EDMOND PICARD

plus vivants; Ambidextre, cette pièce fougueuse, celle satire violente du journalisme, dont La vérité va jusqu'au paradoxe, Jéricho, ce plaidoyer antisémite, sont les œuvres les plus remarquables, à notre sens, par la synthèse de vie qu'elles représentent.

('"est que malgré tout, Faction que ces pièces contiennent leur donne un mouvement plus voisin de celui de la vie et c'est à la paraphrase de celle-ci que doit tendre le théâtre. Nul n'ignore les répugnances d'Edmond Picard pour le métier scénique, mais sans aller jusqu'au métier, il faut reconnaître qu'un certain nombre de lois générales régissent l'art dramatique, dont la première est la loi du mouvement, un mouvement effectif qui doit correspondre au mouvement interne des âmes en conflit et le traduire.

« Descendre plus avant dans la conscience humaine, a dit Maurice Maeterlinck, cela est permis et même ordonné au penseur, au moraliste, au romancier, à l'historien et à la rigueur au poète lyrique; mais le poète dramatique ne peut, à aucun prix, être un philosophe inactif ou un contemplateur. Quoi qu'on fasse, quelque merveille qu'on puisse un jour imaginer, la loi souveraine, l'exigence essentielle du théâtre sera toujours l'action. Quand le rideau se lève, le haut désir intellectuel que nous apportons se transforme soudain, et le penseur, le moraliste, le mystique ou le psychologue, qui est en nous, cède la place au spectateur instinctif, à l'homme électrisé négativement par la foule, et qui veut voir quelque chose se passer sur la scène. . . Il n'est alors si admirables, si profondes paroles qui bientôt ne nous importunent, si elles ne changent rien à la situation, si elles n'aboutissent à un acte, si elles n'amènent un conflit décisif, si elles ne hâtent une solution définitive» (I). Cette action peut être réduite à un minimum, mais il ne faut point pousser jusqu'à « la paralysie générale de l'action extérieure ». C'est peut-être ce qu'Edmond Picard a fait quelquefois : voyez Psuké, qui est, somme toute, moins une pièce de théâtre qu'un essai philosophique dialogué à la manière d'un moderne Banquet de Platon.

Le théâtre d'idées, quand le sujet s'y prête, dans Ambidextre, dans Fatigue de vivre obéit inconsciemment à cette loi de l'action. Il prend alors une valeur d'art, d'autant plus que l'écriture en premier jet, bousculée, turbulente et souvent largement lyrique de l'écrivain y ajoute la puissance d'une langue très parlée, très sonore. Et de la farce au drame,

— de Trimouiïïat et Méliodon à la Joyeuse Entrée de Charles le Téméraire,

— ce théâtre remplit de la sorte un cycle complet, avec des fortunes diverses mais toujours avec intérêt.

Cette tendance à élargir le drame jusqu'à l'étude sociale, que nous venons d'indiquer comme une des phases du théâtre d'Edmond Picard, se retrouve plus complète, plus systématique chez certains auteurs dramatiques belges.

<1) M. Maeterlinck, Le Double Jardin, p. ll'.t.

La similitude de préoccupation <lcs sujets amènera, par la comédie sociale, plusieurs romanciers au théâtre. La, peut-être, est l'erreur. Chez certains de ces écrivains apparaît un mélange parfois fâcheux des caractères qui en réalité doivent différencier romanciers e1 auteurs dramatiques. D'ailleurs, ce n'est qu'accidentellement que leurs pensées on1 pris la forme théâtrale, dont le raccourci un peu brutal doit avoir déplu dès la première expérience à des auteurs habitues aux développements libres du roman.

Parmi les meilleurs, il importe de citer Louis Jlelattre, le conteur exquis, dont / any, à Côté de quelques scènes émues et délicates, contient des brutalités inutiles et des invraisemblances lâcheuses. L'audace du sujet et la témérité de la situation semblent avoir entraîné l'auteur un peu loin. Avec tact, il a tiré aussi du roman de Diderot '.Jacques le Fataliste une comédie en deux actes, sous le titre: La Mal vengée.

Le subtil poète André Fontainas a écrit une comédie parfois maladroite: Hélène Pradier. La pièce est longue et manque un peu d'intérêt passionnel; elle est d'ailleurs bien écrite.

Il y a quelques années, un écrivain mort jeune, Fritz Lutens, avait paru doué pour la comédie de mœurs. Ses pièces : Le Vertige, Les Petits Papiers, sont d'une grâce élégante mais d'une observation par trop superficielle; leur parisianisme spirituel prouve une dextérité de métier qui ne supplée guère aux qualités durables

Gustave Vanzype. - Le mieux doué à coup sûr de nos draina turges est Gustave Vanzype.

On s'est souvent trompé sur la réelle signification des œuvres de cet auteur. Parce qu'elles sont graves, on les a entes empreint es d'un sombre pessimisme, ("est une erreur. Gustave Vanzype est bien loin d'être un misanthrope. Il a. au contraire, en l'Humanité une foi inébranlable. S'il ne ferme pas les yeux aux laideurs de la vie, il croit (pie nous allons, pas à pas, lentement mais sûrement, vers un meilleur avenir. Ce progrès se réalise par les découvertes de la science et de l'industrie. Chaque jour, la nature nous livre un nouveau secret et le mal recule devant les chercheurs obstinés qui le combattent. Mais et s gains matériels sur l'inconnu ne suffisent pas. Il faut encore que l'Homme arrive à triompher de luimême, de son égoïsme, de son amour-propre excessif et (pie, sans renoncer à son propre bonheur, il se soucie davantage du bonheur d'autrui.

