ENCORE LA SCULPTURE ITALIENNE

M. Marai. — Victime diluvienne. — M. Barzaghi. — Moïse sauvé des eaux. — M. Jerace. — Ève. — M. Dini. — M. Lucclietti. — M. Biggi. — Savonarole. — M. Giani. — Balilla. — MM. Salvini, Pozzi, Majoli. — M. Bortone. — Fanfulla. — M. Benvenuti. — M. Carnielo. — Les Derniers Moments de Mozart. — M. Calvi. — M. Tortone. — Ajaccio, 1778. — M.Gemito et son Pêcheur napolitain.

La statuaire italienne est tellement exubérante qu’après avoir rempli les galeries consacrées à l’art du pays, elle déborde dans les salles affectées à l’industrie. Cette deuxième partie de la sculpture péninsulaire qui ri’est point la meilleure, puisqu’on l’a reléguée au second plan, ne procure sur l’ensemble de l’école aucun renseignement nouveau. C’est, ou peu s’en faut, le même art, précieux, frivole, raffiné; les mêmes sujets, d’un ordre et d’une inspiration inférieurs; la même facture, facile, adroite et spontanée. Les Italiens se montrent, ici comme là, les premiers praticiens du monde : sont-ils les premiers sculpteurs? Encore une fois, que les étrangers décident une question qui, à mon sens, n’est point douteuse. La beauté de leurs marbres, dont tout

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le monde a pu admirer la transparence et la blancheTfr, achève d’assurer à nos voisins des agréments secondaires; elle ne peut donner à leurs ouvrages la noblesse, la hauteur et la dignité qui font généralement défaut.

Nous retrouvons plus que dans la première section l’insignifiance et la futilité qui semblent le propre de leur art et déparent les meilleurs travaux.

Des débardeuses fument des cigarettes ou coquettent sous le masque; des enfants boudeurs déchirent leur chemise, ou voulant enfoncer un clou, se martèlent les doigts; d’autres s’enguirlandent les oreilles de cerises, sous le titre du Premier Fruit , ou bâillent en allongeant les bras; ceux-ci jouent avec des chiens, des chats, des oiseaux, des lapins; l’un, qu’on débarbouille, pleure et crie à tue-tête; des fillettes font des mines, armées d’éventails et d’ombrelles; des baigneuses, en maillot irréprochable, s’exercent à nager sans souci du spectateur; V Innocence abuse de sa candeur et de son âge pour jeter sa chemise par-dessus ses oreilles (la chemise, qui permet de déshabiller les sujets, joue un grand rôle dans la sculpture italienne) ; des polissons déguenillés, chargés de journaux qu’ils débitent, se battent et s’injurient en se disputant les chalands; un gamin, nu, s’amuse à faire subir à un chat le supplice de Tantale, avançant et reculant tour à tour une souris, thème de tous points puéril, auquel on accorde les honneurs du bronze, et que l’auteur intitule : Une impression des temps pom-

pèiens; d’autres motifs du même genre se déguisent sous des titres retentissants ou belliqueux.

Les Résultats de la guerre sont symbolisés par une petite fille de trois ans, mourant de peur, cachée derrière son frère, âgé de deux, qui montre un visage terrible à l’ennemi et le menace de la main.

La mythologie, la poésie, l’antiquité, le monde moderne, l’Occident, l’Orient, fournissent à peine assez de Vénus, de Psyché, d’Ariane, d’Angélique, d’ondines, d’almées et de péris à l’insatiable consommation des Italiens. Quand toutes les époques et tous les mondes sont épuisés, ils imitent leurs ancêtres et créent un nouvel Olympe en le peuplant de défauts personnifiés; mais ils se gardent, comme les anciens, de présenter leurs modèles sous des traits repoussants.

