PEINTRES CLASSIQUES

M. Bouguereau : Ame au ciel et Nymphée. — M. Rixens. — M. Ulman : Sylla chez Marins. — M. Gustave Boulanger. — M. Hébert. — M. Henner et ses Naïades.

M. Bouguereau est, comme M. Cabanel, un des plus fermes champions de l’art classique. Prix de Rome et distingué par l’Institut dès ses débuts, il n’a pas cessé de donner des gages de fidélité aux principes traditionnels de notre école. Les excursions qu’il a faites dans la peinture rustique ou badine lui ayant médiocrement réussi, M. Bouguereau s’est repris, avec une méthode persévérante que le succès encourage, aux diverses branches de l’art sérieux : non pas qu’il aborde volontiers les sujets d’histoire proprement dits; mais les tableaux religieux le séduisent , et il aime à les traiter concurremment avec les motifs mythologiques.

On peut même tirer de cette double et parallèle recherche une occasion trop facile de critique. M. Bouguereau professe un éclectisme rare ; l’art dont il s’est fait

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le propagateur est singulièrement mélangé. Si le peintre prétend donner à tous les amateurs pieux ou mondains, mystiques ou profanes, une satisfaction d’accord avec leurs goûts, il a chance de réussir au gré de ses souhaits. Sa galerie est un pandémonium où les scènes et les personnages les plus divers se trouvent juxtaposés : les nymphes et les saintes, les anges et les satyres, les vierges folles et les vierges sages, s’épanouissent fraternellement, sous la brosse impassible de l’auteur. Est-ce insouciance artistique et religieuse? Est-ce préoccupation mercantile? et M. Bouguereau veut-il, dans un but de spéculation médiocrement louable, plaire à tous les spectateurs et conquérir tous les suffrages? Qu’il tranche luimême cette question délicate ! Je. me borne à constater les faits qui permettent et font un devoir de la poser.

Juste en face d’un grand tableau qui paraît pour la première fois, une Ame au ciel, dont le sens est en parfait rapport avec le titre, on voit, sous la rubrique de Nymphée, peinture également nouvelle, toute une nichée de déités antiques, lesquelles, émaillant avec une étonnante complaisance les eaux et les gazons de leurs charmes nacrés, font avec le premier un singulier contraste.

Le critique ne peut que signaler avec quelque surprise de semblables incompatibilités.

Toute l’exposition de M. Bouguereau, qui ne contient pas moins de neuf spécimens, sans parler des portraits, présente les mêmes anomalies.

Flore et Zêphire papillonnent sous les yeux de la Vierge, de X Enfant Jésus et de Saint Jean-Baptiste ; la Jeunesse et r Amour roucoulent à côté d’une Pietà baignée de pleurs.

Encore une fois, est-ce indifférence de sentiments ou de principes? De tels rapprochements surprennent et choquent les spectateurs les moins délicats.

Il faut reconnaître d’ailleurs que les sujets sacrés et profanes sont traités par l’artiste non-seulement avec le même dilettantisme, mais avec une compétence pareille. L’auteur passe avec facilité de l’alcôve à l’oratoire, et réciproquement. Ses nymphes sont charmantes dans leur genre et s’arrêtent juste au point où elles pourraient se brouiller avec la police.

Son Ame au ciel n’est pas moins réussie.

Une jeune fille morte, rigide, pâlie, les chairs marbrées, les veines bleuies, les mains croisées sur des fleurs qui s’effeuillent, modeste, pure, endormie dans le Seigneur, est portée par deux anges, aux ailes déployées, vers les demeures supérieures. Un troisième chérubin, messager de paix et de bonheur, précède le groupe éthéré; la palme à la main, il touche déjà aux sphères lumineuses et prépare l’arrivée triomphale de la vierge.

Les anges, la morte, ont une expression de calme, de sérénité, de repos idéal. La félicité divine est empreinte sur les traits immobiles de l’une, sur les visages compatissants des autres. Le sentiment chrétien est incontestablement bien saisi : il est juste, pur, émouvant; il sort

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du cœur, il va au cœur. Gomment l’artiste peut-il appliquer le pinceau qui a rendu toutes ces douces béatitudes aux audacieuses anatomies qui sont en face ?

