Voir h Y Appendice

min a saisi avec énergie le visage à la fois rude et bonhomme d'Auguste Luchet, et M. Ferru a bien exprimé la physionomie de Florentin de Masaccio qu'avait Gustave Ricard. Parmi les œuvres supérieures de cette année, je range volontiers le Réveil, de M. Jules Franceschi, un marbre d'une grâce savoureuse et charmante.

Les deux statuettes de bronze argenté, le Fauconnier et la Damoiselle de M. Fremiet ont le caractère absolu des figurines du moyen âge. Gela est tout à la fois coquet et savant.

La statue de Ronsard par M. Irvoy est une édition du grand poëte que je trouve trop monumentale. Je lui préfère le buste de Biaise Pascal par M. Laurent-Daragon qui s'est attaché à rendre, dans sa vérité idéale, le visage pensif de l'auteur des Provinciales.

Mademoiselle de Latry, élève de madame de Cool, auteur d'une très-jolie Nymphe Écho, nous offre une mademoiselle Pierson assez maigre, et qui n'a rien du charme de son modèle.

Il y a une grâce absolue dans le buste d'enfant tout éveillé et souriant qu'expose M. Hector Lemaire. Les bustes de M. Hiolle sont fort remarquables aussi, et M. Marcellin, sans être en progrès marquant, figure au Salon de 1873 avec une bonne exposition.

La Chasse au Faucon (groupe cire) de M. P.-J, Mène est digne de la vieille réputation de l'artiste qui l'a signée, c'est tout dire. Cela est très-fin, très-vivant et d'une élégance infinie.

M. Oliva envoie deux statues, dont une en marbre représentant l'abbé Deguerry, curé de la Madeleine. C'est un bon morceau de sculpture funéraire où le per-

sonnagc est fort ressemblant et représenta dans une pose sans recherche, mais terriblement dramatique. La statue de plâtre qu'expose encore M. Oliva et qu'il destine aussi à un monument funéraire a les mêmes qualités solides et sobres.

Je m'attache surtout, on le voit, à noter simplement ce qui m'a le plus frappé dans mes visites au jardin de la sculpture. J'arrive d'ailleurs à la fin d'une énumération qui serait inutile, à trois année de dislance. La Chaste Suzanne, de M. Prouha, mérite d'être signalée, même après la Jeune Fille à la fontaine de M. Schœneverk d'une grâce si aimable, d'un dessin si pur. On n'a pas oublié cette fillette aux formes virginales, à demi courbée vers l'eau qui coule. M. Schœneverk a signé là un des jolis morceaux de sculpture du Salon de 1873.

Parmi les gravures et les lithographies qui, cette année, ont figuré à l'Exposition, j'ai noté : Mademoiselle Bœtzel, qui a supérieurement gravé sur bois un Portrait de femme d'après Franz Hais; M. F. Bonvin, le peintre, qui figure avec des eaux-fortes dignes de son pinceau; Rodolphe Bresdin, l'aquafortiste excentrique, le Chien-Caillou de Champfleury; M. Hubert Glerget qui envoie deux lithographies curieuses de paysages chinois ; M. Jules David, Y illustrateur, qui a gravé à l'eau-forte les principaux tableaux de Louis David; M. Léopold Fiameng, dont on ne saurait trop louer les élégantes eaux-fortes pour les Contes de la Reine de Navarre et les Contes de Boccace que publie la librairie Jouaust. Ces gravures ne figurent malheureusement pas au Salon où M. Fiameng est représenté par un portrait et la gravure d'un dessin de M. Mazerolle. Mais il les faut aller chercher où elles sont, chez Jouaust, et

toul amateur doit se hâter de se procurer ces Contes de Boccace et de Marguerite de Valois, déjà rares aujourd'hui et qui seront introuvables demain.

M. Léon Gaucherel a gravé avec finesse, à Teau-forte, les portraits de Got et de Coquelin cadet dans Maître Pathelin. Les eaux-fortes de M. Hédouin, d'après madame Henriette Browne et M. Bida, sont fort belles. Et celles de M. Jules Jacquemart d'après Greuze, Goya, Van Cuyp et Van Ostade ! Je n'hésite pas à dire que ce sont des chefs-d'œuvre.

Les gravures sur bois de M. Joliet — qui, si je ne me trompe, est également artiste dramatique — sont tout à fait réussies. Nous connaissions, pour l'avoir admirée, la magnifique eau-forte de M. Laguillermie, d'après la Reddition de Bréda, de Vélasquez. C'est le fameux tableau, dit des Lances, et je ne crois pas qu'on ait de plus près serré et plus étonnamment rendu un original que ne l'a fait là M. Laguillermie.

Je signalerai encore les eaux-fortes réalistes, violentes, superbes de M. Lançon; c'est la guerre telle qu'elle est, les eaux-fortes de M. Maxime Lalanne, d'après Ruysdael, Van Goyen, Troyon, etc. ; le Janissaire, lithographie par M. J.-J.-A.Laurens, d'après Decamps; les eaux-fortes de M. Fr. Pierdon et les jolis et vivants portraits de M. Rajon; enfin, les eaux fortes du peintre Veyrassat et les gravures sur bois de M. Yon. Il y a là un talent rare et la gravure est certes une des branches de l'art qui donne, depuis quelques années, le plus de fruits et des meilleurs.

En fin de compte, il y avait à faire — pour nous en tenir à celle comparaison — une ample récolte de ces petits fruits à travers le Salon de 1873. Ce qui man-

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quait, ce qui manquera longtemps sans doute, c'est le blé, le froment artistique, mais ce froment-là s'appelle, en réalité, d'un autre nom : le génie. C'est la denrée rare, c'est l'oiseau insaisissable, c'est, le chêne puissant qui met cent ans à grandir. Tenons-nous-en aux branchettes, aux baies savoureuses, aux grappillons cueillis en chemin. Et qui sait si de tous ces talents divers, de cet éparpillement d'habileté, de curiosité, d'aptitudes diverses ne sortira pas le tempérament vigoureux, solide, génial, qui s'imposera à la foule et donnera une gloire nouvelle à la nation?

C'est sur ce souhai t (et sur ce doute) que je veux clore ces pages données au souvenir du Salon de 1873.

MM. GEROME, HENNER, PR10U, GERVEX, VOLLON , H. LEVY, LEROLLE, J.-P. LAURENT.

C'est à dessein que nous avons attendu jusqu'à présent (juin 1874) pour passer en revue les œuvres d'art exposées au Salon de cette année. Il y a deux méthodes différentes pour bien juger d'un pareil assemblage de tableaux et de statues : ou Ton se contente, après quelques rapides coups d'œil, d'une impression générale; ou Ton revient, après réflexion, sur ses premiers jugements, et, au bout d'un certain temps, on se trouve peut-être mieux en mesure de donner une opinion raisonnée. Le public, d'ailleurs, dont les critiques ne sont pour la plupart que les porte-voix, a déjà, comme les artistes eux-mêmes, fait connaître ses préférences et décerné, lui aussi, ses couronnes. On peut beaucoup mieux, après un mois d'examen, se rendre compte de l'effet produit, de l'ensemble des efforts individuels, de l'état de l'art tout entier, aussi bien que des progrès ou des chutes particulières. Voilà pourquoi nous commençons, au lendemain de la distribution des médailles, c'est-à-dire lorsque les vainqueurs et les vaincus de

cette lutte courtoise sont connus, une revue du Salon où nous ne nous occuperons que des œuvres les plus caractéristiques, intéressantes par leur valeur, l'originalité qu'elles affirment, les tendances qu'elles accusent.

Et tout d'abord, il faut bien avouer que le Salon de 1874 ne marquera point par une de ces productions éclatantes qui deviennent une date dans l'histoire de l'art. Quelques rares personnalités s'y affirment ou s'y maintiennent avec des œuvres réellement fortes et hors de pair, mais la généralité des artistes semble abandonner ce qu'on est convenu d'appeler, avec raison, la grande peinture, pour se livrer à un art plus facile, plus agréable à la fouie et d'un débit plus rapide. L'industrialisme, pour me servir d'un mot assez laid qui couvre une chose fort peu artistique , Y industrialisme est le souverain maître; il envahit tout, il inonde, il déborde. La peinture étant devenue à la mode, les amateurs, se faisant plus nombreux, sont naturellement moins choisis, et ce qu'ils aiment, ce ne sont plus les vastes productions, les compositions élevées, les grandes toiles réservées aux seuls musées de province ou aux murailles des églises, ce sont les anecdotes plus ou moins spirituellement contées, les peintures de genre, et, comme dit un personnage de M. Aiigier, les tout petits tableaux qui ne sont pas meublants. Ces sortes de peintures étant d'ailleurs d'une exécution moins rude, il en résulte que l'art tourne de jour en jour au métier, et que le nombre des peintres capables de brosser proprement un de ces croquis agréables aux foules augmente chaque année. Il y aurait, sans chercher bien loin, une statistique à faire de tous les gens à métiers

artistiques, comme les peintres sur porcelaine, les peintres de Sèvres, les décorateurs, les dessinateurs sur étoffes, etc., qui font réellement de la peinture, qui exposent, et dont les noms figurent sur le livret. Ils étaient l'exception autrefois : aujourd'hui ils sont devenus légion. L'art industriel confine donc maintenant à l'art proprement dit, ou plutôt la peinture est devenue, dans sa généralité, quelque chose comme un art industriel.