Conscient que notre société échappe au joug salutaire des contraintes morales à base de religion, Vanzype se préoccupe de lui rendre une armature et de lui indiquer une direction. 11 souhaite que l'humanité évoluée accepte, au nom de la Science, de la Bonté, de l'Amour, des sacrifices que naguère elle s'imposait pour plaire au Créateur.

Ces nobles visées donnent au théâtre de Vanzype on ne sait quelle gravité religieuse qui déconcerte les esprits ordinaires, mais lui vaudra toujours l'admiration des anus supérieures. On sait gré à cet écrivain de ne pas céder aux influences délétères de son époque, de ne pas tenir

compte des goûts Envoies du public, de ne faire aucune concession aux modes passagères et de demeurer strictement et Loyalemenl fidèle à son haut et pur idéal.

Après une première série de pièces où ses qualités ne s'affirment pas encore pleinement, le Patrimoine, Tes Père et Mère... VEchelle, V Aumône, la Souveraine, Vanzype affirma sa maîtrise dans les Etapes, le drame des générations qui se combattent l'une l'autre et dont le but est néanmoins identique, dont les efforts, en apparence contradictoires. tendent vers les mêmes réalisations. 11 fit ensuite jouer les Liens, ^oii il étudie le problème de l'hérédité, non pour s'incliner devant son terrible fatalisme, mais au contraire pour montrer que la vie aux ressources inépuisables peut triompher même de tares ancestrales.

Après la grande guerre, Vanzype donna un drame d'une portée morale exceptionnelle : Les Semailles, où l'on voit une jeune fille dont le fiancé est mort au champ d'honneur, consentir à épouser sans amour le frère du disparu, un compositeur, qui l'aime passionnément et qui a besoin d'elle pour reprendre goût à l'existence et créer encore de la Beauté. Les Visages, qui vinrent ensuite, opposent au culte excessif de la Beauté physique le culte plus mâle et plus digne de la Beauté morale. Les Autres sont comme une manière de synthèse des idées de Vanzype sur la vie et le devoir. Deux

jeunes gens, étroitement unis par l'amitié et l'amour des mêmes travaux, sont associés pour défricher, féconder, irriguer une terre longtemps inculte et qui, grâce à eux, fait vivre une foule de braves gens. Cette union nécessaire est compromise par un sentiment qui les pousse tous deux à aimer une même jeune fille. Une jalousie féroce les dresse l'un contre l'autre. L'œuvre commune va périr au grand dommage des humbles qui ont eu confiance en eux. C'est alors qu'interviennent dans l'action le père de la jeune fille et la mère de l'un des deux jeunes gens. Jadis, eux aussi, qui eussent pu être heureux ensemble, ils ont sacrifié leur bonheur pour ne pas ruiner l'œuvre de salut public à laquelle ils donnaient leur soin. Que leur exemple décide la jeune fille à refuser de choisir entre les deux jeunes gens et à les repousser tous les deux. Il en est un qu'elle aime, et la lutte est douloureuse. Sa volonté finit néanmoins par l'emporter. Pour les autres, elle renonce à un bonheur qui ne saurait être obtenu qu'en faisant des ruines.

GUSTAVE VANZYPE

On le voit, le théâtre de Gustave Vanzype est de tendances nettement cornéliennes. Mais on s'en ferait une très fausse conception si Ton s'imaginait que les conflits de conscience qui y abondent sont exposés avec sécheresse. Bien au contraire, une large émotion humaine baigne ces drames où se trouvent exaltées et magnifiées les énergies les plus nobles et les plus généreuses de notre espèce.

Henri Kistemaeckers. — Les œuvres de celui-ci, plus diverses et plus nombreuses, accusent un métier moins dédaigneux de la mode et un talent plus souple. Sans parler du clinquant un peu faux de certaines parties parisiennes de ce théâtre, il faut voir dans Marthe, dans la Blessure, dans la Rivale et surtout dans V Instinct, drame puissant dans son raccourci tragique, des œuvres d'une observation nette et d'un réel intérêt. Mélanges habiles de sentiment et de force, il y a là une sagace progression d'effets certains. Des personnages passent, d'une psychologie souvent très subtile, d'une passion parfois toute romantique, tant elle se montre pleine de lyrisme (1). L'esprit qui anime le dialogue de la Blessure ou de Marthe est brillant et vif, encore que le « mot d'auteur» s'y rencontre parfois avec une fréquence fâcheuse. Mais V Instinct est à mettre hors pair. Pièce sobre et humaine, pièce d'idée et de pensée, elle est d'une acuité et d'une précision qui ne sont pas loin d'en faire un chef-d'œuvre.

Rien n'y est sacrifié au vain souci d'un effet facile. L'intensité tragique atteint là au maximum.

