LE MÉLODRAME ET SES TRANSFORMATIONS

Généalogie du Drame populaire.

Le mélodrame, qui fit son apparition à Paris vers les dernières années du xyiii" siècle, n'entra dans sa première incarnation sérieuse qu'en l'année 1800. C'est le 2 septembre de cette année de grâce 1800, trois mois après la bataille de Marengo, que Guilbert de Pixérécourt, le créateur du genre, se révéla au monde des âmes sensibles par la grande victoire de Cœlina ou V Enfant du mystère , pièce en trois actes jouée trois cent quatre-vingt-sept fois sur le théâtre de l'Ambigu-Comique et mille quatre-vingt-neuf fois sur les théâtres de la province.

Pixérécourt faisait ainsi sortir de son cerveau la tragédie du peuple, tragédie plus humaine, moins vide d'action et moins saturée d'ennui que celle des excomédiens ordinaires de Sa Majesté. Il l'écrivait en une prose sentencieuse et ronflante qui ne le cédait en rien , pour la pompe et la dignité , aux produits rimes de ses grands confrères. Cette solennité de la phrase, qui est identique dans les œuvres tragiques et mélodramatiques de cette époque, répondait aux ap-

petits d'un temps de révolution habitué aux harangues boursouflées de la tribune et des clubs.

Le mélodrame est certainement un produit d'art très-inférieur, mais il a sa raison d'être et il se lie intimement à l'histoire du temps qu'il traverse. La génération actuelle , qui affecte de le mépriser , l'applaudit pourtant dans les succès les plus retentissants du jour, sans s'apercevoir qu'il n'a fait que changer d'habit et se frotter le museau de rouge et de blanc comme les demoiselles à la mode. Le mélodrame et le vaudeville sont essentiellement français , et leur mélange se retrouve au fond des nouveautés du jour, qui ne sont pas aussi nouvelles qu'elles voudraient bien le paraître.

En prenant le mélodrame à son berceau, nous nous trouvons en face d'une forme embryonnaire sans prétention littéraire , politique ou philosophique , sans ficelles habilement dissimulées et sans escamotages d'aucune sorte. Les sentiments mis en jeu sont choisis à l'extrémité de la gamme passionnelle ; ils sont outrés de couleur, de manière à violenter les regards ; les moyens d'action sont tout d'une pièce, le plus souvent forcés, exagérés, d'une invraisemblance parfois choquante. Le mélodrame se permet tout, à condition d'arriver à l'effet. Ne demandez à ce genre de composition ni nuances, ni finesses, ni délicatesse de pensée ou de langage : le pubhc à qui on le destine ne veut que de fortes émotions, et il les veut à tout prix. Une justice que l'on doit rendre au mélodrame de cette première période, c'est qu'il se montre toujours

irréprochable sous le rapport de la moralité. Les écrivains d'alors auraient rougi de solliciter les applaudissements en flattant le vice ou en traînant à plaisir sous les regards populaires les plaies sociales ou les cas de pathologie morale. Leur objectif unique était l'idéal du bien donné en exemple sous une forme plastique. Les masses , moins indulgentes que celles de ce temps-ci, ne se seraient pas prêtées d'ailleurs à l'enseignement du mal.

Venu au monde dans une époque de troubles profonds, en l'absence de culte religieux et de toute prédication rappelant l'homme à ses devoirs éternels , nous voyons le mélodrame s'efforcer de suppléer à la chaire muette et tâcher de réveiller dans la conscience du peuple les instincts vertueux, un moment endormis. A cette première période de sa formation , le mélodrame, quoique très-varié dans ses effets, use de procédés très-simples. Toutes ses fables ont pour personnages trois types invariables : la femme innocente et 'persécutée , le traître et le niais. Ces trois éléments constitutifs s'entremêlent de mille façons et produisent une série très-nombreuse de combinaisons scéniques dont la portée sur les auditeurs est quelquefois très-grande.