On me demandera peut-être ce que c'est, en somme, que le grand art etla grande peinture dont on parle tant. Téniers, Ostade et Brauwer sont plus près de l'absolu grand art, en de petits tableaux, que le Guide ou les Carrache dans toutes leurs compositions à la fois. Je ne le nie point, et ne mesure pas la grandeur du peintre à la hauteur de sa toile; mais, au lieu d'une définition, je répondrai par une comparaison, pour faire entendre ce que l'on comprend par la grande peinture.

Un homme, un artiste, se dit un jour : Et moi aussi je suis peintre! Il se sent poussé vers cet art par une vocation qu'il croit irrésistible. Il débute presque toujours, dans ses vastes espérances, par le rêve magistral : il fixera, se dit-il, sur la toile, la figure humaine; il évoquera du bout de son pinceau les grandes scènes de l'histoire. Que si le rêve ne se réalise point, si ses espoirs retombent, les ailes brisées, notre homme se rabattra sur l'observation. Il se contentera alors des scènes de genre. Puis l'homme, la figure humaine, même à l'état de figurine, étant difficile à traiter, ce même artiste se réfugiera bientôt dans un genre plus accessible, il observera toujours, mais il observera maintenance /?«y.w/r. La plupart des paysagistes, en effet, sauf les gens de

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génie, Jules Dupré, Théodore Rousseau, Corot, nés avec l'amoureux instinct de la nature inanimée, sont des peintres qui, ne pouvant atteindre à la hauteur de leurs imaginations, se sont contentés de leurs impressions. Et je ne crois pas que Ton puisse mieux définir les divers degrés de l'échelle descendante de l'art qu'en notant ainsi cette rapide histoire de la chute d'un artiste. 11 y aurait encore, après ce dernier échelon, une chute suprême, et, au bout de tant de rêves déçus, l'artiste manqué pourrait fort bien tomber dans le métier absolu et se ferait, par exemple, photographe. Ne rions pas : la photographie peut déjà entrer presque victorieusement en ligne de compte, et on aperçoit clairement son iniluence dans plus d'une œuvre exposée au Salon et qui porte encore orgueilleusement — et en toute fausseté — le nom d'œuvre d'art.

Voilà donc qui est redit une fois de plus : la petite peinture est aujourd'hui la peinture en faveur auprès du public, et, par conséquent, la peinture le plus volontiers caressée par les artistes. Nous aurons quelque peine à trouver, parmi les tableaux exposés, ce coin de grandeur dont parlait Eugène Delacroix, et qui ne manquait à aucune de ses toiles, même les plus petites. Ce n'est pas à dire qu'il n'y ait, au Salon de 1874, plus d'une œuvre magistrale, mais le jury lui-même, qui vient de décerner la médaille d'honneur à M. Gérôme, n'a-t-il point, à son tour, suivi le courant et sacrifié un peu plus qu'il n'eût fallu à la mode?

L'exposition de M. Gérôme est excellente, j'en conviens. Il y avait longtemps que le peintre du Combat do Coqs, œuvre un peu sèche ei froide, mais curieuse, el de ce Duel de Pierrot, qu'on a pu voira l'exposition

des Alsaciens-Lorrains, et qui reste le meilleur tableau do son auteur; il y avait des années, pour ainsi dire, que M. Gérôme n'avait composé de petites scènes avec le talent, l'esprit et le soin qu'il a apportés à ses trois envois de cette année. Nous sommes loin, fort heureusement, des petites statuettes inanimées — prodige de science archéologique — que M. Gérôme plantait naguère dans le Cirque sous l'œil ému des Vestales.

Les personnages qu'il met en scène vivent réellement, cette fois, et donnent au public une agréable comédie. Mais, enfin, ce ne sont là que des tableaux de genre, de jolis, d'adorables tableaux, si l'on veut, mais qui ne paraissaient pas destinés, on l'avouera, à mériter à leur auteur la plus haute récompense qu'un artiste puisse ambitionner.

Je dis que la mise en scène en est fort soignée, et c'est bien la comparaison qui convient. M. Gérôme a prestement enlevé là trois actes intéressants dans le genre de ces vaudevilles historiques dont M. Ancelot autrefois avait le secret. C'est le môme esprit et la même adresse, avec le stvje et la couleur en plus, ce qui est beaucoup, je le sais. L'Éminence grise est déjà célèbre : la photographie et la gravure s'en sont emparées à la fois. Ce moine, maigre et fier, qui descend lentement le grand escalier du Palais-Cardinal, tandis que, sur les mêmes marcbes, un groupe de courtisans et de prélats courbent l'échiné devant lui, cette apparition de la toutepuissance recouverte du froc et méprisant la tourbe des gentilshommes en habits de soie, qui saluent humblement l'àme damnée de Richelieu, cette scène, trèshabilement traitée, laisse vraiment une impression profonde» Le moine descend et les courtisans montent.

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Un assez vaste espace sépare ce solitaire, qui demeure le nez dans son bréviaire, de ce tas de grands seigneurs platement inclinés. M. Gérôme s'est souvenu, dans cette composition, du fameux Duc de Guise dePaulDelaroche, et de l'effet dramatique produit par le cadavre du duc remplissant seul un coin du tableau, tandis que l'autre est occupé par le groupe du roi et des Quarante-Cinq. Le père Joseph, debout et marchant solitaire, donne à peu près la même impression que le duc mort et «plus grand couché que debout. » M. Gérôme s'est souvenu qu'il avait été élève de Delaroche. Cette figure altière et sombre de FÉminence grise est, d'ailleurs, la partie la plus remarquable du tableau. Elle est bien dessinée, bien plantée, excellemment peinte. J'aime moins la cohue des courtisans, qui semblent un peu plaqués et collés les uns sur les autres. L'air manque entre leurs vêtements et leurs personnes. Leurs physionomies craintives, leurs regards peureux sont, au reste, finement observés. Un coup de soleil, qui vise au trompel'œil, projette çà et là ses taches lumineuses sur les marches de marbre de l'escalier. La toile tout entière est gaie et agréable à voir. C'est vraiment là, je le répète, de la bonne comédie d'histoire anecdolique.

Les trois tableaux de M. Gérôme ne sont, il est vrai, que des anecdotes. Rex Tibicen, c'est le roi Frédéric de Prusse jouant de la flûte à Sans-Souci sous un busle railleur de Voltaire . Le vainqueur de la Silésie, botté et crotté, se tient debout devant sa partition et joue quelque ariette, tuut en songeant encore aux dépêches qu'il vient de décacheter. Les chiens légendaires, ses grands lévriers, se vautrent un peu partout sur les tapis et sur les chaises. M. Gérôme a reconstruit, avec

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un bonheur achevé, tout le mobilier rocaille et rococo du temps de Louis XV. Ces dorures, ces incrustations de bronze, ces rinceaux, ces merveilles sont rendues avec un art infini. On ne souhaiterait pas d'avoir, dans son cabinet de travail, un tableau plus intéressant et moins fait pour lasser.

J'aime beaucoup moins ces deux figures de Molière et de Corneille que M. Gérôme appelle une Collaboration. Dans une petite salle assez sombre, Corneille, vieilli, attablé devant Molière qui écoute, lit à Molière un des actes de Psyché. Molière, son œil de songeur braqué sur le vieux poëte, suit avec l'attention la plus profonde, tout en serrant son doigt entre ses dents, cette lecture d'un chef-d'œuvre qu'il devra compléter. La figure de Molière, le noble profil de Corneille, le cadre même delà scène, tout est traité avec beaucoup d'art et de soin. Mais ce tableau, qu'on a cependant pu comparer à un Terburg, me paraît trop sourd et d'un ton triste. M. Gérôme a suivi la tradition en donnant au vieux Corneille cette belle tête d'hidalgo chevaleresque; mais il y a, au musée de Rouen, un portrait de Pierre Corneille vieilli qui est bien différent de ces autres superbes portraits; sans moustaches, le front ridé et étouffé sous l'immense perruque du temps de Louis XIV, les lèvres déformées, les joues pendantes, le malheureux Corneille n'est plus là l'homme élégamment hautain des fameuses stances à la marquise :

Marquise, si mon visage

A quelques traits un peu vieux,

Souvenez-vous qu'à mon âge

Vous ne vaudrez guère mieux....