V Amour-propre, la Vanité, s’étalent sans nul voile, sous la forme de charmantes figurines, peu propres à corriger le spectateur; la Honteuse se cache ou plutôt se laisse voir à travers sa tunique ; la Surprise elle-même est dévêtue sans qu’on puisse deviner pourquoi; la Modestie seule consent à se couvrir. Une multitude de jeunes filles lisent, cousent, étudient, bâillent à la lune, rient aux étoiles, agacent des perroquets; Cupidon sortant d'un buisson de fleurs et lançant ses flèches fait d’horribles ravages dans ce monde féminin : il s’empare de la Prisonnière d'amour, chargée de chaînes de roses traversées d’une flèche; il est partout et règne en maître ; des jouvencelles cueillant des roses trouvent sous chaque

fleur un amour qui s’envole, ce qui donne justement la Bïïsé des amours et des amours à la rose! Des Francs- Tireurs sont déshabillés en amours; des amours sont équipés et armés en francs-tireurs.

Partout des enfants, des fillettes, des perruches, des miroirs, des castagnettes, des fleurs, des pommes, des raisins ! Voilà , avec les nymphes et les houris des diverses nationalités et des pastorales souvent risquées, le noyau de cette exhibition qui confirme ce que j’ai dit de la première : sculpture de genre, art de vignette, statuaire d’alcôve, dépourvue d’invention et d’imagination autant que d’idéal et de virilité, enfantine à tous les points de vue, qui se soutient uniquement par te flou de l’exécution et la beauté de la matière.

Finement touchés, adroitement fouillés d’un ciseau caressant qui double leur affectation, ces ouvrages, suffisamment connus par leur nomenclature, s’alignent à perte de vue dans une galerie monumentale, coupés ça et là-, comme dans la première, par les bustes de Garibaldi et de Mazzini, posés de nouveau insolemment en face de Pie IX.

A l’entrée de cette seconde zone, on rencontre un groupé en terre cuite qui arrête les badauds et paraît résumer assez bien le caractère général de l’art que je viens de qualifier.

Une fille et un garçon, de grandeur naturelle, deminus, se serrent sous un parapluie ruisselant des gouttes échappées d’un jet d’eau, dont ils sont à la fois la co-

lonne, l’ornement et le conduit : cela représente Paul et Virginie.

Toute la sculpture italienne, faite de petites choses, de trompe-l’œil, d’imitation, d’afféterie et de réalisme maniéré, est dans ce groupe, qu’on peut considérer comme le frontispice approprié de l’Exposition.

Les sculpteurs de la Péninsule ont une telle propension à rabaisser toutes les compositions à la mesure d’une grâce légère ou vide, que les thèmes les plus élevés, pathétiques ou sublimes, lugubres ou terribles, perdent leur force et s’énervent entre leurs mains.

Les victimes du déluge deviennent sous le ciseau de l’un deux, M. Marai, les héros d’une attrayante idylle, qui craindraient de se mouiller les pieds pour passer un ruisseau : une jeune fille, montée au sommet de la dernière roche épargnée par les eaux, lève les yeux au ciel et tente d’apitoyer sur son sort lamentable : elle donne envie de lui offrir la main pour l’aider à reprendre un terrain plus sec. Voilà comment l’artiste entend les scènes du déluge et touche le spectateur! Sa Victime diluvienne ferait très-bien sur une table de toilette. Si l’expression est de travers, les accessoires, comme toujours, sont admirables. La tunique déchirée qui couvre la belle enfant colle à son corps de façon à laisser croire qu’elle a été plongée dans l’eau avant de revêtir la naufragée. Cette draperie seule est de nature à prouver que le déluge n’est pas une plaisanterie destinée à fournir de jolis motifs aux statuaires italiens.

Le Moïse sauvé des eaux , par M. Barzaghi, professeur "a Milan, est conçu dans les mêmes aimables données. Porté dans un panier par une Égyptienne ravissante, il est montré au visiteur de l’air qu’on présente un bouquet.

L’Eve, en plâtre, de M. Jerace, professeur à Naples, perd ce caractère déterminé d’enjolivure pour prendre une autre marque non moins fausse et répréhensible.