LA COMÉDIE DE MŒURS. - - Ce domaine de la comédie sociale a été exploré également par deux écrivains qui, tel Léopold Courouble dans le roman, ont su observer les mœurs autour d'eux et les peindre avec un humour très particulier. Feu Jean-François Fonson et Fernand Wicheler sont les auteurs de toute une série de « pièces bruxelloises » dont le prototype est le Mariage de Mademoiselle Beulemans. On n'ignore pas que cette joyeuse comédie a fait son tour du monde, traduite dans toutes les langues et adaptée aux us et langages locaux. Son succès n'est pas dû seulement à la piquante saveur des mots et des expressions du crû (en l'occurrence l'extraordinaire patois bruxellois) qui émaillent son dialogue. Qu'on la suppose écrite d'un bout à l'autre en excellent français, il n'en resterait pas moins une œuvre d'observation juste et amusante, à rapprocher des comédies d'Eugène Labiche, notamment des Petits Oiseaux ou du Voyage de M. Berrichon. Les deux auteurs, avant de rompre leur féconde union, ont donné le Feu de la Saint- Jean, Son

(1) Voir notamment La Rivale, qui se rapproche par son inspiration de la Gioconda de Gabriele d'Annunzio.

Excellence .1/. le Ministre, la Demoiselle de Magasin el une charmante opérette : Les Moulins qui chantent. Séparés depuis la guerre, ils ont continué à produire. Enlevé prématurément aux lettres en L924, Jean- François Fonson avail l'ait jouer encore, avec un succès très vif, A la Kommandantur, le Cousin de Valparaiso, Beulemans à Marseille, taudis que Fernand Wicheler donnait, à Bruxelles, sur la scène qu'il dirige, toute une série d'oeuvrettes d'une- alerte et saine gaieté. Quand on prétend que le Belge n'a pas les dons que requiert le théâtre, il suffit,* pour infirmer cette opinion, de citer les noms de Fonson et Wicheli r. Ils ne sont d'ailleurs pas les seuls.

LES PIÈCES PSYCHOLOGIQUES. Notre théâtre s'est tourné également vers le domaine de l'âme. On y a rencontré déjà Maeterlinck et Van Lerberghe, et, dans certaines œuvres, Edmond Picard. Nous y retrouvons un romancier subtil et délicat : Henri Maubel.

Le théâtre d'Henri Maubel est de psychologie très nuancée -- d'aucuns diront trop fine. Comme il l'a indiqué lui-même : «C'est ici le pays de la vie intérieure, la résonance est dans les âmes » (1).

Dans Etude de Jeune Fille, ce sera V indication de « cet amour de l'amour» par quoi se manifeste, de façon souvent trouble et douteuse, le premier éveil de passion dans une âme de jeune fille. Dans Les Racines nous deviennent sensibles ces mille liens qui nous rattachent au sol natal, à la demeure familiale,aux choses qui ont leurs racines dans le passé de notre âme et de Vâme de notre race : « Nous avons tous, dit un des personnages, notre raison d'être sur la terre. . . mais pas à toutes les places de la terre». L'Eau et le Vin présente le drame intérieur qui se joue dans Vâme du prêtre tenté de s'arracher à VEglise pour retourner vers le monde. Ces schémas des thèmes suffisent à indiquer la tendance philosophique qui se dégage des œuvres. Elles ne présentent ni une thèse ni un drame d'action. Ce sont très exactement des « moments psychologiques » qui se prolongent dans le temps par une action intérieure et dans la vie par un conflit moral.

. VEau et le Vin et les Racines, note l'auteur, ne démontrent rien. « Qu'il y ait une idée sous chacun de ces drames où se meuvent des gens qui pensent et s'inquiètent mentalement, c'est probable; mais cette idée, l'action représentée la laisse intacte. Mes personnages pensent comme ils sont et comme ils sentent et de leur aventure morale, je ne prétends rien retenir que des aspirations, des doutes, des souffrances. » Autour de ces personnages pensants — pensifs — aux gestes rares et aux mots précieux, une atmosphère se crée, mystérieuse et un peu floue, faite de tous les doutes qui torturent ces âmes, de tout l'incertain dont s'enveloppent leurs destinées. Lïntérêt du drame est tout entier dans la répercussion interne des sentiments éveillés. Les personnages ne vivent point

(1) Les Racines, acte II, scène VIII.

t(lj HISTOIRE DE LA LITTÉRATURE BELGE

d'une vie passionnée, tragique ou agitée. Leur vie matérielle est statique.

Peu de chose en détruit l'équilibre et en modifie la ligne. « Ces gens ne

disent presque rien, rien surtout de violent, mais tout ce qu'ils disent est chargé d'expérience et lourd de méditation. La lecture achevée, on demeure inquiet sur soi-même, car toujours une au moins de leurs paroles nous était applicable. Quelque chose de leur passion nous consume, un problème qu'ils n'ont pas résolu nous est quotidiennement posé. On n'a guère entendu que des chuchotements, mais comme ils soul pareils à ceux que notre propre conscience murmure !» (1) Far dessus tout, Henri Maubel a le culte de la pensée. Son théâtre intérieur analyse les nuances les plus délicates, les plus fugitives des sentiments et des idées qui forment la pensée. Son art dramatique atteint à l'extrême limite de l'art parlé. Au delà, pour aller plus avant encore dans le domaine mystérieux de la pensée pure, les mots devraient perdre leur sens et devenir des sons. Il faut emprunter, dès lors, les moyens musicaux d'expression. Là est peut-être l'explication du constant intérêt qu'Henri Maubel a, par ailleurs, témoigné aux choses musicales. Son art est à la limite de la musique et de la poésie. Il a son prolongement des deux côtés de cette limite. Mais cet art étant, par ses préférences, quand même soucieux d'une pensée a dû préférer le mot à la note, parce que, selon l'observation de Hegel, « par le seul fait de s'empreindre d'une idée, le son devient parole » (2).