Il est, au contraire, un vieillard dompté, courbé, dé-

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figuré par l'âge, et rendu quelque peu ridicule par la gigantesque perruque dont il eslcoifïé. Mais ce portrait est-il authentique? J'en doute. M. Gérôme s'est tenu au fier et magnifique Corneille de la tradition, et il a bien fait.

Nous n'aurions eu que des éloges à adresser à ces peintures de M. Gérôme, si l'on ne s'était avisé de les désigner à la foule, par une récompense éclatante, comme les œuvres les plus remarquables du Salon. On a voulu, me dira-t-on, récompenser en M. Gérôme toute une longue existence de travaux et de succès; mais, si l'on tenait à couronner une vie de peintre , n'avait-on pas M. Corot, qui n'a jamais obtenu la médaille d'honneur, et que son âge, aussi bien que sa renommée, désignait aux suffrages du jury? Et si l'on voulait décerner, en dehors des considérations d'âge et de travaux antérieurs, une récompense à l'artiste qui, loin de la foule, face à face avec son idéal, cherche ce qu'il croit le mieux; si l'on voulait désigner à l'attention du public la simplicité dans le sujet, le charme dans la facture, l'honnêteté dans l'exécution d'un tableau, n'avait-on pas M. J.-J. Henner, dont les envois ont mérité qu'il entrât, du moins, pour cette grande médaille, en lutte avec M. Gérôme et avec M. Corot?

M. Henner est un tempérament ou plutôt un talent solide, fait de sincérité et de volonté. Sa peinture, dès le premier abord, vous frappe par je ne sais quel accent magistral. On se sent, en regardant ses deux tableaux religieux, devant quelque chose d'élevé et de supérieur. La couleur, cette couleur argentée et charmante, séduit et donne ridée de toiles que le temps aurait déjà consacrées- Ces chairs ont la saveur et Tin-

tensité de vie des chairs d'un Corrége. Le nu est la pierre de touche de l'artiste, et la chair humaine est, en peinture, la difficulté suprême. Il faut avoir le don pour la rendre, et, dès ses débuts, M. Henner sut donner à ses figures et à ses académies l'aspect de la vie même. La figure d'Abel, dans son tableau de concours pour le prix de Rome, était déjà digne de cette Madeleine au désert, de ce Bon Samaritain et de l'admirable Idylle qu'on retrouve au musée du Luxembourg. Le lauréat annonçait déjà le maître. Aujourd'hui, M. Henner a cependant donné à sa couleur plus de moelleux et plus de charme. Je ne sais pas de morceau de peinture supérieur et seulement comparable, dans le Salon de cette année, à la tête et au torse de ce vieillard, le bon Samaritain, qui se penche sur le blessé. Le crâne caressé par une lumière vaporeuse, l'épaule, le bras, d'une couleur pleine de suc, donnent l'idée de quelque robuste et maigre personnage de Ribera, dont une grâce particulière de pinceau aurait corrigé la rudesse. M. Henner a comme fondu, dans ce beau tableau, l'énergie réaliste d'un maître, espagnol avec le charme élégant d'un Italien.

La Madeleine dans le désert, vue de profil et étendue dans une grotte, les yeux clos, demi-nue et les mains croisées, n'a pas moins de qualités souveraines. On pourra reprocher à M. Henner de moins se soucier du choix de ses sujets, de l'arrangement de ses tableaux, que de leur couleur même et de leur exécution. Il est en cela l'absolu contraire de M. Gérôme, qui lientavant tout à intéresser et à amuser. Mais le peintre de la Madeleine ne pourra-t-il vous répondre que les peintres d'autrefois, et les plus grands, s'inquiétaient peu,

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eux aussi, du sujet et de l'intérêt du drame? Ils lenaient, étant peintres, à faire surtout de la peinture, et M. Henner raisonne comme eux. Aussi bien est-ce une peinture tout à fait saine et pleine de caresse harmonieuse que cette Madeleine étendue ainsi, sa chair lactée rendue plus blanche encore parle contraste du fond sombre de la grotte, sur laquelle elle se détache, et par la draperie bleu de ciel dont elle s'enveloppe à demi. La peinture doit-elle être un amusement, comme le théâtre, un genre émouvant, comme le drame, ou divertissant, comme l'opérette? Alors les tableaux de M. Henner n'offrent qu'un intérêt secondaire. La peinture, — au contraire et en toute vérité, — doit-elle être une volupté pour la vue, un charme pour l'imagination, pour l'âme, un prétexte à rêver devant des taches de couleur jetées sur une toile, et cela, en dehors même du sujet, par la seule puissance et le seul attrait d'une opposition ou plutôt d'une gamme de tons? Alors les tableaux de M. Henner sont vraiment ceux d'un maître peintre, et méritaient la distinction suprême que quelques-uns des juges leur voulaient décerner.

L'œuvre la plus remarquable, il est vrai, de M. Henner, c'était un portrait, un portrait de femme, une femme en toilette de ville, vêtue sans luxe et passant dans la rue, son ombrelle ta la main. Un portrait ! Mais sait-on bien que le portrait est aujourd'hui le seul genre de peinture qui empêche la grande peinture de disparaître? Tandis que l'État seul, à défaut des particuliers, achète les grandes compositions, les tableaux d'histoire, les scènes mythologiques, presque tout le monde tient à son portrait. C'est par le portrait qu perpétue l'art de représenter la figure humaine, non

pas seulement le costume, l'extérieur même d'un personnage, comme dans le tableau de genre, mais le visage* humain, c'est-à-dire Pâme humaine. Un peintre capable de peindre un beau portrait, sera très-capable de composer, et surtout d'exécuter un bon tableau, tandis que l'artiste qui ne saura point rendre une figure d'homme ou de femme ne sera, quel que soit d'ailleurs son succès en d'autres genres, qu'un peintre médiocre. Le visage humain — ce visage qu'a proscrit l'art oriental, si curieux et si ingénieux, — c'est là, c'est bien là ce qui fait le désespoir, le charme, le tourment ou la gloire de l'artiste.

Le Portrait de madame ***, par M. Henner, est tout à fait excellent. Le visage est vivant, les yeux ont l'animation troublante et attirante de la vie. Cette femme inconnue hante votre souvenir dès que vous l'avez contemplée, et il y a je ne sais quoi d'énigmatique dans ces prunelles, cependant honnêtes et bonnes. M. Henner a représenté là, d'une façon inoubliable, un sphinx bourgeois qui fait songer à une autre Monna Lisa, moins impérieuse et plus modeste.

Quand je disais tout à l'heure que la grande peinture ne se mesurait pas à la hauteur du tableau, j'aurais pu ajouter aussi qu'elle pouvait s'accommoder avec tous les sujets. M. Priou, qui nous représente une Famille de satyres, assis sous bois et le père exerçant son fils à l'art d'une musique sylvaine, et M. Gervex, qui, lui aussi, peint des Satyres jouant avec une Bacchante, ont signé là, l'un et l'autre, des tableaux recommandables; mais en peignant tout simplement un chaudron et des poissons morts jetés tout autour, M. Antoine Vollon a fait, aussi bien qu'eux, de la grande peinture.

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11 y a cependant un vrai talent chez M. Priou et, chez M. Gervex qui, si je ne me trompe, sont fort jeunes. On ne pourrait guère leur reprocher déjà que d'être trop habiles. A vingt-cinq ou ving-six ans, il faut certes un peu plus de naïveté. Il y a une verdeur singulière dans le vieux satyre de M. Priou, faisant claquer ses doigts, le pouce contre l'index, pour marquer la mesure; la bacchante de M. Gervex, qui se vautre sur une draperie violette entre les bras d'un satyre assez laid, est un sujet bien traité ; mais il y a déjà là, je le répète, plus de chic et d'habileté que d'étude, et ces nus ne sont vraiment pas encore de la chair. Les jeunes gens, aujourd'hui, se contentent à trop peu de frais.

Que M. Vollon leur serve d'exemple. Il a lutté comme personne au monde. A Lyon, son pays, il gravait, pour vivre, des cartes de visite, il peignait des enseignes. Lorsqu'il commença à peindre des natures mortes et des Heurs, il vendait, il donnait presque pour rien des toiles qui étaient admirables. Jamais il ne désespéra, jamais il ne tomba dans le métier. Fidèle à l'interprétation exacte de la nature, il travaille constamment d'après le modèle. Ces poissons, qu'il nous représente, il faut que, achetés le matin, ils soient peints dans l'après-midi et mangés le soir au logis. Mais quelle largeur, quelle vigueur apporte M. Vollon dans cette interprétation des choses mortes! Que nous sommes loin des tableaux polis et brillants comme un miroir de M. Desgolïe! Je ne crois pas qu'on ait achevé un meilleur tableau, en ce genre, que le merveilleux tas d'armures que M. Vollon exposa en 1870, et qui figure aujourd'hui au Luxembourg. C'est un pur chef-d'œuvre. -Il en est de même de ce Coin de halle, où le chaudron reluit comme celui

d'une ménagère hollandaise. Cette peinture n'a qu'un défaut, trop de largeur, peut-être, et trop d'audace. M. Vollon Ta brossée avec tant de fougue que, laissant le pinceau à un moment donné, il s'est évidemment servi de ses doigts pour peindre — j'allais dire pour sculpter — les gros clous du chaudron. On reconnaît dans la pâte, la touche des phalanges et (c'est vraiment le cas de le dire) le coup de pouce du maître.

