconstitution de cet empire fauché à Kossovo par le cimeterre turc.

Cet autre chant en rappelle le désastre :