Il y a là un problème d’esthétique dont peu de peintres ont offert des termes aussi étranges que M. Bouguereau.

Quant à l’exécution, je ne fais également nulle difficulté de reconnaître qu’elle s’inspire des bonnes traditions. Des connaisseurs reprochent durement à M. Bouguereau la facture léchée, polie, et la touche blaireautée qui font ressembler ses toiles à de la porcelaine. Ces critiques, plus sensibles probablement à l’auteur que les observations adressées au caractère composite de ses ouvrages, ont quelque fondement; mais, en dépit de ses surfaces trop lustrées, la peinture est ferme, sévèrement dessinée , bien modelée, d’une couleur solide et tempérée.

Au résumé, les figures de M. Bouguereau, comme celles de M. Cabanel, restent de bons échantillons de la peinture française telle que le tempérament national l’a toujours recherchée et pratiquée.

Le groupe symbolique de la Charité , personnage de femme, assise au milieu d’enfants qu’elle soulage, possède les mêmes qualités extérieures, jointes à un caractère de compatissance tendre et auguste très-frappant.

Les portraits de l’artiste sont également recommandables; soit qu’ils représentent des prélats avec leur majesté épiscopale — - Portrait de l'évêque de la Rochelle — ou des entrepreneurs commerciaux avec leur physio-

nomie bonhomme, plébéienne et pensive — Portraits de M. et de Mme Boucicaut — ils ont tous de la finesse et de la vie, une couleur sobre, appliquée avec science et sûreté, et un vif accent de réalité, relevé par le style.

A la suite ou à côté des deux maîtres dont les œuvres forment le sujet des pages précédentes, le critique trouve une série considérable d’artistes qui suivent les mêmes voies. Le mouvement contemporain de l’École française s’accentue de plus en plus dans le sens des études classiques. Le romantisme expire; le réalisme, son rejeton légitime, n’a pas le souffle nécessaire pour porter sur les hauteurs ni entraîner longtemps l’attention publique; l’avenir est aux peintres fidèles aux leçons éternelles et aux nécessités de l’idéal. Après la tourmente, on aime à regagner les abris sûrs. Bien avisés sont ceux qui rompent avec les exagérations ou les bassesses de novateurs condamnés à la stérilité, et qui, refaisant la parabole de l’Enfant prodigue, reviennent au foyer paternel. J’ajoute que la troupe de ces peintres, sujets à résipiscence, s’accroît de jour en jour. Jamais, peut-être, l’École française n’a possédé plus d’adhérents aux immuables vérités de l’esthétique. La jeunesse presque entière, du moins la plus forte et brillante fraction de la jeunesse, se retrouve par des chemins directs ou détournés, avec des variantes qui font la diversité et la force de notre art, dans la ligne tracée par les ancêtres.

Nous allons rapidement passer en revue ces forces

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anciennes et nouvelles. Le lecteur, en me suivant, saura à quoi s’en tenir sur la marche, les tendances et l’état de l’École. Quand il aura compté avec moi les soldats nombreux qui se pressent au Champ de Mars, il aura une idée exacte de la situation et des ressources de l’art national contemporain.

La plus grande partie des artistes et des toiles que je vais signaler est connue. C’est pourquoi je me contenterai de les rappeler, une note sommaire devant suffire au développement méthodique et au résultat annoncé de la statistique.

M. Rixens, M. Ulman, M. Gustave Boulanger, les deux derniers prix de Rome, exposent de grandes scènes d’histoire romaine, remarquables par des recherches pittoresques et des éléments dramatiques qui les rajeunissent et les rehaussent.

Tel sera, tout compte fait, avec quelques productions saisissantes, le grand bienfait, sinon le seul, du passage du romantisme en ce siècle. Il aura forcé ses adversaires à sortir de données historiques banales ou fausses, et à puiser dans une étude plus approfondie des hommes et des choses un moyen sûr de les revivifier. Finalement il aura servi à ranimer la peinture d’histoire et à la rendre plus exacte et plus intéressante.

Le Cadavre de César , de M. Rixens, porté par deux esclaves, au milieu de la ville déserte et terrifiée, est une page cl’un beau caractère, qui rentre tout à fait dans ces observations.