Ne vous étonnez pas que le peintre d'un chaudron figure en première ligne parmi les artistes remarqués au Salon. Diderot poussait des cris d'admiration aussi vifs devant un Chardin que devant un Greuze, et les Chardin sont toujours vivants, tandis que les Greuze menacent de n'être pas éternels. M. Vollon se maintient fermement à son rang particulier, tandis que plus d'un triomphateur des années précédentes perd évidemment du terrain. M. Henri Lévy, par exemple, l'auteur du magnifique Christ au tombeau de l'an passé, expose un grand tableau dont la coloration rappelle toujours, et à la fois, Eugène Delacroix et M. Fromentin, mais dont la composition, beaucoup trop diffuse, ne marque point de progrès chez un peintre encore jeune et justement célèbre. Ce tableau nouveau, Sarpédon, inspiré de la poésie homérique, est cependant traité d'une façon qui n'a rien, à coup sûr, de la grâce et de la simplicité du génie grec. M. Henri Lévy nous montre la Mort et le Sommeil apportant à Jupiter le corps de son fils Sarpédon, qui vient d'être tué au siège de Troie. La figure allégorique de la Mort garde une poésie saisissante, le cadavre du fils du dieu est bien dessiné et bien peint, mais le Jupiter de M. Lévy est man*

que absolument. C'est un Père éternel sortant d'une gloire d'occasion, ce n'est pas Jupiter que l'artiste a représenté. Nulle majesté dans ce dieu qui fait songer à quelque modèle majestueux posant tour à tour les divinités, les souverains et les fleuves. La couleur tout entière du tableau est papillotante; M. Lévy a fait abus de ces violets et de ces bleus à la Delacroix dont il était, du moins, plus sobre dans son Hérodiade et dans son Christ au tombeau. Je n'aime pas non plus cette profusion de draperies qui clapotent autour du groupe principal. La peinture et la sculpture du dix-huitième siècle ont abusé, elles aussi, de ces plis et de ces replis galamment arrangés. Et voihà justement le défaut capital de l'œuvre de M. Henri Lévy : on la prendrait pour une peinture du dix-huitième siècle, retouchée par un coloriste exaspéré dans la contemplation de Delacroix. M. Henry Lévy est cependant un artiste assez robuste, assez consciencieux, assez maître de lui-môme, pour ne plus s'abandonner au pastiche. La mort du talent, c'est le pastiche. Voyez au Salon M. Dehodencq, qui n'est plus lui, mais qui, par un avatar étrange, se trouve être Delacroix lui-môme : — Delacroix moins le génie. M. H. Lévy n'en est pas là, fort heureusement; mais il faut que le présent échec soit un coup d'éperon pour un peintre sur lequel la nouvelle école française est vraiment en droit de compter.

J'ignore si M. Henry Lerolle est aussi jeune que M. Lévy, mais ses deux toiles En Orientai le Baptême de saint Agoard et de saint Aglibert, destiné à l'église, de Créteil, dénotent un rare tempérament de coloriste. Cela est chaud de couleur et singulièrement mâle et hardi. M. Lerolle cherche l'harmonie dans les teintes

sombres, brunes, jusque dans le noir. Ses deux figures d'odalisques, /in Ornent, se détachent avec une vigueur heureuse sur un de ces murs blancs incandescents comme Decamps aimait à en peindre et comme Forluny en enlève en les poussant jusqu'à l'ophthalmie.

M. Jean-Paul Laurens, lui aussi, se plaît aux harmonies violentes, mais violentes dans les teintes neutres. Il se plaît également aux sujets religieux sombres et fiers, presque sépulcraux. On me dit que c'est un homme timide, vivant retiré au coin du feu ou dans l'atelier, et poursuivant sans bruit sa rude tâche. J'ignore si c'est parce que j'ai rencontré son nom à la première page d'une solide étude des mœurs cléricales, Y Abbé Tigrane, mais la peinture de M. J.-P. Laurens me rappelle invinciblement la prose et l'esprit de M. Ferdinand Fabre, son ami. C'est le môme accent et la même conviction; c'est aussi la même sécheresse > parfois inaccessible et même désagréable aux foules. Mais quel art dans cette peinture sérieuse et forte ! J'ai vu de M. J.-P. Laurens un Hamlet venant de tuer Polonius, qui, haut de trente centimètres, avait cependant la taille shakespearienne. Droit et roide, Hamlet soulève la lourde tapisserie derrière laquelle, sanglant, gît le vieux courtisan. Cette scène sobre et fermement traitée laissait une impression de force et de grandeur. Il en est de même de cette simple figure de Cardinal qui se détache, dans sa robe rouge, sur un fond de cuir de Cordoue. Assis et dépliant un parchemin, sa barbe noire entourant le bas d'un visage énergique et osseux, un diamant brillant sur le gant qui tient la missive, ce terrible prélat fait songer à ces cardinaux despotiques qui guerroyaient, et payaient de leur poitrine

au temps des guerres italiennes. IL y a un Jules II, un pape cuirassé et armé, clans ce cardinal farouche. M. J.-P. Laurens a peint là un vrai tableau d'histoire. Je ne parle pas de la difficulté matérielle vaincue; Y Innocent X de Vélasquez, rouge sur fond rouge, n'est pas plus étonnant, dans son harmonie sanglante, que le Cardinal de M. Laurens.

Quelle figure vivante encore que celle de la petite Marthe, avec son costume de velours gris et noir, sa poupée costumée comme une châtelaine du moyen âge et ses cheveux taillés comme ceux d'un enfant d'Edouard ! La grâce fait un peu défaut, sans doute, à ce portrait d'enfant; mais quelle décision et quelle fermeté dans les lignes! J'ai parlé de Vélasquez; ses infantes ont une tout autre douceur et un tout autre charme; mais, là encore, M. Laurens s'est souvenu de ce peintre admirable, et lui a demandé le secret de ses tonalités grises après avoir cherché à rappeler les fameux tons pourpre de sa figure de Pape.

Le meilleur des tableaux de M. J.-P. Laurens est, au surplus, son grand tableau religieux : Saint Bruno refusant les offrandes de Roger, comte de Calabre. Debout sur le seuil de sa Chartreuse, le saint, rigide sous sa bure, repousse du geste les plats d'argent et les œuvres d'art que portent les mulets du comte. Des enfants, tout à fait charmants, contemplent celte scène. L'un d'eux, le profil perdu, est d'un dessin plein de gentillesse,— je ne retrouve pas d'autre mot, et c'est le meilleur pour caractériser l'enfance. Le fond du tableau, sur lequel se détachent les envoyés du comte, clans leurs robes vertes ou sous leurs riches habits, est excellent de couleurs un peu vives. Les murailles blanches

se découpent sur un paysage vigoureux, sur un beau ciel d'un bleu profond.

L'impression tout entière que laisse ce tableau est mâle, forte, même un peu sévère. M. Laurens a pourtant groupé autour de saint Bruno quelques figures de moines dont quelques-unes, exprimant la tentation, ressemblent à des moines d'Herrera tournés au comique. Est-ce bien un défaut? La vérité est que ce tableau vit d'une vie austère et dans une atmosphère lumineuse. On sent, on devine chez M. J. Paul Laurens un artiste soucieux de son art, ne sacrifiant rien à la frivolité et à la mode. Sa peinture est bien de la peinture religieuse avec je ne sais quoi d'inquisitorial et de sombre. Du moins avec lui sommes-nous bien loin des madones de pacotille et des banalités de cet art religieux qui, n'ayant plus la foi, décore des églises comme on décorerait des boudoirs.

MM. MATEJKO, MUNKACSY, RIBOT, FHUMBERT, LEHOUX, MACHARD, CAROLUS DURAN, LÉON BONNAT, A. CABANEL, E. HÉBERT, Mme HENRIETTE BROWNE, MM. JULES LEFEBVRE, BOUGUEREAU, COT, G. BOULANGER, BIN, PILS , JULES BRETON, P. BILLET, ÉLIE DELAUNEY, LIÉVIN DE WINNE.