Ève, face à face avec le démon, n’est plus la première femme timide, innocente et curieuse, trompée par le tentateur infernal ; elle devient une sorte de courtisane ou d’almée assouvie, triste et déçue, s’abandonnant aux consolations et aux caresses d’un séducteur ailé, beau, calme, fascinateur, qui l’enlace et l’entraîne. La vérité biblique disparaît au profit de je ne sais quel mélange de mythologie sensuelle et de poésie byronienne.

La facture, profondément poussée, agrandit le sens du groupe, qui, par sa physionomie dramatique et fatale, tranche sur les innombrables mignardises de l’école.

Quelques figures sortent par leur signification historique de l’accumulation de charmantes platitudes que le lecteur a vues, et c’est de ces ouvrages, en petit nombre, que je vais dire quelques mots.

La Mort d’Epaminondas, de M. Dini, tombé en saisissant le trait brisé, dont l’évulsion occasionne sa mort, est un des rares spécimens de la sculpture savante, froide et conventionnelle qu’on pratiquait jadis sous l'influence

exclusive de l’école académique. Le Philopœmen de David d’Angers enseigne le parti que la passion et le goût modernes peuvent tirer de ces types antiques. L’exemple a été malheureusement perdu pour le sculpteur italien.

Le Spartacus, en marbre, de M. Lucchetti, a plus de réalité. Spartacus rompt sa chaîne par un effort désespéré, et se redressant sur le rocher où il est retenu, il bondit, le glaive à la main, vers les perspectives où sa haine le porte. La statue a du mouvement sans cachet individuel.

Les sujets s’accentuent en remontant les âges.

Le Savonarole, en plâtre, de M. Biggi, a de l’originalité.

L’ardent réformateur est assis sur un escabeau, la tête encapuchonnée, le corps penché, un livre fermé sur l’index, la figure et le torse en arrêt sous l’effort de la méditation; l’œil, de côté, semble suivre dans les sphères de l’intelligence l’idée dont l’attraction subjugue tout l’être.

D’une facture large et d’une exécution sûre, cette statue frappe par l’impression vivante et passionnée du personnage.

Très-aptes à l’interprétation des types historiques, les Italiens ne développent jamais mieux leurs moyens qu’en traitant ceux qui leur appartiennent.

Balilla, marbre, par M. Giani, vient à point justifier cette observation.

Balilla est l’enfant du peuple qui lança la première pierre, au début de la révolte de Gênes de 1746, contre

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\$8 Autrichiens. — Que je la jette! s’écrie le héros, et réellement il la jette. Les vêlements, toujours bien façonnés, se plient à l’action.

Giotto enfant, de M. Salvini, vaut par les objets extérieurs autant que par sa mine réfléchie; lui aussi envisage des horizons nouveaux que son imagination saisit et que son pinceau va fixer.

La Jeunesse de Michel-Ange , en marbre comme le précédent, par M. Pozzi, vu pensif, le ciseau à la main, à califourchon sur un bloc de pierre, manque de vérité, non d’expression , et touche à la sculpture d’anecdote déjà caractérisée. Un autre Michel- Ange , de M. Majoli, demeure banal et froid.

Fanfulla, plâtre, de M. Bortone, en costume de moine, aiguisant son poignard avec un sourire féroce, est, comme le Savonarole , un type forcé peut-être, mais très-animé de la. sculpture historique, plus propre à relever l’art italien que toutes les réminiscences olympiennes et les inspirations fades de la vie quotidienne.

V Innominalo , buste en plâtre, de M. Ben venuti, a le tort de n’avoir pas de nom, quand il serait digne de reproduire les plus fiers capitans. Cette figure roide, austère, énergique, à moustache et barbiche, coiffée d’un feutre empanaché, le justaucorps croisé par un baudrier, pourrait être à volonté un chef de ligueurs, un conquérant espagnol, un condottiere italien; modelé de verve, l’homme a une tournure historique saisissante ; il lui faudrait une étiquette.

Les Derniers Moments de Mozart ont fourni à M. Carnielo le sujet d’une sculpture en plâtre aussi minutieusement étudiée que le Jenner de M. Monteverde.