Les deux princes de la tragédie populaire primitive sont Guilbert de Pixérécourt et Caigniez. Le premier fut surnommé le Corneille et le second le Racine du boulevard. Victor Ducange hérita un instant de leur vogue. Puis le mélodrame , déviant tout à coup de sa poétique honnête et vertueuse, déclina vers les pa-

radoxes sociaux. On l'entendit ouvertement prêcher la haine au lieu de l'amour et créer l'antagonisme de la blouse et de l'habit. Il prit ainsi, sur les mœurs des faubourgs parisiens, une déplorable influence. Cette période de tourmente ayant cessé , on vit le mélodrame revenir aux bons sentiments de ses premiers jours et modifier avantageusement ses formes. Anicet Bourgeois et M. D'Ennery ouvrirent à ce produit perfectionné une nouvelle carrière de succès.

Nous devons nous arrêter un instant à chacune des phases que nous venons d'indiquer. C'est de l'histoire prise par le petit côté, mais enfin c'est de l'histoire, et cette histoire se lie intimement aux mœurs populaires de notre temps.

Guilbert de Pixérécourt.

Quoiqu'il ne soit mort qu'en 1844 et qu'il ait obtenu son dernier succès sur la scène de la Gaîté en 1834, Guilbert de Pixérécourt était, dans toute l'acception du mot, un homme du dernier siècle. L'expérience l'avait instruit de bonne heure. Fils d'un ancien major au régiment de Royal-Roussillon, il avait suivi son père à Coblentz et servi lui-môme comme officier, en 1792, dans le régiment de Bretagne, sous les ordres

des princes. De retour ù Paris, sans fortune et sans ressources, il s'était vu réduit, pour gagner son pain, à exercer la profession de peintre éventailliste à quarante sous par jour. Dès 1797 il comptait seize pièces reçues à divers théâtres, mais pas une seule n'avait encore été représentée. En homme prudent, il sollicita et obtint, après six ans de surnumérariat, un emploi d'inspecteur dans l'administration des domaines, ce qui lui permit de persévérer dans ses ambitions théâtrales. La vogue de Cœlma vint, en 1800, commencer la réputation de l'obstiné mélodramaturge.

Les théâtres du boulevard, qui offraient ordinairement à leur public des spectacles où les évolutions, les combats et les machines avaient le principal rôle, se trouvèrent tout à coup enrichis d'un genre nouveau qui puisait ses moyens d'action et son intérêt, non plus dans les magasins de décors et d'accessoires, mais dans les sentiments du cœur. Ce fut toute une révélation. La belle M'" Lévesque , qui débutait par le personnage de Cœlina dans la pièce de ce nom, obtint un vrai triomphe, et le citoyen Tantin fit merveilles dans l'incarnation du cruel Truguehn , oncle et persécuteur de l'héroïne. On frissonna à l'aspect du pauvre muet Francisque Humbert, exposé pendant trois actes aux vengeances du traître , et l'on jouit des remords du réprouvé lorsque l'inimitable Tantin déclama de sa voix caverneuse cet axiome moral et consolant : « Ah ! si l'on savait ce qu'il en coûte de cesser d'être vertueux, on verrait bien peu de méchants sur la terre. )) L'emploi du niais dans

Cœlina n'avait pas encore pris l'ampleur qu'il doit acquérir dans les ouvrages suivants. Après l'arrestation de Truguelin, une ronde chantée terminait gaiement la pièce de Cœlina ou V Enfant du mystère et en soulignait la moralité :

Vous le voyez, mes chers amis,

De l'ombre en vain l'on couvre Les crimes que l'on a commis :

Tôt ou tard ça s'découvre.

Le quatrain était naïf, mais le parterre d'alors, non moins naïf que le quatrain, trépignait d'admiration, car il s'attachait à l'idée et faisait bon marché des mots. C'était tout le contraire d'aujourd'hui.

