CHAPITRE III

L'art français se transforme par l'étude des œuvres antiques.

Les Italiens important en France le goût du grand style se substituaient rapidement par leurs modèles et leurs travaux à l'habileté naïve de nos tailleurs de pierre ou ymaigiers du moyen âge.

11 y avait là, à la fois, affaire de mode, et affaire de goût, même d'érudition. Autant la première devait être pernicieuse, autant la seconde portait en elle-même le ressort et le sentiment d'un retour à la vérité, à la beauté de la forme.

Aussi le caractère véritable de la Renaissance française se retrouve-t-il bien plus profond chez les maîtres nationaux employés par les souverains du pays, que parmi ceux venus d'Italie; c'est bien eux qui ont accompli les transformations du style ogival dans les œuvres de l'architecture et d'ornements en prenant une nouvelle vigueur dans les œuvres classiques de l'antiquité. Cette vigueur est attestée par les artistes dont les œuvres nous ont été conservées.

Ainsi, remontant un peu plus haut, nous avons au musée de Cluny un tableau remarquable pour l'époque. Il a pour sujet une prédication de la Madeleine à Marseille, légende du temps. On voit dans le fond et en perspective heurtée le port de la ville, au premier plan l'auditoire de la sainte pécheresse où s'est placé le roi René luimême élève du Zingaro, avec sa femme Jeanne de Laval. Toute la scène est animée, bien qu'un peu sèche. Cette peinture rappelle Antonio Salario, le Zingaro napolitain.

plus

A cette époque Paris n'avait encore que des ymaigiers dont le renommé peut-être, Jacquemin Gringonneur, peignit des cartes à

jouer pour donner à Charles VI une diversion dans les instants lucides que lui laissait la folie.

Un peu plus tard, sous les règnes de Charles VII et de Louis XI, parut un peintre véritable, Jehan Foucquet, né à Tours entre 1415 et 1420. Un portrait, qui est au Louvre, lui donne la valeur d'un ymaigier supérieur.

C'est un haut dignitaire du royaume à la tête mâle et énergique, en prière sous des lambris dorés. Son costume, une sorte de pelisse du temps, ample et fourrée, sa bourse de trésorier en font une représentation grave du plus haut intérêt.

Quant au portrait de Charles VII, il est plus effacé; mais très naturel en sa simplicité.

Nous voyons au Louvre également différentes peintures des xive, xve et xvie siècles; qui offrent le même intérêt.

Une descente de Croix du xive siècle.

Le Christ mort, appuyé sur les genoux de sa mère, rend bien l'expression sainte du sauveur du genre humain. La désolation est peinte sur tous les visages des femmes et apôtres assistants.

Une étrange composition est le Martyre de saint Denis, fin du xive siècle. Dans l'apparat des costumes de l'évêque et de tout son clergé, revêtus d'habits sacerdotaux parsemés d'or sur fond d'or, le Christ plane sur la Croix, sous une lividité horrible. Le bourreau a une simplicité énergique et superbe: la tête séparée du tronc roule dans son auréole, bien que sur le billot elle figure encore, détachée par un simple trait sanglant. Plus loin le saint voit, de sa prison, le viatique de la communion.

Dans cette ligne de l'art appelé gothique nous confinons à François Clouet qui se rattache à la fois aux élèves de l'Italie et aux Flandres par son père.

AU MUSEE DU LOUVRE

Le portrait de la femme de Charles IX est une œuvre très nette. La tète offre une grande placidité d'expression, sous laquelle la vie est saine et bien sentie ; cependant les tons du visage pâlissent sous l'éclat des pierreries, sous le jeu brillant des soieries, dentelles, points de passementerie et de riches atours.

Le costume du temps est admirablement rendu et nous offre un véritable intérêt historique.

Deux portraits de François Ier. L'un à cheval, couvert de son armure et la toque à plumes sur la tête ; l'autre en buste, vêtu de satin brodé et coiffé d'une toque de velours.

Les autres portraits du maître et de son école ont cette même heureuse exécution des costumes, cette même netteté de traits, cette même empreinte de la vie, sous une couleur un peu uniforme et peu modelée.

Un bal sons Henri III, école française du xvie siècle, est plus animé ; cette danse est très caractérisée, comme maintien de la reine un peu guindée, et du roi dans sa raideur et sécheresse de ton.