J'ai entendu dire à plus d'un expert que l'œuvre la plus caractéristique du Salon de cette année était cette grande peinture de M. Jean Matejko, qui s'étalait dans le grand salon carré dont elle couvrait tout un pan de muraille. La vérité est que ce n'est point là une œuvre vulgaire; l'artiste capable de jeter sur la toile une telle

composition ne manque point d'une réelle puissance. Il y a loin d'un semblable tableau aux anecdotes et aux petites recherches des peintres à la mode. M. Matejko a touché à la grandeur, s'il n'a point atteint la perfection. J'avoue que cette vaste toile m'émeut fort peu, mais je reconnais qu'elle mérite l'attention la plus complète et qu'elle révèle un tempérament d'une vigueur singulière. Elle représente Etienne Bathori, roi de Pologne, recevant, devant Pskoiv, la soumission des envoyés du czar Ivan le Terrible. Cet épisode de l'histoire de Pologne est très-peu connu du public français, à qui même notre propre histoire n'est pas absolument familière, mais il marque, pour tout Polonais réellement patriote, une date glorieuse. M. Matejko l'a évidemment peint avec un certain amour. Il a opposé, dans cette composition presque colossale, les types altiers et superbes du roi de Pologne et de ses seigneurs, aux rudes visages quasi-asiatiques des envoyés du czar Ivan. Magnifique dans son manteau de brocart d'or, le souverain polonais regarde avec une sorte de mépris étonné ces farouches combattants de l'Ukraine ramper devant lui, en lui tendant le pain et le sel en signe de soumission. Debout dans sa robe noire, Antonio Possevini, le nonce apostolique, à qui Ivan a promis d'embrasser le catholicisme, présente à Etienne Bathori ces terribles vaincus. Chacune de ces têtes de Polonais ou de Russes est étudiée avec un soin étonnant et peinte avec une vigueur rare. La rudesse même du pinceau ne déplaît point en un tel sujet. Ce qui choque davantage, c'est l'accumulation bizarre des vêtements dorés et des étoffes jaunes; cela papillote désagréablement devant les yeux un peu surpris. L'archéologie joue aussi

un grand rôle dans ce tableau dont le défaut principal, pour le jugement du public, est de manquer de clarté; mais c'est une archéologie toute spéciale, étrange et formidable comme le rude quinzième siècle polonais. Des chevaliers coiffés de casques à larges ailes d'aigles, des gens de la Livonie, recouverts de peaux d'ours, se rencontrent et se heurtent dans cette composition pittoresque et criarde. Tous les détails de ce grand tableau sont attirants et attachants; ce qui manque le plus à cette œuvre, c'est le goût, c'est l'arrangement, c'est l'harmonie. M. Matejko est d'une race plus robuste, mais plus échevelée que la race latine. Le génie slave ne connaît point, comme le nôtre, le tact et la mesure. Il est le digne frère de cet énergique génie bohème qui élevait sur le pont de Prague un peuple de gigantesques statues de pierre. M. Matejko est né à Cracovic, et il a gardé la fière puissance de ses aïeux; aussi bien a-t-on le droit de l'accuser de pécher par trop d'excès et de sève. Un peu de mesure, et, je le répète, de goûi, ne gâteraient rien. Mais, en somme, l'exubérance du peintre vaut mieux cent fois que l'anémie régnante et les petites compositions à l'ordre du jour.

Un autre étranger, un Hongrois, M. Michel Munkacsy, a exposé deux bonnes toiles qui ne feront pourtant pas oublier son tableau de l'an passé. L'un représente le Mont-de-Piété, l'autre, des Rôdeurs de nuits arrêtés par des soldats, et passant, dans une ruelle étroite, devant des marchandes de légumes aux traits vulgaires et accentués. Les deux tableaux sont peints dans cette gamme sourde et de celte couleur grisâtre, noire plutôt, qu'un autre peintre étranger, M. Liebermann, un Berlinois, l'auteur des Plumeuses d'oies, semble avoir déjà dérobée

à M. Munkacsy. Il est assez étrange, disons-le, que ce soit précisément des artistes nés hors de France qui nous peignent, avec cette intensité de vérité, les scènes de notre vie parisienne, de notre existence de tous les jours. M. Heilbuth avait jadis obtenu un grand succès avec un Intérieur du Mont-de-Piété. M. Munkacsy a repris le sujet avec moins d'esprit, de finesse et d'ironie, mais avec autant de bonheur. On retrouve là nécessairement les figures obligées d'une pareille scène : le débauché, la lorette et l'ouvrière talonnée par la misère. Ces antithèses étaient inévitables dans un semblable drame intime. M. Heilbuth les avait finement observées, Munkacsy ne les oublie pas. Son tableau est bien et largement peint, un peu trop poussé au noir sans doute, mais cependant lumineux encore dans sa teinte grise. Il est bien supérieur, selon moi, à ces Rôdeurs de nuit, sinistres et sordides q*ui ne se détachent pas assez de leur escorte de soldats et du groupe des commères qui les regardent. Vendeuses de pommes et troupiers, tout ici est épouvantable daspect, tout est également répulsif. Par une affectation de réalisme, M. Munkacsy a donné les mêmes faces atroces, creusées ou maflues, à tous les acteurs de cette scène, bandits noctambules ou honnêtes gens. Les uns et les autres sont à la fois livides et noirs comme s'ils avaient, tour à tour, passé dans un sac à farine et dans un sac de charbon.

Mais quoi ! ils sont propres et nets, ils sont candides, ils ont des blancheurs de cygne, ces personnages de M. Munkacsy, comparés aux figures de M. Ribot. Celui-ci ne semble plus mêler sur sa palette que des décoctions de suie avec des poudres de charbon. Son

Portrait de femme, son étude de Jeune fille et son tableau la Lecture, semblent également sortir du fond noirci d'une cheminée. Le talent si vigoureux de M. Ribot est évidemment arrivé à ce moment critique qui louche à l'exaspération. Sa manière sombre tourne à la maladie noire. Ce n'est plus seulement le diabolique Ribera que M. Ribot prend pour patron, c'est le démon même de la nuit. Les faces étranges de ses personnages émergent des ténèbres comme une lune blafarde dans un ciel couvert d'encre. Il y a toujours évidemment bien de la puissance dans ce mâle talent qui s'exagère luimême; mais, sans parler du peu de charme d'une peinture aussi charbonneuse, quel grave danger garde un tel procédé! M. Ribot, qui abuse des préparations bitumineuses, condamne lui-même, et de par la chimie, ses peintures à une dégradation très-prompte. On pourra s'en rendre compte en allant voir au musée du Luxembourg l'admirable Saint Sébastien de M. Ribot, qui date de dix ans à peine, et dont les couleurs, empcâtées et déplorablement préparées, s'écaillent déjà et menacent de tomber par squames, comme une peau affectée de psoriasis. M. Ribot était cependant un des artistes sur qui l'on comptait le plus, il y a quelques années, et, de fait, je le répète, ses qualités viriles se retrouvent toujours dans ce portrait de vieille femme dont la main, tenant une tabatière, est si étonnamment brossée et semble littéralement sortir du cadre. Mais M. Roybet, qui n'expose pas, semble depuis longtemps, sur le terrain du réalisme sombre, avoir dépassé M. Ribot, son précurseur1. L'art français a mis ailleurs ses espérances : aujour-

1. J'ai revu depuis ces peintures de M. Ribot ; elles ont étonnamment gagné et sont réellement d'un maître.

d'hui, après M. Laurens et M. Henri Lévy, il compte beaucoup sur ces jeunes gens qui se nomment M. Humbert, M. Machard, M. Lehoux. M. Lehoux est l'auteur d'un Saint-Laurent immense, énergique et plein de qualités. M. Humbert a voulu prouver qu'après la maladive Dalila qu'il lui envoyait Tan dernier, il pouvait donner au Salon quelque peinture plus sévère, d'une couleur solide, et d'une composition non-seulement chaste, mais presque austère. Il a donc exposé une Vierge dans le goût des Madones italiennes, assise sous un baldaquin entre saint Jean-Baptiste et l'Enfant Jésus. Le succès a répondu à l'attente de M. F. Humbert, et c'était à lui sans nul doute qu'on eût accordé, si le jury eût été décidé à le décerner, le nouveau prix de Rome que prétendait fonder l'administration nouvelle. La vérité est que cette composition calme et charmante, d'une coloration à la fois chaude et harmonieuse, dénote un vrai tempérament de peintre. Mais ne connaissions-nous pas déjà l'habileté du pinceau de M. Humbert? Que lui reproche-t-on, sinon une tendance au pastiche? Or, qu'est-ce donc encore que cette Madone, sinon un pastiche tout à fait réussi des primitifs Florentins ou Vénitiens? Nous la connaissons, pour l'avoir rencontrée cent fois dans toutes les galeries du monde, cette Vierge entourée de ces deux bambini; ce baldaquin noir et rouge qui se détache sur un fond de montagnes bleues, cette mère divine, en long manteau de pourpre, ces enfants nus (faiblement dessinés d'ailleurs par M. Humbert), nous les avons vus et revus dans les tableaux de Jean Bellin ou dans ceux de Francia. Qu'on se souvienne des maîtres d'autrefois, certes, la méthode est bonne autant que la fié-

quentation des primitifs est saine et tortillante; mais qu'on arrive ensuite à une composition qui ressemble à une copie servile, cela, certes, n'est pas admissible et marque brusquement un pas fait en arrière. M. Humbert s'est trompé, quoique le succès l'ait amnistié. Ce n'est point parce qu'on a péché naguère par trop d'audace qu'il faut pécher à l'avenir par trop de timidité.