En avril 1801, le Pèlerin blanc ou les Orphelins du hameau, pièce puisée, comme Cœlina, dans un roman en vogue de Ducray-Duminil , parcourut une carrière de trois cent quatre-vingt-six représentations au théâtre de l'Ambigu. C'est au second acte de ce mélodrame , terrible et candide à la fois , que se trouve la fameuse scène parodiée par Alexandre Duval dans le Retour d'un croisé. L'intendant Roland veut empoisonner les deux orphehns d'Olival , et , à cet effet, il a servi sur la table des enfants un panier contenant deux bouteilles, dont l'une renferme le toxique. Le traître a soin de répéter plusieurs fois, pour que le public ne l'oublie pas : « C'est la bouteille de gauche. » Mais, pendant qu'il regarde complaisamment ailleurs, pour laisser préparer le coup de théâtre, le pèlerin retourne le panier, et, quand Roland veut boire à son tour, c'est lui qui s'empoisonne.

Cet incident, qui ferait beaucoup rire aujourd'hui, inspirait alors la terreur. Dans la parodie d'Alexandre Duval, l'un des personnages disait en ce moment solennel à ce tyran peu délicat : « Il a tourné le guéridon... Guéris donc! »

L'Homme à trois visages, l'un des grands succès de Pixérécourt (trois cent soixante-dix-huit représentations), fut joué dans la même année à l'Ambigu. Il était imité de VAhellino de Zschokke, tragédie romantique qui avait fait fureur en Allemagne. Le célèbre Tantin représentait, dans le mélodrame français, les trois personnages de Vivaldi , d'Abellino et d'Edgar, et M'" Lévesque l'intéressante Rosemonde, fille du doge, mariée secrètement au proscrit. Révalard traduisait le traître Orsano , et Corsse , le directeur de l'Ambigu, faisait le niais Calcagno , banquier juif et conspirateur poltron.

En septembre 1802, le triomphe de la Femme à deux maris succéda à celui de l'Homme d trois visages. Les vieux amateurs n'ont pas oublié l'infortunée Élisa Werner, qui , mariée au comte de Fersen , retrouve , au moment où elle s'y attendait le moins , son premier mari, Isidore Fritz , qu'elle croyait mort. Ce bandit la tient sous sa domination en la menaçant d'une accusation de bigamie volontaire. Le comte apprend tout, et , pour ne pas révéler cette honte , il donne une fortune à Fritz à condition qu'il sortira du château et de la ville. Il le conduira lui-même jusqu'à la porte du parc. Jamais public du boulevard ne frémit d'une terreur plus intense qu'à la situation finale où Walter,

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le complice de Fritz, s'embusque la nuit derrière un arbre, pour poignarder le comte qui doit passer le second , selon la convention arrêtée avec Fritz, lequel avait ses raisons pour régler ainsi le programme. Mais un vieux caporal invalide , qui a entendu le complot , passe le premier, et c'est Fritz qui, par ce dérangement d'arithmétique , tombe sous le poignard de son complice. Le directeur Corsse fit sensation dans le rôle du vieux caporal ; le citoyen Tantin représenta dignement le personnage un peu effacé du bon mari ; Defresne , le nouveau traître qui allait devenir célèbre dans l'emploi , produisit un effet très-vif dans le rôle d'Isidore Fritz. M"^ Lévesque eut son succès ordinaire de larines et de grâce touchante sous les traits d'Élisa Werner. L'Ambigu joua la pièce quatre cent cinquante et une fois.

Nous voyons , en décembre 1803 , le célèbre Tékéli faire son apparition sur cette même scène de l'Ambigu. Nulle pièce n'est plus alerte et plus mouvementée que cette odyssée du patriote hongrois qui lutta , suivi d'une poignée d'hommes, contre toutes les forces de l'Autriche. Tantin , dans le rôle de Tékéli, et M™*" Bourgeois dans celui d'Alexina, l'héroïque épouse du protagoniste, assurèrent le triomphe de ce mélodraii;e illustre, qui fournit une carrière de quatre cent trente représentations. A la quarante-huitième , la police arrêta la pièce , et l'interdiction dura cinq mois. Le succès n'en fut que plus accusé à la reprise. La cause de cette proscription momentanée fut une prétendue allusion à l'affaire de Pichegru , le déporté du 18 fruc-

tidor, traqué comme Tékéli et livré comme lui aux vengeances de ses persécuteurs.