Pareillement le Sylla chez Marius, de M. Ulman, scène de compétition républicaine et d’élection à Rome.

Voici un exemple touchant des douceurs de la souveraineté populaire et du suffrage universel ; à ce point de vue seul il mérite l’examen. Les poignards se mêlent agréablement aux bulletins de vote ; les coups escortent les intrigues et impriment le nom des candidats dans le cerveau des électeurs.

Héritiers des Romains en ligne collatérale, nous avons jugé bon de reprendre ces pratiques fécondes; l’expérience des anciens ne nous a pas suffi. Elles aboutirent dans Rome à l’écrasement de l’oligarchie, contrainte de les tolérer, et à l’avénement du césarisme; finalement, à la ruine de l’État. Encore un peu de temps, et nous connaîtrons leurs bienfaits et leurs conséquences parmi nous ! Tous les héros des futures discordes et des futurs despotismes sont ici représentés sous des traits authentiques pris aux monuments de l’époque : Sylla, Marius, César, Pompée, Cinna, Brutus, Carbon. Cette réunion défigurés légendaires, fixées avec un soin extrême et rendues avec force, emprunte aux événements qui les enveloppent ou qui vont suivre un très-vif intérêt.

Plein de sagesse, de sobriété, de relief, et conforme aux grandes traditions, malgré son caractère insolite et lugubre, le Saint Sébastien et Maximien en présence , de M. Boulanger, nous ramène aux temps où le christianisme naissant allait donner une nouvelle et plus durable royauté au romanisme expirant.

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D’autres tableaux de chevalet du même artiste : la Promenade à Pompéi , Un bain d'été à Pompéi, Comédiens romains, reconstruisent avec beaucoup de science et de goût la vie familière de Rome; tandis que des toiles pittoresques, C'est un émir ! notamment, rappellent avec finesse l’éclat de la vie africaine. La solidité souple et grasse de la facture recommande ces petits cadres aux connaisseurs.

La Filleule des fées de M. Mazerolle , entourée, comblée par les fées, en costumes olympiens, elle-même inconsciente et maussade, comme il convient à une enfant gâtée, est un tableau large, savant, décoratif, composé probablement pour servir de modèle à une tapisserie, et qui forme déjà une bonne tapisserie. Les Agapes , du même artiste, peinture d’un sentiment pur et d’une coloration charmante, rappellent une Cène de Subleyras, un des cadres les plus souples et les plus clairs du Louvre.

M. Barrias est l’auteur d’un tableau bien local, envoyé de l’École de Rome, les Exilés de Caprée, placé au Luxembourg. Prix de Rome oblige : M. Rarrias ne quitte pas les rivages où il a trouvé et trouve encore le succès. Son Electre et sa Mort de Socrate rentrent dans ces machines que le public a le tort de délaisser, et que les vrais amateurs doivent encourager.

M. Hébert, nous ne sortons pas des prix de Rome, enlève parfois leurs nippes pittoresques à ses héroïnes de la Malaria; mais il leur laisse leur grâce contempla-

tive. Habillées ou nues, nymphes des bois, riveraines du Tibre, ses figures ont toujours la même expression de rêverie nostalgique concentrée dans leurs yeux noirs et profonds; ce sont toujours les mêmes types, sous des aspects différents. Le public s’en arrange; ne soyons pas plus difficiles.

M. Henner est un tenant distingué de la mythologie; mais, tout en fréquentant les lieux sacrés, les bocages et les eaux lumineuses de l’Arcadie ou de l’Attique, il reste homme du Nord, et donne à toutes les miroitantes visions du génie méridional je ne sais quelle douceur vaporeuse et quelle mélancolie voilée qui les renouvellent et en doublent l’effet. Le mélange des produits opposés de deux races, je veux dire de l’imagination grecque et de la rêverie germanique, est le fond et le trait dominant de la peinture plastique de l’artiste alsacien.

Ses motifs, d’ailleurs, ne varient guère. Qu’il montre la Femme au divan noir, le Soir ou les Naïades, c’est toujours la même évocation d’un naturalisme raffiné, plus entraînant et plus dangereux peut-être par le sentiment mystérieux qui l’accompagne.