J'aime mieux, à ce compte, l'erreur complète de M. Machard, qui nous représente une Séléné montant lentement dans le ciel étoile et prenant le croissant de la lune pour en faire un arc à ses flèches. Celte pâle tigure, très-élégante et très-charmante, est vraiment trop décolorée. On prendrait, de loin, la peinture de M. Machard pour une peinture sur faïence. Ce sont les mêmes teintes effacées, attendries et dévorées par la cuisson. Quel étrange contraste, M. Machard, le plus athlétique des hommes, fait avec ses œuvres ! Il y a d'ailleurs, je le reconnais, une grâce inlinie dans cette ligure féminine. L'auteur s'est décidément inspiré de Prud'hon, et il a cherché à donner à ce visage de la déesse ce je ne sais quoi de suave, de tendre, de semienfantin que prêtait à ses créatures le peintre ravissant du Zéphyre. M. Machard n'en doit pas moins prendre garde à l'espèce d'affadissement qui s'emparerait bien vite de son talent et finirait par l'étioler.

Ce n'est point le reproche qu'on pourrait faire à M. Carolus Duran. Jamais couleur ne fut plus solide et plus saine. Est-il possible de signer un meilleur portrait que ce portrait d'enfant, M arie-Anne- Carolus Duran, qui, debout, sourit et regarde étrangement devant elle avec ses deux grands yeux noirs et profonds? Celte

figure appétissante de peti le lille appelle le baiser. C'est une merveille de vie et de grâce. Les prunelles pétillent et ses lèvres se froncent. Carolus Duran l'a peinte, d'ailleurs, sans fracas, et après son Enfant bleu de l'an dernier, il a vêtu sa petite fille de couleurs plus sombres. Une robe de velours brun, des bas gris, une ceinture rose, rien de plus. Mais quel tableau coloré et parlant il a fait avec ces teintes sans tapage ! C'est encore dans une gamme volontairement assombrie qu'il a voulu peindre Madame la comtesse de Pourtalès, dont le portrait fait face à celui de la petite Marie-Anne. La comtesse, habillée d'une robe de satin noir garnie de jais, avec une plaque en diamant sur le sein et une aigrette aux cheveux, est assise dans un fauteuil aux bras dorés, et fixe sur les spectateurs un regard légèrement hautain qui filtre plutôt qu'il ne tombe de ses paupières légèrement plissées. C'est bien là une élégante d'aujourd'hui ou d'hier, et je ne pense pas qu'on n'ait jamais mieux rendu les impérieuses séductions d'une femme qui a longtemps dirigé la mode. La séduction de cette figure ne laisse pas que d'être un peu inquiétante. Il y a une ironie et une volonté profondes dans ces lèvres serrées et à peine souriantes. L'œil est pénétrant et troublant. Le charme de cette apparition s'impose par l'absolue beauté plus qu'il ne vous gagne par l'irrésistible tendresse. Les mains sont adorables, eiïilées et aristocratiques, et tout ici nous peint une femme de haute race et de haute vie. M. Carolus Duran a personnifié là toutes les élégances modernes et le ton spécial des mondaines de ces dernières années. Quelle différence entre cette peinture savoureuse, palpitante et les portraits de M. Dubufe, qui ne peint, des femmes

d'aujourd'hui, que les jupes qu'elles portent ou les traînes de soie qui frissonnent sur leurs talons !

Le troisième tableau de M. Carolus Duran, Bans la rosée, a été plus discuté que ses deux porlraits. C'est une jeune fille nue, déroulant ses longs cheveux roux dans un paysage d'un vert tendre et printanier piqué de fleurettes naissantes. Le visage de cette figure, avec ses grands yeux bleus qui regardent en dessous, a plus de piquant que de style, mais sa grâce est souveraine. Le corps tout entier, baigné d'une lumière hardie, est jeune, et M. Carolus Duran a certainement donné, cette année, sa meilleure exposition.

Nous n'avons rien dit encore du Christ de M. Léon Bonnat. Ce Christ est aussi fort contesté. On lui reproche d'être trop trivial et trop laid. « C'est le Christ des forçats! » s'est-on écrié dès le premier jour. Et, vraiment, on n'avait pas tort. Mais M. Bonnat avait-il voulu montrer autre chose qu'un Christ terrible destiné à frapper l'imagination des accusés? Il faut un peu se rendre compte, pour juger une œuvre d'art, du but et de l'idée même de l'artiste. Ce Christ est, en effet, promis à une des salies de la cour d'assises au nouveau Palais de justice de Paris. M. Bonnat, pour mieux faire comprendre sa pensée, a eu soin d'apprendre au public cette destination, par une inscription en grosses lettres tracée au bas du cadre. Je suis bien certain, quant à moi, que la vue d'un tel supplicié ne manquera pas d'émouvoir quelques-uns des coupables qui comparaîtront devant lui.

Il se détache, éclairé par une lumière surnaturelle, sur un ciel sanglant et sinistre. Le corps tendu et les muscles tordus par l'agonie, il lève vers le ciel un visage

SALON DE 1874. 23i

superbe, d'où la souffrance ne réussit pas à chasser une expression de douloureux triomphe. Le martyr (dressant vers Dieu sa face illuminée par le sacrifice semble doucement dire : « Mon père, êtes-vous satisfait de votre fils? » L'impression est saisissante et la peinture vigoureuse. Ce qu'on reproche à cette figure, c'est la tension et la contorsion des muscles, leur ballonnement, leur boursouflure; c'est aussi le sentiment même dans lequel est conçu le tableau. Passe pour les musculatures qui sont, en effet, brutales, mais hardies. Quant au sentiment même, il faudrait s'entendre. On accuse M. Bonnat d'avoir peint un homme tué plutôt qu'un Christ en croix, d'avoir représenté un supplicié vulgaire plutôt que Jésus mis à mort, en un mot, d'avoir humanisé le fils de Dieu. Le Christ de M. Bonnat n'a rien à voir, il est vrai, avec les Christs poétiquement alanguis de l'école de Bologne, les martyrs bien peignés du Guide; mais il se rapproche de ces Christs énergiques si solidement peints par les Espagnols. Tempérament sec, résistant, vigoureux, M. Bonnat, né dans les Pyrénées, n'a pas pour rien du sang basque dans les veines. Son instinct le pousse vers les artistes de Madrid plutôt que vers ceux de Rome ou de Florence. Pourquoi lui faire tant de reproches? N'y a-t-il point, au musée de Madrid, dans cette merveilleuse galerie où l'on peut voir, à la fois, les Lances, les Nains, le duc d'Olivares et les portraits de Velasquez, un Christ signé par le grand maître espagnol, et qui est autrement terrible, farouche, humanisé que celui de M. Bonnat? Velasquez a peint, lui aussi, un cadavre et ce cadavre crucifié, il l'a rendu plus effrayant encore en faisant tomber sur un des côtés de sa face la

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moitié de ses longs cheveux, chassés par le vent et collés au visage du mort par la sueur de l'agonie- Ce n'en est pas moins là un des chefs-d'œuvre de Velasquez et une des œuvres admirées de l'école espagnole.

On pourrait dire de même, toutes proportions gardées, que le Christ de M. Bonnat est une de ses toiles capitales. Je ne lui ferai encore qu'un reproche, formulé devant moi par un homme d'esprit: « Lorsqu'on a eu l'honneur d'avoir les pieds lavés par Marie-Madeleine, me disait-on, on a soin de se les tenir propres à l'avenir. » La poussière du chemin est, en effet, demeurée logée aux pieds de ce Christ, et, si l'on en croit M. Bonnat, il devait faire , comme on dit, assez sale sur la pente du Golgotha.

A côté de cette fière et sévère peinture, M. Bonnat expose deux petites toiles d'un ton plus riant : les Premiers pas, — une jeune mère italienne guidant à terre son enfant nu, — nous rappelle le joli Scherzo de l'an dernier, et les Portraits de mesdemoiselles Dreyfus (trois petites filles vêtues à la turque, l'une de soie bleue, l'autre rose, la dernière d'étoffe jaune) sont une chose tout à fait charmante et gaie. Cela fait songer, de loin, et dans un cadre beaucoup moindre, à l'admirable tableau de Van Dyck qu'on voit à Turin, les Enfants de Charles /er, qui, à eux trois, dans leurs vêtements de soie, forment tout justement un drapeau tricolore.