La forteresse du Danube et Robinson Crusoé trouvèrent , en 1805 , une brillante fortune au théâtre de la Porte - Saint - Martin , où ces deux pièces tinrent l'affiche toute l'année. Dans le premier de ces mélodrames, M™^ Quériau se fit applaudir comme actrice , comme cantatrice et comme danseuse , rappelant ainsi l'exemple de M™^ Favart dans les Trois Sultanes. Robinson lutta contre la vogue de Gulistan , qui attirait alors tout Paris à TOpéra-Comique. Le Robinson de Pixérécourt n'est pas un monodrame , tant s'en faut , car l'auteur amène dans l'île déserte M™" Robinson , son fils Isidore et le beau-frère Diego , armateur portugais. On voit en outre défiler des Caraïbes et tout l'équipage d'un vaisseau anglais , le capitaine en tête. Robinson, au dernier acte, s'embarque pour l'Angleterre avec tout son monde , sans oublier Vendredi et son perroquet qui obtinrent une ovation. Il faut passer à 1809 et au théâtre de la Gaîté pour trouver une nouvelle victoire du Corneille du boulevard. La Citerne apparaît escortée des bravos de la plus brillante réunion que l'on eût vue encore dans cette salle fumeuse et peu éclairée. La Gazette de Franco dit qu'à l'intérieur la foule était si pressée , « qu'on voyait des élégantes enfouir au parterre des toilettes dignes des premières loges de l'Opéra. » La pièce nouvelle , en dépit de son succès , ne contient pas des éléments aussi riches que la Femme à deux maris , que Tékéli et que Cœlina,

Le Cid du Corneille populaire est certainement l'ouvrage intitulé Les Ruines de Babylone, que l'heureux théâtre de la Gaîté mit au monde le 30 octobre 1810, à la grande joie de son public. La fantaisie du calife Haroun le Grand donnant pour femme sa sœur Abassa à son vizir Giafar, à la condition qu'il vivra près d'elle comme près d'une sœur, avait déjà fourni à La Harpe le sujet de sa tragédie des Barmécides. Pixérécourt a dramatisé cette anecdote à sa façon , et il en a tiré des effets très-puissants. Giafar et la princesse ont transgressé l'ordre du calife , et toute l'action de la pièce consiste dans les périls qu'ils courent^ ainsi que leur enfant, le jeune Naïr, persécuté parle chef des eunuques Isouf et protégé par un sympathique personnage , un captif français dévoué au vizir et dépositaire de son secret. Le calife Haroun fut très-bien traduit par Lafargue, Giafar par Marty. qui commençait alors sa carrière , la princesse par M"" Bourgeois , et Raymond , l'esclave français , par Tantin. La situation capitale de l'ouvrage se trouve au second acte. Naïr, le fils de Giafar, est tenu caché par sa mère dans un souterrain qu'une dalle mobile sépare du pavillon de chasse où les époux se réunissent. Naïr ne doit sortir de sa retraite que lorsqu'il entendra Raymond chanter en s'accompagnant de son luth. L'eunuque a prévenu le calife , qui force Raymond à chanter. Le pubUc voyait se lever la dalle, puis paraître à mi-corps l'enfant porté dans les bras de son gouverneur ; mais , avant que les gardes ne l'eussent aperçu, Raymond posait brusquement le pied sur la dalle,

qu'il forçait de s'abaisser, et, achevant sa chanson avec une verve fiévreuse , il en répétait le refrain, qui faisait fiissonner le parterre :

Demeurez là, ne bougez pas , Sinon vous courez au trépas !

Le public, qui s'était intéressé si vivement au jeune Naïr, voyait, au dénouement, Haroun, en bon père de famille, pardonner à sa sœur et à son vizir.