LE THEATRE DES POÈTES. — Parmi les genres littéraires que la renaissance des lettres belges de L880 cultiva dès la première heure, la poésie devait, avec le roman, prendre le plus large essor.

Poètes et romanciers rivalisèrent de talent et de travail. Et ce ne fut qu'épisodiquement que les uns et les autres pénétrèrent dans le domaine théâtral. Leurs rares essais ne comportent guère que de courtes pièces en un acte qui généralement sont uniques dans l'œuvre de ces écrivains.

Eugène Demolder, le truculent et savoureux auteur des Patins de la Reine de Hollande, s'ingénia dans un Noël en un acte: La Mort aux Berceaux, à transposer scéniquement une scène biblique chère aux petits ma' très de la peinture flamande que Demolder affectionne pur dessus tout. C'est dans le cadre gothique d'un vieux château, la figuration naïve et anachronique d'un Massacre des Innocents qu'aurait aimé Breughel de Velours. Charmante imagerie d'une grâce archaïque, ce poème a la poésie des vieilles chansons populaires dont l'érudition puérile et maladroite donne à la Vierge Marie la robe à brocart d'une belle dame telle que les peignit Floris et fait tuer les enfantelets du temps du roi Hérode par des trabans espagnols au service du duc d'Albe.

(1) Francis de Miomandre, Etude sur Henri Maubel (L'Occident, janvier 1V)06).

(2) Hegel, Système des Beaux-Arts.

LE THÊATBE 403

Georges Uorienhach lit représenter à la Comédie-Française le Voile. Petil drame subtil de psychologie ambiguë, cette pièce est d'une poésie semblable à celle de tons les poèmes de L'auteur de Bruges la Morte. Pièce mystérieuse où vivent, dans un décor en pénombre, une béguine silencieuse, une sœur de charité auréolée du blanc de ses coiffes, cachant ses cheveux dont on a la nostalgie à force de les savoir invisibles, une vieille femme et un jeune homme triste et doux. Cette impression (famés, c'est là tout le Voile, « où passe si étrangement dans la chasteté d'une vierge le trouble de la vie inconnue» (1).

Albert Giraud, seul ami qui reste à Pierrot, comme le disait un jour Francis de Croisset, fut dans son unique comédie fiabesque, Pierrot Narcisse, le délicieux analyste de ces âmes de rêve et d'amour de la Comédie Italienne. Pierrot-Narcisse, c'est Pierrot cessant d'être le pître enfariné des pantomines de Gaspard Debureau pour devenir un homme qui connaît la passion et en souffre. Ce n'est plus le Pierrot dont la fonction est d'être blanc, ainsi que le disait Banville; sous sa longue veste, il sent battre un cœur d'homme et c'est pourquoi Pierrot-Narcisse intéresse plus encore que Pierrot-Lunaire. Précieuse imagination de poète, dont la dernière page s'empreint de mélancolie à la savoir sans suite : Albert Giraud ne fit jamais vivre de la vie de ses vers ce Pierrot-Cœur qui vole qu'il avait annoncé . . .

C'était plus qu'une simple fantaisie. C'était de la comédie en vers et de la meilleure, dont la verve, l'esprit de dialogue et la psychologie délicate prouvent des dons de théâtre nombreux et d'une qualité rare.

Si Pierrot-Cœur qui vole est resté dans ses cartons, Giraud a donné depuis à la scène Eros et Psyché, où il renouvelle le mythe antique. Eros y apparaît comme l'incarnation de l'ennui qui dévore les grandes âmes et les oblige à chercher sans cesse de nouveaux stimulants, de nouvelles raisons de vivre. Les dieux ne sont pas plus heureux que les hommes. Ils sont même plus malheureux, puisqu'ils savent, eux, que le bonheur n'existe pas. Tandis que les hommes, sur la terre, se lamentent, les dieux, par dignité, étouffent leurs sanglots, entre eux, c'est là toute la différence.

Le lyrisme de Valère Gille devait l'amener au théâtre poétique. Ce n'était qu'un rêve est une féerie d'une poésie charmante. En plusieurs scènes, Mistigri trouve, pour célébrer sa joie de vivre et ses espérances amoureuses, des accents émus et des strophes d'une belle envolée.

(1) Camille Mauclair, L'Art en Silence, p. 127. — En dehors des romanciers dont nous parlons ici, il faut encore citer George Garnir, auteur de revues locales et d'un acte en vers: La Défense du Bonheur et aussi F.-C. Morisseaux dont l'acte en vers La Comédienne aux yeux verts est d'une émotion très prenante.

Francis de Croisse! s'est acquis un renom riulleraenl usurpé d'auteur dramatique ultra-moderne. Ses pièces, toujours à la modo de demain, sont d'un esprit boulevardier plein d'a-propos et d'un métier jamais en défaut, mais leur psychologie très superficielle, leur allure confinant à celle de la comédie-vaudeville leur ôtent trop souvent toute valeur réelle. D'un art très brillant, dont les préoccupations d'amusement sont constantes, le Bonheur. Mesdames, la Botnie Intention sont d'un parisianisme aigu, mais éphémère. Certes leur «amoralité» est d'une ironie exquise, leur observation d'une causticité amusante, mais certains personnages y sont falots et certaines scènes d'une invraisemblance qui arrive parfois à choquer.