Le grand portraitiste anglais, Thomas Lawrence, avait une théorie fort juste :

« Choisissez, disait-il à Mérimée, un trait dans la figure de votre modèle; copiez-le fidèlement, servilement même; vous pouvez ensuite embellir tous les au-

très. Vous aurez fait un portrait ressemblant et le modèle sera satisfait. »

J'ignore si M. Alexandre Cabanel a suivi la théorie de Lawrence en peignant les Portraits de madame la duchesse de Luynes et de ses enfants; mais, ressemblants ou embellis, ces portraits n'en sont pas moins trop pommadés, trop pomponnés, trop apprêtés. La duchesse est fort jolie, mais l'entourage de marbres et d'œuvres d'art est bien prétentieux, et, quant aux deux enfants, ils sont vraiment trop beaux : — ils sont en cire. Le Portrait de madame la comtesse W. de L... est mieux venu, quoique la pose des mains (les deux doigts de la main droite jouant avec l'annulaire de la main gauche) soit assez prétentieuse. Mais le visage, maigre, aux yeux creusés, avec sa séduction bizarre, est bien peint et bien rendu. La beauté de madame Welles de Lavalette convenait d'ailleurs au pinceau de M. Cabanel, qui lui aussi, a parfois été touché de la mal' aria de M. Hébert, mais d'une mal' aria aristocratique. Voyez celle Première extase de saint Jean- Baptiste. Est-ce un fakir ou un convulsionnaire? Les yeux, terriblement cernés, sont fixes, égarés; les cheveux se hérissent comme devant la vision de quelque épouvante. Et pourtant ce maigre et brun personnage, miné par la fièvre, est trop bien attifé encore. Les oripeaux sont trop jolis. 11 faudrait peu de chose pour que l'extatique accroupi de M. Cabanel se relevât promptement en tenue de bal.

M. Hébert n'a pas voulu exposer sa fameuse Madone qui, ayant été bénie par le Pape, ne pouvait, paraît-il, figurer dans une exhibition profane. Un pou d'eau bénite sur un peu d'huile et de pâle, et voilà un objet sacré. M. Ernest Hébert s'est contenté d'envoyer

un Portrait de madame la princesse de W..., une vieille dame fort belle, dont le visage est insuffisamment modelé, et qui ne vaut point le beau portrait de vieille femme que madame Henriette Browne appelle Madame P., . Celui-là, très-simple de ton et de pose, cette dame tenant ses lunettes entre ses doigts, est fouillée et étudiée comme un Denner, le peintre des rides. Madame Browne expose, tout à côté, un excellent tableau, très-lumineux : deux poètes cophtes causant entre eux.

M. Jules Lefebvre est allé chercher son modèle moins loin et plus haut. Il a fait poser devant lui le prétendant de Chislehurst. Ce Portrait du prince impérial, sur lequel, sans nul doute, les bonapartistes comptaient beaucoup pour rallier des partisans à leur candidat, aura fait peu de bruit comme oeuvre d'art et n'en aura fait aucun comme œuvre politique. J'ai seulement remarqué qu'on se taisait devant cette toile, comme si les agents de l'ancien régime étaient encore là, debout derrière le public.

M. Jules Lefebvre a fait beaucoup mieux que ce portrait. Est-ce l'âge ingrat du modèle? Est-ce la physionomiemêmedel'adolescent? Ce portraitest évidemment désagréable. La figure estraide etélriquée. Onsaitquelle difficulté les tailleurs ont à habiller les adolescents; il paraît que les peintres rencontrent les mêmes obstacles pour les peindre. L'habit noir tout neuf que porte le jeune prince semble venir d'un médiocre magasin de confections. Celte tenue officielle, la cravate blanche des grands jours de manifestations, les cheveux sortant des mains du coiffeur, la tête haute, dans l'attitude du commandement, le bouquet de violettes entouré d'un

crêpe, le livre paternel jelé sur la lable, tout cela rend ce portrait peu récréatif. Le peintre pouvait peut-être tirer parti de cette physionomie sans jeunesse en représentant son modèle assis, et dans son allure habituelle d'écolier de Woolwich; mais une telle tenue n'eût pas servi, comme on l'espérait, les espoirs du parti. On ne voulait point montrer au peuple, qui se presse le dimanche au Salon l'étudiant ou le collégien; on voulait lui faire connaître le fils de l'Empereur. C'est cette préoccupation qui a nui tout à fait à la peinture de M. Jules Lefebvre. « Un portrait doit être peint, disait Eugène Delacroix, comme les peignaient les anciens, dans des attitudes simples. » Dès qu'on veut donner à une figure un air inspiré, ou profond, ou spirituel, adieu la tranquillité el le sérieux de la peinture f C'est bien là ce qui rend si difficile à faire tout portrait officiel. Comment, tout en essayant de rester fidèle à son art, ne pas devenir un peu courtisan? Comment ne pas flatter, ne pas poétiser, ne pas transformer? Et, la plupart du temps, que le peintre est mal récompensé de ses efforts et de ses amabilités de pinceau!

Le pauvre Hippolyte Flandrin, qui signa un superbe portrait de Napoléon III — portrait qui fut trouvé trop assombri et que M. Cabanel fut chargé de refaire — Flandrin éprouva, dans les dernières années de sa vie, un chagrin véritable en voyant que sa peinture, qui était fort belle, se trouvait successivement chassée de tous les monuments publics. Destiné aux Tuileries, le portrait de Napoléon III avait été mis au Luxembourg, puis, enlevé du Musée des Artistes Vivants pour être transporté au Tribunal de Commerce, et de là placé dans la Salle des Maréchaux d'où on l'enleva bientôt (où

est-il maintenant?), et tout cela parce qu'un familier du château ou un ami, -—je crois même que c'était la princesse Mathilde, — avait dit à l'empereur, en faisant allusion à l'air pensif que lui avait donné Flandrin :

«Sire, vous avez l'air de méditer la mort de votre fils!»

Ce qui est certain, c'est qu'Hippolyte Flandrin fut littéralement frappé au cœur, et par ce mot et par les exils successifs de son tableau.

Le modèle de M. Jules Lefebvre n'a pas l'air aussi sombre que le modèle de M. H. Flandrin, mais il a l'air moins modeste et plus impertinent. Il est d'ailleurs raide, gourmé, engoncé, et cette peinture est, malgré ses qualités, une des moins agréables du salon.

. En somme, le portrait du prince impérial laisse une impression telle qu'on le croirait volontiers peint par M. Henri Rochefort.

Les qualités de M. Lefebvre sont la correction et la ligne, mais sa peinture se fait volontiers un peu trop lisse et savonneuse. C'est aussi le défaut de celle de M. Bouguereau qui envoie trois grands tableaux au Salon : une Charité, un Homère et son guide'et des Italiennes à la fontaine. Tout cela est élégant, correct, agréable à l'œil et luisant comme de la peinture sur porcelaine. Dansle tableau de la Charité, tout est d'un grain aimable, et l'on prendrait volontiers la chair de cette femme au sein nu et des enfants qu'elle nourrit, pour des bonbons. Ces dessus déboîtes de M. Bouguereau, d'un style si pur d'ailleurs, et d'un dessin si académique, se vendent à des pris fous pour l'exportation. L'Amérique croit encore à Homère aveugle et aux Italiennes jolies comme des figurantes d'opéra, les soirs de la Muette de

Portici. M. Bouguereau trouve à la fois dans son art le style et la fortune. Son atelier est une véritable usine où l'on tient de la grâce et du charme à des prix trèsélevés. Les élèves font et refont les tableaux du maître, et ces jolies choses si pimpantes partent, chèrement payées, pour l'étranger. Un desélèves de M. Bouguereau, M. Cot, avec un seul tableau, le Printemps, reproduit partout, lithographie, photographié, gravé, a pris un bon rang, en ce genre, à côté du maître. M. Cotn'apoint encore donné de pendantà ce Printemps ; il envoie trois portraits, dont deux portraits de femmes. Peinture aimable,— volontairement flatteuse, je le gagerais, — et qui ne risquera pas de faire pousser les hauts cris aux modèles. Ce sont des madrigaux à l'huile.

M. Gustave Boulanger fait, en petit, ce que M. Bouguereau fait en grand. Sa Via Appia au temps d'Auguste est une peinture de genre amusante et savante. Les courtisanes rousses s'avancent, escortées par les jeunes débauchés couronnés de fleurs et jouant avec un singe ; des cavaliers numides trottent dans la poudre du chemin sur leur petits coursiers à robes noires; des nègres demi-nus courent comme des trotteurs du temps de Louis XV; un consul gras et ventripotent s'avance, majestueux, dans sa litière. Je sais pertinemment que c'est M. Louis Ulbach qui a posé pour ce personnage, et M. Boulanger a fait là un vivant petit portrait. Du haut de leur terrasse des curieux regardent ce pêle-mêle étourdissant de chars, de cavaliers et de piétons, cette cohue multicolore qui sent à la fois l'odeur acre du Champ-de-Mars et les parfums capiteux. Cette scène de mœurs est bien traitée et dessinée avec esprit; malheureusement, elle est médiocrement peinte. Rien de so-

lide; on prendrait volontiers ce tableau pour quelque lavis.