De 1810 à 1814, il se produit une intermittence dans les succès populaires du prince du mélodrame, et il faut arriver au Chien de Montargis pour retrouver la vogue de quatre cents représentations. C'est encore Tantin et Marty qui prêtent l'appui de leur talent au sympathique chevalier Gontran et au traître Macaire, l'assassin de l'innocent Aubry. En 1815, Christophe Colomb fait une lourde chute ; mais l'auteur reconquiert sa popularité, l'année suivante, parle triomphe du Monastère abandonné ou la Malédiction }daternelle. La première exhibition fut pourtant assez orageuse, mais le succès se déclara dès la seconde pour ne plus s'arrêter qu'après deux cent soixante-sept représentations ; Christophe Colomb n'en avait eu que quarante-huit. Le sujet du Monastère abandonné reposait sur un moyen très-neuf et très-dramatique qui a été employé depuis avec avantage par MM. D'Ennery et Charles Edmond dans V Aïeule, en changeant le sexe du personnage. Chez Pixérécourt, le faux paralytique est un valet de ferme; chez M. D'Ennery, c'est une duchesse douairière qui le remplace.

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En 1818 et 1819, Pixérécourt se signale encore par deux grands succès : le Belvédère ou la Vallée de VEt7îa , au théâtre de la Gaîté -, la Fille de V exilé ou Huit Mois en deux hewes, au théâtre de l'Ambigu.

La première de ces pièces était imitée du roman de Jeari Sbogar de Charles Nodier. Fréuoy représentait magistralement le personnage du comte Lorédan, devenu le pirate Spalatro ; Stockleit faisait le lieutenant du bandit ; Klein, le roi des niais, prêtait son masque drolatique au majordome du duc de Belmonte, président des États de Sicile. Ajoutons que le principal soutien de l'ouvrage fut, en réalité, le peintre Daguerre, dont le décor final, représentant la vallée de l'Etna, assura une série de cent quatre-vingt-dix-huit représentations à l'heureux mélodrame. Quant au sujet de la Fille de V exilé ^ il était puisé dans le célèbre roman de M™^ Cottin, mais le dramaturge l'enrichit d'une suite de combinaisons qui produisirent un effet merveilleux sur la nature sensible et nerveuse du pubhc. On s'attendrit, au premier acte, sur l'infortune imméritée de la fille du proscrit et sur son courageux projet de traverser, seule et à pied, les neuf cents lieues de steppes qui séparent Tobolsk de Pétersbourg, pour aller solliciter la grâce de son père et de sa mère. Au second acte, on frémit d'épouvante devant les périls que lui font courir les Tartares et l'inondation subite de la Kama. Au troisième acte, on pleura de joie et d'admiration quand on vit, à son couronnement de Moscou, le nouveau czar réparer les injustices de son

prédécesseur et réunir à sa famille rentrée en grâce la fille sympathique, que représentait si bien Adèle Du puis.

Je passe sur Ali-Baba, qui obtint à la Gaîté centune représentations en 1822, sur leMoulin des Étangs, qui en eut cent-douze en 1826. Je cite seulement pour mémoire les succès d'argent de la Tête de mort (1827, cent-seize représentations) , de la Muette de la Forêt (1828), de Polder en collaboration avec Ducange, et j'arrive, pour conclure, à Latude, ioué enl834, la dernière pièce de Pixérécourt. Par exception , l'auteur écrivit ce mélodrame en société avec Anicet Bourgeois, désignant ainsi son jeune collaborateur comme son successeur dans l'art d'émouvoir vertueusement les masses. Anicet Bourgeois avait déjà été présenté au public, cinq ans auparavant, par Victor Ducange, qui avait composé avec lui la pièce intitulée Sept Heures.

Après avoir fait représenter, dans l'espace de quarante ans, près de cent ouvrages dramatiques, dont la plupart remportèrent d'immenses succès, Pixérécourt n'avait gagné que tout juste de quoi vivre. L'incendie de la Gaîté , dont il était le directeur, lui enleva , en 1835, la plus grande partie de ce qu'il avait amassé. Outre sa place du Domaine, qu'il conserva pendant trente ans, il avait obtenu du ministre de la maison du roi la direction de l'Opéra-Comique, qu'il administra en 1827 et 1828. Pixérécourt mourut en 1844, aveugle et privé du seul plaisir qui l'aurait consolé peut-être de ses infortunes, celui de pouvoir compul-

ser les livres de la riche bibliothèque qu'il avait formée avec tant de soin et d'intelligence.