Les deux comédies en vers que Francis de Croisset a t'ait jouer font regretter par leur grâce et leur verve que leur auteur n'ait point travaillé davantage dans cette seconde manière. Chérubin et le Paon sont deux gravures charmantes, pomponnées et piquantes à la façon d'une estampe dé Moreau le Jeune. L'esprit de Beaumarchais s'y retrouve dans la pointe d(4 certains vers, plus souvent s'y rencontre la verve débridée d'un dialogue de Crébillon le Fils. « De la verve et de l'audace, dit de ce théâtre Albert (iiraud. du diable au corps et du vif argent, une sensualité charmante et sèche, des bonheurs d'expression insolents et des gaucheries d'écolier, le mélange de ces qualités de jeunesse a de la saveur. L'œuvre est une promesse brillante, une jolie improvisation lyrique. Mais les improvisateurs sont comme Petit Jean. Ce qu'ils savent le mieux c'est leur commencement. Le premier acte de Chérubin est excellent; le deuxième est encore bon; le troisième affaiblit l'effet des deux autres. Francis de Croisset devrait commencer par improviser son dernier acte » (1).

11 y a, en effet, dans ces deux pièces, à côté d^ défauts mêmes de l'improvisation, une allure cavalière, un panache élégant, une virtuosité railleuse. C'est de l'art joli, menu jusqu'à être mince, gracieux jusqu'à être exquis. Et l'on regrette qu'il ne soit rien de plus.

LE DRAME HISTORIQUE. L'effort dramatique de quelques

auteurs se concentra dans le draine historique. Essais rares encore dans un domaine pourtant fécond en sujets et en émotions. Les annales de l'histoire belge fournissent des héros et des époques puissamment tragiques qui trop rarement ont tenté nos poètes. Ceux que l'histoire attira s'informèrent de l'histoire d'autres nations et lui demandèrent les éléments de leur œuvre.

Georges Eekhoud, après avoir traduit plusieurs pièces d'auteurs anglais du siècle de Shakespeare, notamment : la Duchesse de Malfi, de Webster,

(1) Albert Giraud, toc. cit.

Edouard 11. de Christophe Marlowe, Philaster ou V Amour qui saigne, de Beaumonl e1 Bletcher, mil personnellement à la scène ce personnage de Perkin Waarbeck (l'Imposteur magnanime), l'aventurier flamand, qui wrs L495 se prétendit héritier de la couronne d'Angleterre, comme duc d'York, fils d'Edouard IV, et fit un moment échec par son audace rare et sa fortune incroyable à la puissance du roi Henri VII Tudor. Ce drame esl curieux de facture, mais il est hésitant et fausse quelque peu la vérité de l'histoire (1). On désirerait plus d'ampleur et de force à cette œuvre afin d'y retrouver les dons de vie fougueuse qui font la qualité première de l'auteur d'Escal-Vigor.

Emile Verhaeren. — Cette puissance se retrouve, exacerbée et irrésistible, dans certaines scènes du théâtre d'Emile Verhaeren. La plupart des biographes et des critiques les plus laudatifs du grand poète ont fait des restrictions quant à la valeur théâtrale de cette partie de son œuvre. Il est certain que là n'est pas le meilleur de sa production. Les Aubes sont une pièce inégale, mal conduite et remplie de contrastes trop brutaux. « Au point de vue scénique pur, dit Léon Bazalgette (2), nous ne pouvons nous dissimuler la faiblesse des Aubes, malgré l'heureuse innovation qui résulte de l'alternance shakespearienne de la prose et du vers. Le dialogue malhabile, le contact périlleux de l'énorme et du terre à terre parviennent à des effets absolument inadéquats. » C'est que cette œuvre nous semble plutôt poème lyrique — et social — que drame; le poème reste puissant si le drame n'atteint pas aux qualités requises.

Philippe II est une tragédie romantique plus sobre et mieux ordonnée. Mais elle a quelque chose d'étroit et de restreint, elle ne possède pas l'ampleur que commandait la conception d'un tel drame. Don Carlos nous apparaît ici une manière d'Hamlet où rien ne subsiste de la fougue dont Schiller a animé sa figure et qui la faisait plus proche de la vérité historique. Le caractère de Philippe II est plus conforme à ce que nous savons de lui et par cela même nous aurions voulu le voir apparaître plus complètement. Pourquoi le génie tragique d'Emile Verhaeren n'a-t-il point ressuscité la psychologie totale de ce roi sanguinaire, fanatique et sombre? Sa silhouette cauteleuse ne fait que traverser la tragédie, dans le mystère de l'Escurial. C'est que le Philippe II d'Emile Verhaeren est

(1) « Georges Eekhoud y exalte un idéal chevaleresque et généreux dans sa liberté tragique. La simplicité même des personnages et cette psychologie à fresque qu'il a adoptée semblent convenir très bien à ces tableaux historiques dont on se sert utilement pour faire croire aux peuples en leur pissé et en leur avenir. C'est, à la vérité, une page de l'histoire d'Angleterre (pie V Imposteur magnanime met en scène, mais le personnage principal Perkin Waarbeck, cet aventurier flamand à qui l'ironique destin fit jouer le rôle de prétendant à la couronne britannique et cpii nonobstant son imposture sut tenir son personnage avec une certaine générosité, permet à l'auteur d'exalter sa race et son pays avec un romantisme ingénu qui commande la sympathie. >>(Louis Dumont-Wilden, Rapport du concours d'Œuures dramatiques belges organisé par Ostende-Cenlre d'Art, 1907.)