Amaigri, consumé par la fièvre du génie et le feu de la maladie, réduit à l’état d’un long squelette, Mozart étendu dans un grand fauteuil rend le dernier soupir. A moitié cachée par l’oreiller, la tête semble déjà froide et immobilisée; la main droite repose sur le bras du fauteuil ; la gauche touche une partition qui a reçu les dernières inspirations du mourant; les pieds sont appuyés sur un coussin ; une chemise à jabot se plisse autour de la poitrine creuse ; une couverture rayée, qui fait songer à la célèbre couverture de M. Vêla dans les Derniers Moments de Napoléon /er, réchauffe les jambes du maestro et remonte jusqu’au flanc. Ce que l’on voit du cou et des bras, derrière la chemise merveilleusement travaillée, résume toutes les défaillances pathologiques d’une agonie qui s’achève. On sent l’ossature décharnée sous les vêtements qui plaquent; le pied ballotte dans le bas et la pantoufle trop larges; la figure, aux joues collées, parsemées de poils qui n’ont plus la force de croître, révèle la dernière étreinte de la mort, la crispation suprême qui précède l’essor de l’âme et exhale la vie. Les lèvres entr’ouvertes découvrent les dents déchaussées; les traits se figent; la peau semble se resserrer; jamais l’instant physiologique de la séparation de l’esprit et du corps n’a été plus sensiblement mis en lumière.

Les Italiens, passés maîtres dans ces sortes de trans-

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"figurations, n’ont rien exécuté de plus intime ni de plus pénétrant que l’image actuelle.

Ce n’est pas la vie, c’est la mort dans ses redoutables mystères et ses terrifiantes approches, qui est surprise et manifestée au spectateur.

Extraordinaire réalisme qui contribue à faire de la statuaire italienne une sculpture de second ordre, même avec les plus dramatiques motifs.

Othello et Sélika, bustes en bronze, de M. Calvi, sous la figure d’un nègre et d’une négresse du plus beau noir, enveloppés de voiles blancs qui font valoir leur teint, brillent l’un et l’autre par la puissance du rendu et le relief des contrastes.

Nous rencontrons enfin une troisième image de Napoléon Ier. Cette insistance des artistes italiens, déjà remarquée, offre un nouveau témoignage de l’attraction que le Corse aux cheveux plats exerce sur ses compatriotes, et une preuve nouvelle de leur consanguinité. Ajaccio, 1778! voilà un anniversaire auquel nos idolâtres de l’empire n’ont point songé, et qu’un artiste de la Péninsule, M. Tortone, célèbre avec un enthousiasme excessif.

Bonaparte enfant s’est endormi au pied d’un rocher, dans une promenade qu’il faisait aux environs d’Ajaccio en compagnie d’un livre. Pendant son sommeil, un aigle attiré par le rayonnement de la destinée future du héros se pose sur son épaule et déploie majestueusement ses ailes en signe de patronage et d’adoption. Le profil

romain de l’enfant est ombragé par l’ample envergure de l’oiseau. Moins frémissante que les autres statues historiques, celle-ci , laissée en plâtre, frappe par sa signification.

Le Pêcheur napolitain , de M. Gemito, que nous avons salué au Salon de 1877, reparaît en bronze dans son pays natal, et sa transformation ne lui ôte rien de la palpitante expression qui avait causé son succès. Il est toujours accroupi sur ses talons, et serre contre sa poitrine le poisson qui frétille. Les accessoires, ligne, caleçon, chapeau, panier, semblent pris littéralement à la nature.

Je ne saurais mieux clore ma revue de la statuaire italienne qu’en restant sur ce morceau qui, par ses qualités et ses défauts, synthétise son essence, met en saillie sa force et sa faiblesse, ses mérites et ses lacunes; et pour résumer en deux mots, à propos de cette figure, mes observations générales, j’ajoute que s’il est difficile de pousser la vérité plus loin, il est désirable de la voir chercher plus haut.