La cour, où se rencontrent Henri III alors roi, sa mère Catherine de Médicis, le jeune Henri de Navarre et d'autres personnages du temps, fait cercle autour des danseurs; les musiciens italiens se tiennent debout en arrière du premier plan, et tous les seigneurs et princesses, dont plusieurs sont des portraits du temps, donnent à cette page historique un aspect varié très vrai, très agréable, et rehaussé par un coloris franc, net et bien réparti sur chacun des groupes qui relient cette composition dans un esprit bien défini.

Le mariage de Marguerite cle Lorraine, sœur des Guise, avec le duc Anne de Joyeuse. Tableau moins net que le précédent, mais plus animé et très intéressant aussi pour les costumes et personnages historiques. Les danses plus générales et plus accentuées en augmentent le mouvement toujours un peu compassé.

Nous nous sommes étendu sur ces premières œuvres nationales parce qu'elles ont un double intérêt, l'intérêt de compositions natives d'une part, et celui de scènes historiques prises sur le fait et de portraits fixant les diverses physionomies les plus curieuses ou les plus graves de l'époque.

La peinture à ce moment est ferme, précise, sévère même, sans autre préoccupation qu'un certain orgueil caractéristique d'une inflexibilité dogmatique et religieuse, dont la Ligue est l'expression.

Du reste, à la cour des Valois, le luxe et les raffinements du goût étaient répandus avec une telle profusion qu'ils devaient provoquer la critique et les plaintes populaires1.

1 . Il existe aux Archives nationales, dans une salle attenant à l'ancien hôtel de

Parmi les sculpteurs, Jean Goujon, considéré comme originaire de Normandie, se fixe surtout dans notre esprit par la Fontaine des Innocents1.

Cette fontaine avait remplacé l'ancien charnier qui était à cette époque dominé par une tour dite de ÎVotre-Dame-des-Bois, portant à son sommet un spectre décharné appuyé sur un cartouche aux armes de la Mort, du plus grand eiïet d'horreur !

Dans cette même expression l'on peut voir la Danse des Morts peinture murale de la Chaise-Dieu. Auvergne, xve siècle.

C'est un signe des temps.

Le talent de Jean Goujon, relevé par les œuvres que nous avons au musée du Louvre, montre clairement la voie de l'école française, dans ses qualités principales, grâce, souplesse, élégance et fine observation de la nature plastique, modelée avec une extrême délicatesse.

Les figures sculptées par Germain Pilon pour les monuments de Henri 11 et Catherine de Médicis, représentant les vertus chrétiennes supportant une urne funéraire, sont élégantes et très décoratives comme sujet et groupe d'ensemble.

Celles sculptées pour la châsse de sainte Geneviève ont plus de force dans l'exécution et sont supérieures comme grand motif d'ornementation.

La série des bustes de Henri II, Charles IX et Henri III, forme une galerie historique du plus grand intérêt. Les trois frères, qui ont successivement occupé le trône de France, ont bien cet air de famille qui conserve à chacun d'eux le caractère de nature qui lui est propre.

Guise, un tableau immense, de médiocre exécution artistique d'ailleurs, mais exprimant avec une énergie sombre et farouche la haine du parti ligueur et jésuite surtout, armant le bras des assassins.

C'est un document du plus haut intérêt historique par la représec'ation des personnages du temps voués aux noyades ou à la mort par le poignard.

Le centre de ce tableau, qui s'intitule : Typus religionis, est occupé par un vaisseau que conduisent des moines de toute espèce; à l'entour, sur une rner agitée, sombrent des barques pleines de laïques, princes et magistrats, que l'équipage repousse avec une ardeur peu charitable; parmi les malheureux, on reconnaît facilement Henri III et Henri IV. A droite, sur des écueils, des papes et des évêques cherchant en vain le salut; la gent jésuitique tenant lieu de tout préciput.

1 . Cette place des Innocents, où, pendant tant de siècles, l'énorme ville a versé presque tous ses habitants, avait été d'abord tout à la fois un cimetière, un charnier, liantes la nuit de voleurs, le soir de folles filles qui faisaient leur métier sur les tombes. (J. Michelet.)

Un enfant crucifié par les Juifs l'avait consacré.