(2) Emile Verhaeren, par Léon Bazalgette (Sansot, Paris, 1904).

un drame de crise passionnelle plus encore qu'un drame de caractère. «Philippe II est le poème dramatique de la démence sanguinaire, drame intensément espagnol où la violence4 impulsive de l'infant Carlos s'exaspère sous les serres de la folie froide de Philippe II. Carlos est le type symbolique émouvant d'une humanité maladive qui s'éperd, s'égare en des rêves d'orgueil disproportionnés à ses forces, en des cauchemars de conquêtes aux horizons fous » (1).

Dans la série des œuvres théâtrales d'Emile Verhaeren, le Cloître se classe la plus célèbre et la meilleure. Ce n'est rien autre que la tragédie du remords auquel est en proie un criminel. Balthasar, le moine assassin de son père, est torturé par le spectre de sa victime, ainsi que Macbeth par le spectre de Banco, ainsi qu'Oreste parles Furies. Le sujet est éternel; Camille Lemonnier a dit quelque part qu'il faut toujours mettre quelque chose d'éternel dans ce qu'on écrit. Les passions humaines atteignent dans le Cloître à un paroxysme qu'il serait malaisé de surpasser. La haine, l'orgueil, l'ambition, l'amour du pouvoir jettent des lueurs rouges dans l'âme de ces moines farouches. Et par là l'œuvre est belle et forte.

Emile Verhaeren a donné encore au théâtre une tragédie : Hélène de Sparte, où le lyrisme le plus ardent se combine avec une évidente volonté de se rapprocher du classicisme. Le mélange n'est peut-être pas au point, mais certaines parties de l'œuvre ont une puissance indéniable, une force d'expression où se retrouve le haut talent de l'auteur.

Iwan Grilkin, après avoir signé les sataniques pages de la Nuit, dressa dans son Savonarole l'ascétique figure du moine prédicateur qui fit de Florence « une morne cité, sans beauté et sans joie, moitié couvent et moitié hôpital». Cette œuvre subsiste comme le plus sérieux effort tenté en Belgique dans le domaine du théâtre historique, par sa puissance de vie, la beauté de son sujet et le lyrisme de son écriture. Ce n'est pas que l'on ne puisse reprocher à lwan Gilkin d'avoir hésité à conduire son personnage jusqu'à la dernière conséquence de ses actes. En évitant de faire usage de la scène historique de l'épreuve du l'eu à laquelle Savonarole se déroba, l'écrivain a partiellement faussé le caractère du moine. A force de chercher à le rendre trop logiquement sympathique, il l'a peut-être rendu moins profondément humain. Mais il n'en reste pas moins que la figure de Savonarole garde, dans cette œuvre, un relief d'une extraordinaire intensité (2). Le dialogue intérieur entre Savonarole et sa conscience.

(1) Marius-Ary Leblond, Emile Verhaeren (Mercure de France, 1904).

(2) « Dans le cadre d'un noble drame historique, Gilkin, par les aspects qu'il donne à la grande figure de Savonarole, touche quelques-uns de ces problèmes essentiels qui passionnent éternellement l'intelligence humaine: les antinomies de l'esprit religieux et de l'esprit politique où, si l'on veut, de la pensée el de l'action, l'impuissance du mystique à plier à son rêve les réalités humaines parmi lesquelles il s'agite. 11 construit, d'autre part, toute une psychologie du fanatisme, et sa pièce érudite et savante a l'ampleur et la tenue d'un véritable drame d'idées qui sacrifie le moins possible au pittoresque et à l'amoureuse passion i (Louis Bumont-Wilden, Inc. cit.).

qui forme le nœud de l'action, dans un monologue superbe, esl d'une beauté et d'une vérité absolues. Les ressorts dé colle âme y apparaissent un à un. et comment cet homme qui créa, par sa force de caractère, les circonstances qui forgèrent sa popularité, se voit soudain entraîné, par leurs conséquences, bien au delà de sa volonté, dans le domaine de l'arbitraire, nécessaire désormais au maintien de son pouvoir. A la manière de certains drames shakespeariens, — Jules César en est un, celui-ci est un drame social. Toute l'âme d'une époque s'y agite, passionnée et versatile, telle que devait être l'âme du peuple de ces républiques italiennes obéissant sans réflexion au geste dominateur d'un condottiere comme le Médicis ou à la parole persuasive d'un tribun comme Savonarole.

Drame social également sont les Etudiants Russes. Iwan Gilkin cherche à y dégager les éléments de la crise que traversa l'empire des tsars. Il y étudie, dans les passions que soulève la révolution dans l'âme russe, les aspects contradictoires de cette âme où se montre le fatalisme oriental, qui accepte le pouvoir autocrate, en même temps que l'esprit de civilisation et de liberté philosophique qui lui vient d'Occident. Ame complexe et inégale, ignorante souvent de la voie où elle doit diriger sa race, grande dans le sacrifice autant que résignée dans la défaite, passionnément éprise d'un idéal souvent utopique, aussi souvent très noble, gardant peut-être en elle des réserves de forces dominatrices, passionnée pour la conquête de libertés dont l'obtention sera prématurée s'il faut en permettre l'usage à ce peuple borné, taciturne et déchu dont un type vit ici sous les traits de l'ouvrier Makare. Drame conçu par un cerveau plutôt que par un cœur, où l'intellectualité domine le sentiment, drame rêvé par un penseur puissamment outillé par la philosophie moderne et qui, pour dégager du problème la leçon de vérité sociale, a parfois oublié de faire jouer dans l'âme de ses personnages les ressorts de la passion et de l'amour.