Caigniez.

Le dramaturge populaire que ses contemporains surnommèrent le Racine du boulevard ne diffère pas beaucoup, quant à la manière et aux procédés scéniques, de son prédécesseur et de son émule Corneille- Pixérécourt. Comme l'auteur de Cœlina et de Tékéli, Caigniez cherche avant tout les fortes émotions et les larmes, et il fait bon marché des invraisemblances. Dans ses nombreux ouvrages, le traître brille de tout son éclat et machine savamment ses odieux complots ; l'innocence parcourt imperturbablement les phases de ses malheurs et triomphe , au dénouement , de ses persécuteurs ; le niais seul, l'un des côtés du triangle mélodramatique, me semble un peu négligé dans son développement ; il atteint rarement l'effet de rire inextinguible qui contraste si bien, chez Pixérécourt, avec les terreurs de l'action. Quant au langage, il se rapproche un peu plus encore du ton solennel en usage dans la tragédie.

Le premier succès de Caigniez date de 1802; c'est

le Jugement de Salomon^ représenté à l'Ambigu-Comique avec le concours des acteurs en vogue : Révalard, Tantin,M™« Bourgeois et M"* Lévesque. L'enflxnt que se disputent les deux mères se trouve, pour les besoins de l'auteur, être le fils naturel du frère de Salomon, qui le reconnaît légalement avec la permission du roi d'Israël. « Intéressante Lëila, dit Salomon, nous nous rendrons au temple aux premiers rayons du jour et Dieu bénira votre hymen. Et toi, aimable enfant, tu viendras embellir de ta présence cette touchante solennité, et voir consacrer les nœuds qui vont devenir le gage du bonheur de ta vie. » Ainsi s'exprime Caigniez, l'ancien avocat au conseil, en plaidant la cause de l'innocence devant l'aréopage de l'Ambigu-Comique. Geoffroy, dans son feuilleton des Débals, trouve le caractère des deux mères bien tracé et très-théâtral. Le Triomphe du roi David, joué à la Gaîté en 1805, et qui avait été précédé d'Androclès ou le Lion reconnaissant (1804), reproduit quelques situations du Saill d'Alfieri, et l'auteur ajoute à l'élément historique une rivalité d'amour entre les deux filles du roi juif qui s'unissent pour sauver le jeune David des fureurs de leur père. Le songe de Saûl mis en action, l'apparition du prophète Samuel sortant de son tombeau et venant annoncer au roi coupable qu'il va mourir, décidèrent la vogue de la pièce.

Dans cette même année 1805, Caigniez, délaissant les sujets bibliques^ s'élance de plein saut dans le domaine de Pixérécourt, et il obtient une éclatante victoire avec le mélodrame intitulé La Forêt d'Herman-

statU ou la Fausse Épouse. Le choix du sujet, la facture de la pièr-e, l'allure des personnages, la pompe du langage rappellent de tous points les produits du maître. Caigniez a de plus pour lui la douceur racinienne du langage ; c'est Sophocle après le vieil Eschyle. Le traître Oswald s'empare de la belle Éhsène, princesse de Bulgarie , que son père envoyait à Hermanstadt pour épouser le prince de Transylvanie, et il lui substitue audacieusement sa sœur Alfride, à laquelle il a soin de donner les papiers et les vêtements de sa prisonnière. Élisène échappe aux brigands chargés de la tuer et se fait enfm reconnaître après une succession de périls inénarrable. Cette bataille gagnée par Caigniez eut d'autant plus de retentissement qu'elle amoindrit les deux avantages remportés en cette même année, sur la scène de la Porte-Saint- Martin , par Pixérécourt : La Forteresse du Danube et Rohinson Crusoé.