Je ne méconnais point les difficultés et les mérites de cette espèce de peinture, pas plus que je n’en dissimule le vide moral et les périls. Si l’art a pour but uniquement de rendre la beauté physique, et en premier lieu la beauté féminine, l’auteur et ses partisans ont raison ; si l’art, au contraire, cherchant un but plus relevé, doit arriver à l’âme par les yeux et portera l’invisible par les

choses visibles, lui et ses amis ont incontestablement tort.

Posons la question en laissant au lecteur le soin de la décider.

Au point de vue technique, rien n’est moins facile à traiter que le genre adopté par l’artiste. Un corps nu placé en plein air et fondu dans la nature constitue le dernier mot de l’habileté d’un peintre. M. Henner réussit à résoudre le problème avec des qualités qui lui sont propres.

Les Naïades , exposées pour la première fois, offrent un modèle considérable de sa manière et de son talent.

Une demi-douzaine de déités antiques se reposent et sèchent leurs beaux corps sur des gazons fleuris, au milieu de bosquets sombres, le long d’un fleuve aux ondes bleues. Toutes sont variées d’attitudes et d’expressions, mais également voluptueuses. Toutes sont blondes avec des tons divers; le brun est exclu avec un tel soin de la gamme des chevelures, qu’il faut croire que l’artiste a fait vœu de plaire uniquement aux blondes, à moins qu’il n’ait pas encore trouvé le moyen, ce qui est possible, de mêler le noir à la verdure.

Tous ces corps nus sont peints avec des caresses de louche et des colorations semi-lunaires d’une finesse et d’une douceur exquises.

Je parle en critique d’art, sans vouloir insister sur des réserves morales que je trouverai l’occasion de répéter.

Dans le tableau capital que nous examinons, les pro-

cédés de l’artiste s’accusent nettement. Il sacrifie la nature, indique à peine le paysage, assombrit systématiquement la verdure et les bois, pour donner aux figures plus de valeur. Des bocages, des terrains, des gazons d’un vert foncé à peine brossés, à demi éclairés par un ciel bleuâtre, réfléchi sur les eaux, font saillir les corps légèrement dorés qui se meuvent dans la lumière. Leurs contours adoucis, leurs lignes vagues se confondent avec les objets environnants. On ne peut saisir la délimitation des membres et des accessoires qui les touchent. N’en est-il pas ainsi dans la nature ? La ligne existe-t-elle à l’état d’intersection violente et ne se noie-t-elle point, au contraire, par nuances insaisissables et infinies, dans les rayonnements de l’air ambiant?... Les artistes anciens qui avaient l’habitude de suivre le corps humain sous le soleil et la verdure auraient pu répondre par des expériences décisives. Un artiste moderne ne peut guère se guider que par des inductions.

Quoi qu’il en soit, la vaporeuse indécision des corps de M. Henner en fait l’originalité et le charme. Il est difficile de distinguer le point précis où les personnages sortent du paysage : et pourtant ils en sortent, avec un relief extrême et le mouvement de corps vivants. La nature n’a pas plus d’intensité ni d’action.

Ce mélange de vigueur et de grâce, de souplesse et de rehaut, de force et de moelleux, séduit justement les hommes au courant des difficultés et du mérite technique d’un ouvrage.

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Répréhensibles au point de vue des principes sévères et des exigences éternelles de l’art, les œuvres païennes et sensuelles de l’auteur réunissent un ensemble de qualités matérielles qui forcent l’attention et assurent leur succès.

Les défauts d’exécution qu’il est aisé de signaler, les ombres portées souvent trop fortes, les lacunes, les gaucheries visibles viennent d’un parti pris qui, loin de prouver la naïveté, démontre la science consommée de l’artiste, et couronnent ses visées.

Ces fautes voulues s’exagèrent dans le Christ descendu de la croix, et ne sont pas rachetées par la dignité ou l’élévation du sentiment. M. Henner n’a rien à faire dans les voies de l’idéal chrétien, où il reste maladroit et déplacé.

Ses nombreux portraits, et particulièrement le Portrait de d/me Karaiiébia et le Portrait de M. Hayem, également indécis, flottants et trop gris, regagnent, par le modelé des formes et la profondeur de la vie, ce qu’ils perdent du côté des défectuosités systématiques de la facture.