Il faut citer encore Prométhée, drame en vers libres, où Iwan Gilkin, formula ses conceptions philosophiques et Egmont, œuvre posthume, dans laquelle, reprenant la figure du héros immortalisé par Gœthe, il a tenté de lui donner un caractère plus flamand.

Le comte Albert du Bois a rêvé de mettre à la scène une suite de tableaux où se lise en raccourci toute l'histoire de l'humanité. L'ensemble de cette œuvre s'intitule le Cycle des douze Génies et comprend des œuvres telles que Rabelais, les Aigles dans la Tempête, CBérodienne, Voltaire, qui sont à la fois d'un poète et d'un homme de théâtre. Peut-être se laisserait-on aller à reprocher à x\lbert du Bois une certaine négligence dans sa versification, s'il ne proclamait son intention d'écrire un vers

scénique qui se rapproche autant que possible1 du langage parlé ordinaire. Plusieurs de ses œuvres sont d'un mouvement très animé e1 ont obtenu un grand succès, même à Paris, où VHérodienne, notamment, demeure inscrite, en belle place, au répertoire de la Comédie-Française.

Le Frère François tint dais de Félix ttorison vaut surtout par la sincère poésie qui empreint ses vers. La valeur dramatique en est faussée par l'importance trop accentuée donnée à l'épisode sentimental au détriment de l'étude du caractère. Le même poète donna, avec Antonio Ferez, un drame romantique de vivante allure et de large conception'. Le Philippe II qui traverse l'œuvre es1 savamment étudié. Quelques défaillances mettent des ombres sur certaines scènes de la pièce. L'Ecrivain public est une

délicieuse fantaisie d'un esprit piquant. Enfin Pierrot Millionnaire, par sa verve bouffonne, sou allure vive et spirituelle, par ses jolis couplets et son métier si sur reste la meilleure pièce de Félix Bodson. Elle prouve chez ce poète de race un homme de théâtre d'une qualité remarquable.

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PAUL SPAAK

croquis à la plume de

Georges Ramaekers.

Le vif succès de Kaatje révéla au public le nom de Paul Spaak. Dans le cadre chaudement brossé d'un intérieur hollandais du XVIIe siècle, c'était comme la transposition scénique du recueil de vers de Fauteur, intitulé Voyages vers mon pays. Après un séjour en Italie, le héros de l'œuvre, un jeune peintre, revient chez lui et y ramène une jeune femme qu'il a aimée au pays du soleil. Pomona c'est son nom ne parvient pas à s'habituer à ce climat du Nord et fuit vers sa chaude patrie. Alors le jeune artiste. (Ta bord désespéré, découvre les qualités discrètes, mais sûres de sa cousine Kaatje, qui l'aime en secret et incarne pour lui le charnu1 essentiel du ciel natal.

Après Kaatje, Spaak a donné plusieurs drames, toujours en vers, tels que Baldus et Josina, A Damme en Flandre, la Madone, la Dixième Journée, le Louez Dieu, et surtout Malgré ceux qui tombent dont le cadre archaïque ne doit pas faire illusion sur le caractère actuel et bien vivant des sentiments qui s'y expriment et Cw* conflits qui s'y déroulent, 11 va, en Paul Spaak, une aine de gueux du XVIe siècle qui continue à se révolter contre toutes les tyrannies, toutes les oppressions, tous les préjugés et à réclame r la liberté de vivre et de penser.

HENRI LIEBRECHT.

(Photo Couprie).

QUELQUES AUTRES DRAMATURGES. Paul André, qui s'est

consacré surtout au roman et à la critique, a, écrit cependant pour Ja scène une œuvre intéressante, Maître Alice II ma ut, qui pose le problème délicat de la femme au barreau.

Il faut citer encore Liebrecht et Morisseaux

qui firent représenter non sans succès Miss LUI et V Effrénée, Wappers, Variez et Emile

Cammaerts. Les œuvres volontiers féeriques de ce dernier, les deux Bossus, la Veillée de Noël, F Adoration des Soldats marquent une influence anglaise qui semble unique, jusqu'à présent, dans notre littérature.

Horace Van Offel, qui est surtout romancier, avait fait cependant, au théâtre, des débuts remarqués. Il y a des scènes très fortes dans h Victoire. L'Oiseau mécanique, du même auteur, est d'une conception plus arbitraire. Mais la Nuit de Shakespeare déborde de la plus brillante fantaisie.

Plusieurs écrivains n'ont, de la sorte, accordé au théâtre qu'une partie restreinte de leur activité. Gaston Heux n'a signé qu'une œuvre dramatique, V Angoisse, et de même Victor Kinon : L'An Mille et Georges Rency : La Dernière Victoire.

Par contre, les noms de Paul Demasy et Fernand Crommelynck Jn'appartiennent qu'à l'histoire du genre dramatique.