Le mausolée de Philippe de Chabot, par Jean Cousin, peintre aussi, est d'un grand caractère imposant dans sa dignité appuyée des pièces d'armes de l'amiralat.

Par ces trois artistes la sculpture française est solidement affirmée et l'histoire est consacrée par des œuvres nationales, fortes et durables.

Jean Cousin, cité ci-dessus, possède un Jugement dernier dont l'ensemble est harmonieux, autant que fort et terrible et les nus bien étudiés et bien rendus.

Si Jean Cousin s'est inspiré de Michel-Ange, ce qu'il n'aurait pu faire, d'ailleurs, sans quitter la France, que par des copies ou par des gravures, Fréminet, au contraire, voulut aller se retremper lui-même en Italie, à la source commune. II en adopta, comme les imitateurs, et en les exagérant, l'ostentation de la science anatomique, de la force musculaire ; la manie des raccourcis, des tours de force ; et à cette exagération du dessin il joignit un coloris plus sec, plus dur, plus assombri.

Son grand tableau Mercure et Enée abandonnant Bidon est cependant remarquable.

Ce titre correspondrait plutôt à la Vénus couchée, mais cela n'a qu'une légère importance. Cette Vénus est fort belle, mais la pose générale manque d'élégance, nous la trouverions même un peu brutale si elle n'était vraiment rachetée par la splendeur du buste et le charme de la tête, bien éclairés l'une et l'autre. L'accent réaliste en est ferme et soutenu.

Il est bien certain qu'on ne peut pas assigner une limite bien précise aux arts de la Renaissance; pour nous cette limite consiste surtout dans la séparation d'une époque troublée, mobile, cherchant sa voie avec la période de grandeur et d'autorité monarchiques, commencée par Henri IV, et continuée par Louis XIV, dans l'absolutisme des idées et de la règle. Ce qui a été également un point d'arrêt et de transition pour la poésie.

On ne peut isoler parmi ses contemporains le grand Bernard Palissy, inventeur des rustiques figulines du roi (Henri III).

Ses émaux représentant des scènes rustiques, symboles d'abondance et tableaux de famille, sont les chefs-d'œuvre de Y Art de la Terre.

Tantôt on y voit une femme belle tenant sur son sein deux nourrissons, avec d'autres enfants se roulant à ses pieds; un peu plus loin

un riche troupeau qui paît l'herbe drue; tantôt des reptiles et poissons, coquilles et feuillages aquatiques de toutes nuances, animés par des fonds éclatants de relief et de lumière irisée; tantôt encore des enroulements de chiffres, de torses féminins, de figulines rustiques alternant avec des fleurs et attributs agrestes.

Ce sont autant de plaques, aiguières, plats et motifs décoratifs du plus haut style et de l'art le plus franc, comme le plus vrai.

Dans son traité sur la matière, Y Art de la Terre, il a le premier proclamé et démontré deux principes féconds, qui sont le fondement même de toutes les sciences de la nature. Le premier, c'est que la véritable, la seule méthode à employer est l'observation directe, ce qu'il traduit dans son langage par ses mots : « Pratique et Théorie ». — Le second, c'est que la matière est dans un perpétuel mouvement et subit d'incessantes transformations. La nature tout entière n'est qu'un immense laboratoire toujours en action : « Il n'y a nulle chose sous le ciel (ajoutez-y le ciel lui-même) en repos; toutes choses se travaillent en se formant et en se déformant, et tournent bien souvent

de nature cà autre La terre et les autres éléments ne sont jamais

oisifs. »

Ici, l'artiste, le travailleur de ses mains, est en avance sur le poète.

Les arts de la Renaissance, chargés d'ornement souvent disparates, ne procèdent pas d'une intuition purement nationale, de principes logiques arrêtés, immuables. Ils empruntent leurs éléments principaux aux édifices du moyen âge; la parure, les formes, l'ordonnance, le culte de la beauté, aux monuments de l'antiquité. Ils puisent dans ce rajeunissement un charme exquis, une grâce communicative, une expressive naïveté qui réveillent l'imagination. C'est en quelque sorte un trésor amassé par une longue suite d'ancêtres, trésor trop vite dissipé par une génération prodigue qui s'épuisera dans cette transformation.