Une fois lancé dans le mélodrame à émotions, Caigniez s'y barricade et il s'eiïorce de vaincre son rival avec ses propres armes. Il oppose , en 1806, le grand succès de Vlllustre Aveugle au Solitaire de la Roche- Noire , pièce de Pixérécourt jouée sans succès au théâtre de la Porte-Saint-Martin. Le public prit un vif intérêt aux malheurs du jeune Edmond , aveugle de naissance , élevé dans la cabane du vieux soldat polonais Oberto. Il entendit, au second acte, avec une indicible émotion, le vieux soldat lire à l'orphelin la lettre de la reine défunte disant : « Miesko n'est point mon fds : mon véritable fils naquit aveugle. Le vif chagrin

qu'en témoigna mon époux m'inspira la coupable pensée de supposer un prodige. Le palatin de Rava s'empressa d'approuver mon plan et sut m'en faciliter l'exécution. J'eus la barbarie de souffrir qu'on m'enlevât mon enfant , et c'est celui qu'on porta chez vous, Oberto. » Le traître de la pièce, qui n'est pas Miesko, l'héritier supposé du roi Simonislas, mais bien le neveu du roi Rodolphe , grand palatin de Sandomir, poursuit à la fois la perte des deux jeunes gens , afin de s'emparer plus tard de la couronne de Pologne, Ses plans sont déjoués par l'aveugle qui, échappé à ses coups , le reconnaît pour son assassin en touchant sa main qui porte une cicatrice. Le vieux roi embrasse son fils et le proclame son héritier légitime , mais Edmond déclare qu'il laissera la couronne à Miesko et qu'il ne quittera pas la cabane de son père d'adoption. Malgré ses invraisemblances , l'action de ce mélodrame est attachante , habilement conduite, et elle excite d'un bout à l'autre un vif sentiment de curiosité. Le style seul a vieilli. La réussite des Enfants du bûcheron au théâtre de l'Ambigu, en 1809 , est moins justifiée. La persécution exercée sur deux enfants par le seigneur Lorédan , qui veut mettre à mort celui des deux qu'il sait être l'héritier de son oncle Théobald, dont il détient injustement les biens, n'amène que des incidents déjà connus. L'auteur n'hésita pas à reproduire la situation d'Héraclius et de Martian devant l'empereur Phocas dans la tragédie de Corneille, et , malgré cet emprunt , il n'arriva pas à donner la vie à son œuvre.

Caigniez continua en 1810 la série de ses succès avec le mélodrame intitulé Jean de Calais , et lutta contre la Marguerite cV Anjou de Pixérécourt que représentait au même moment le théâtre de la Gaîté. Jean de Calais est un armateur français qui , sans le savoir, a épousé une princesse de Portugal sauvée par lui dans un naufrage et que tout le monde croit morte. Le hasard amène Jean à Lisbonne, où on veut l'assassiner, lui et son jeune fils, après avoir déclaré son mariage nul. La providence du mélodrame, qui fait toujours bien les choses , le sauve , lui et sa famille , des embûches que les méchants lui tendent , et le roi reconnaît le mariage en disant tranquillement à l'armateur son gendre : (.( Mon trône et l'amour des Portugais seront ton héritage. » Le parterre de l'Ambigu trouva toute simple cette introduction d'un armateur calaisien dans la succession des rois portugais. Caigniez donna, la même année, au môme théâtre, Henriette et Adhémar ou la Bataille de Fontenoy, pièce qui contient quelques situations intéressantes et qu'il avait imitée de l'allemand. Je cite, sans m'y arrêter, Edgar ou la Chasse aux loups, mélodrame héroïque dont l'intérêt est faible et qui ne dut pas influer beaucoup sur les recettes de l'Ambigu en l'année 1811. Le Juif- Errant fut plus heureux en 1812. Enfin la Pie voleuse, le nec- plus-ultra du genre, écrit en collaboration avec Daubigny, mit le comble à la popularité de Caigniez ; mais cette gloire n'emplit pas la bourse du pauvre homme , tout en faisant la fortune des directeurs de la Gaîté et de l'Ambigu. L'illustre mélodramaturge

mourut en 1842 , à quatre-vingts ans , dans un état voisin de la misère.