Le premier semble attiré surtout par des sujets qui sont depuis longtemps dans le domaine public et auxquels il lui plaît d'imprimer la forme particulière de son esprit. Il renouvelle en quelque façon la tragédie dans son Alexandre, son Faust, sa Cavalière Eisa, son Jésus de Nazareth, sa Judith, sa Dalilah. La manière de Demasy réalise un heureux compromis entre l'art et le métier. La foule peut prendre plaisir à ses grandes fresques, sans que l'élite ait le droit de s'en détourner. L'œuvre de cet auteur est loin, sans doute, d'être terminée et il serait prématuré de tenter d'en dégager le sens général.

Pour ce qui est de Fernand Crommelynck, on admire la courbe audacieuse de sa carrière. 11 débute, à Bruxelles, sur la scène du Théâtre du Parc, par une charmante bluette en vers : Nous n'irons plus au bois, qui l'apparentait à Banville ou au Rostand des Romanesques. Le succès qu'il

HISTOIBE DE L I Il I I ÊRA l ! RE BEI GE

obtient ne le Kxe pas dans cette voie. Jl s'en échappe pour écrire les deux versions de son Sculpteur de Masques où il Sfe montre influencé

par la peinture fantastique de James Ensor. La oouveauté de cette œuvre frappe les critiques attentifs. Bientôt Crommelynck, en pleine possession de ses moyens, donne Ja mesure complète de ses qualités et de ses défauts dans une farce d'allure moliéresqne. le Coca Magnifique, où il analyse, en la poussant jusqu'à L'absurde, jusqu'à la folie, la passion de la jalousie sans motif. Le drame se jonc entre trois personnages principaux : Bruno, le jaloux, sa femme Stella, aimante et pure comme unange, et le secrétaire de Bruno, le mystérieux et muet Estrugo, qui est comme le miroir où son maître lit ce qui se passe dans son cœur tourmenté.

En dépit de certaines exagérations et de bizarreries de mauvais goût, il y a un souffle génial dans cette FERNAND CROMMELYNCK. pièce (le\( nue le type de la farce

(Masque de F. Gailllard.)

moderne et qui fut fort imitée en France comme en Belgique.

Crommelynck n'a plus connu le même succès avec ses œuvres postérieures, désordonnées et excessives: ùs Amants puérils et Tripes d'Or.

Armand Thibaut a révélé des dons sérieux d'auteur dramatique dans le Silence et la Révolte de VHomme.

Poète, romancier, critique, aquarelliste distingué. Auguste Vierset a fait applaudir au théâtre la Gageure et la Pale.

Fortement dominé, à ses débuts, par le souvenir dv^ pièces d'Ibsen, surtout pi r

AUGUSTE VIKHSKT.

Rosmersholm et les /iVyewanfe,Mme Marguerite Duterme lit jouer, en L905,sa première œuvre dramatique iVaeVietis!

qui obtint un beau suct'ès sur la scène du Théâtre do l'Œuvre.

Mais sa personnalité âpre et audacieuse se manifesta plus nettement dans la Maison aux Chimères et dans les Eaux Mortes. Des sujets de pure cérébralité, mettant en scène des héros aux âm< s compliquées ; un dialogue incisif, aux intentions souvent cruelles, sont les caractères propres à cet auteur dont deux œuvres terminées attendent de voir les feux de la rampe : Bastien le Lâche et Musée d'Amour, quilui valut en 1922 le prix triennal de littérature dramatique.

A CONSULTER

La plupart des auteurs étudiés ici ont été l'objet d'une documentation dans un autre chapitre. On s'y reportera. Voir notamment le chapitre sur la Poésie pour : Charles Van Lerberghe, Georges Rodenbach, Albert Giraud, Valère Gille, Emile Verhaeren, Iwan Gilkin, Paul Spaak. -- Voir celui qui est consacré aux romanciers pour Gustave Vanzype, Henri Maubel, Georges Eekhoud, Horace Van Offel.

Sur Maurice Maeterlinck : la bibliographie est considérable et il est impossible de l'énu-

mérer ici. On en trouvera l'énumération principale dans A. Van Bever, M. M.,

Paris 1904; dans Van Bever et Léautaud, Poètes d'Aujourd'hui, T. 1. Paris, 1908.

-On consultera utilement Gérard Harry, M.M.Paris, 1909; B. Timmermans,

L'évolution de Maeterlinck, Brux. 1912; M. Esch, VŒuvrede M. M. Paris L915.

sur Edmond Picard : Alix Pasquier, E. P. Brux. s. d. — Achille Segard, E. P. Paris, 1898. — Fierens-Gevaert dans Revue latine, t. 1er.

sur Albert du Bois : J. Chot, A. du B. Paris, 1910.

Sur l'ensemble du chapitre : M. YYilmotte, Le Passe, le Présent et W [venir du Théâtre national de langue française en Belgique, Brux. 1912.

M" MARGUERITE DUTERME.

= SOMMAIRE

Evolution «les théories historiques : Léon Vanderkindere. — Godefroid Kurth.

Henri Pirenoe : La synthèse de l'histoire de Belgique

Autres historiens : Poullet, Frédéricq, Lonchay, Gossart, F. Van Kalken.

L'histoire et la critique littéraire : Francis Nautet. - Ouvrages d'ensemble sur notre littérature. — Les critiques : Maurice Wilmotte, Charles de Spo lberch de Lovenjoul, Eugène Gilbert, etc.

Lettrine de A. Rois.