M. Bin, en peignant une Vénus Astarté, toute blonde et presque blafarde, sortant d'une eau plus bleue que le Léman, a eu du moins la précaution de nous avertir que c'était là le fragment d'une décoration pompéienne. Les teintes plates, les membres sans ombre, sont tout aussitôt expliqués et pardonnes.

Quelle étrange chose que l'attention publique! Un membre de l'Institut peut parfois impunément exposer un vaste tableau sans qu'on s'en aperçoive et sans qu'on le discute. C'est ce qui arrive à un homme de talent, M. Pils, qui figure au salon de 1874 avec une grande toile représentant des moineslavantlespieds de petitsenfants. Ce Jeudi-Saint en Italie, dans un couvent de dominicains, n'a pas beaucoup passionné la critique et n'est cependant point sans mérite. C'est une toile dans le goût des scènes italiennes de Victor Schnetz, mais avec plus de talent et de couleur.

M. Jules Breton a envoyé un seul tableau, mais un tableau très-grand qui représente une femme couchée et, la tête appuyée sur sa main, regardant la mer qui lui a pris ou lui garde peut-être son amoureux. La paysanne a laissé tomber à ses côtés son fuseau et maintenant elle rêve. La mer est bien brossée, bien traitée mais j'aime peu cette grande figure horizontale avec ses pieds en raccourci et gonflés. M. Jules Breton appelle ce tableau, qui n'est pas de sesmeilleurs, la Falaise. Tandis que M. Jules Breton s'attarde ainsi, son élève, M. Pierre Billet, le rattrape et lui dérobe de plus en plus le secret de ses paysannes saines et charmantes. Les Fraudeurs de tabac et les Ramasseurs de bois sont

deux bons tableaux qui méritaient, à des degrés différents, la médaille qu'on leur a décernée.

M. Élie Delauney, l'auteur de cette admirable Peste qu'on voit au Luxembourg, a peint, cette année, un David qui ne figure point sur le livret, parce qu'il a été admis au Salon après la date fixée et alors que le livret était donné à l'imprimeur. Cette toile, pleine de mérite, ne valait pas cependant la faveur particulière qu'on lui accordait en lui rouvrant les portes officiellement fermées. J'aime beaucoup mieux, certes, les deux portraits un peu secs, mais singulièrement vigoureux, que M. Delauney expose à côté : l'un représente un homme au teint rouge, la barbe blanche à reflets roux, se détachant sur un fond de brique. C'est une hardiesse que cette gageure enlevée avec beaucoup de maestria par le peintre. Je voudrais seulement que le col de chemise de M* G. B. ne fût pas roux comme le reste du tableau. Il n'est permis qu'à la seule Isabelle de se faire peindre ainsi avec le linge glorieux qu'elle portait au siège de Grenade.

Le Portrait de M. Ernest Legouvé par M. Élie Delauney, est mieux encore. C'est la vie même. La figure énergique et nettement découpée de M. Legouvé convenait bien à la manière nette et précise de M. Delauney. On avait le Portrait parlant, celui-ci est le Portrait conférenciant. M. Elie Delauney, esprit sérieux, sincère, chercheur, a conservé par ces deux peintures la place élevée que lui a assignée le suffrage des artistes depuis la Peste.

Mais, après les portraits de MM. Duran et Henner, le meilleur portrait du salon est peut-être celui de M. Leclercq, procureur général à la cour de cassation

de Belgique, par M. Liévin de Winne. Je parlais tout à l'heure de portraits officiels; celui-ci nous montre bien un homme en tenue solennelle, avec sa longue robe rouge de magistrat, mais c'est la tenue même de sa fonction, et ici la solennité n'a rien d'apprêté et semble, avec raison, toute naturelle. M. de Winne a rendu la tête énergique de ce juge, superbe avec ses cheveux blancs, comme il avait peint en 18631eroiLéopold et en 1872 la belle prestance de M. Sanford, ministre des États-Unis à Bruxelles. Rien de criard, rien d'affecté, une couleur mâle et excellente, les accessoires et les vêtements ne nuisant en rien à la figure qui doit être le centre et comme l'unique attrait du portrait. M. de Winne est un maîtrepeintre portraitiste, et cette figure de magistrat le maintient, lui aussi, victorieusement à son rang.

MM.LEHOUX, BLANCHARD, TOUDOUZE, EURMANN, A. ET L. GLAJZE, FIRMIN GIRARD, RANVIER, THIRION, LUMINAIS, EMILE LAFOX, ÉD. DETAILLE, A. DE NEUVILLE, H. DUPRAY, L. DU PATY, PROTAIS, ARMAND DUMARESQ , BERNE-BELLECOUR, G. V1BERT, DELORT, J. WORMS , B. ULMANN, PATROIS, G. CLAIRIN, ED. CASTRES, TOULMOUCHE, DE NITTIS, A. HIRSCH, VÉLY, JAMES RERTRAND, T. ROBERT-FLEURY, LUCIEN MÉLINGUE , Mme MA- DELEINE LEMAIRE, MM. LELOIR, CORMON , HECTOR LEROUX, ALMA TADÉMA, DUEZ, RASTIEN-LEPAGE, ÉD. MANET, FRANÇOIS BONVIN.

L'administration a trouvé le moyen de sortir d'embarras et de décerner elle-même ce nouveau prix de Rome, dont le jury n'avait pas voulu entendre parler. En donnant ce prix à l'artiste le plus jeune de ceux qui

ont obtenu, cette année, une première médaille, on a pensé avec raison qu'on se tirerait d'alïaire. Et c'est ainsi que M. Pierre Lehoux, à défaut de M. Humbert, se trouve, le premier, lauréat de l'administration. On a déjà appelé cette mesure un coup d'État; souhaitons qu'il n'y en ait jamais de plus graves. M. Lehoux a trente ans; il est élève de M. Cabanel, et n'est point, dit-on, sans fortune. Les quatre mille francs par an qu'on lui octroie pour aller à Rome ne lui étaient donc pas indispensables, et certes si on tenait à l'encourager, on eût mieux fait de lui commander, ^our cette même somme, un travail quelconque dans un monument de Paris. A Rome, M. Lehoux ne logera point à la villa Médicis; ce ne sera pas un Romain, comme disent les vieux élèves de l'École, ce sera tout au plus un demi- Romain, ce qui ne veut pas dire qu'il soit une moitié de peintre. Les vigoureuses qualités de son Martyre de saint Laurent sont, en effet, incontestables. Il y a là un progrès éclatant sur le David et Goliath qu'il exposait l'an dernier, et sur le Bellérophon qu'il donnait en 1872. Celte vaste composition du Saint Laurent a le tort d'être traitée, non point de face, mais à vol d'oiseau, ce qui enlève d'ailleurs une grande part de la difficulté à vaincre pour grouper des personnages et les mettre à leur plan. Certaines anatomies sont, en outre, au moins étranges, comme l'écartementdes jambes du gigantesque personnage qui porte du bois au bûcher du martyr. Une barque de petite dimension passerait entre les jambes de ce bourreau aussi facilement que jadis les vaisseaux entre celles du colosse de Rhodes. La composition du Saint Laurent de M. Lehoux est, en outre, évidemment inspirée du Saint Laurent, d'Ingres.

Le jeune peintre pouvait plus mal choisir son modèle. Il faut louer la vigueur du fond de ce tableau, la silhouette d'un château qui ressemble fort au château des Papes à Avignon, et qui se profile fièrement sur un ciel hardiment brossé.

La toile de M. Lehoux, qui n'ira à Rome que comme lauréat supplémentaire, est, il faut le reconnaître, bien supérieure aux tableaux que nous envoient de la Villa Médicis MM. Blanchard et Toudouze. Je ne parle point de l'évidente recherche de la grandeur qui frappe dans la haute toile de M. Lehoux, je songe aussi à l'exécution. La toile de M. Blanchard, Hylas et les Nymphes, est terne et sans accent; celle de M. Toudouze, Éros et Aphrodite, est d'une prétention irritante. Ces Romains, à coup sûr, ne valent pas ce Parisien. Je préfère encore à leurs envois le fragment d'une frise figurant l'histoire de l'art que M. F. Ehrmann expose sous ce titre : la Grèce, Rome, les Barbares, le Moyen Age. On sent bien que M. Ehrmann n'a pas vainement étudié sous la direction savante et charmante du peintre Gleyre. Cette succession de personnages incarnant une époque est traitée avec beaucoup de goût et de style. Les poètes de la Grèce lèguent leur science du beau aux écrivains de Rome; tout à coup, un Barbare arrache au peintre son pinceau, un autre brise à terre la statue du sculpteur, et le Vandale triomphe jusqu'à ce que bientôt le trouvère et le jongleur du moyen âge fassent entendre au monde étonné l'écho inattendu d'une poésie nouvelle. M. Ehrmann a un peu trop uniformément donné à ses personnages l'apparence de figurines taillées dans le bois; je défie bien qu'on fasse, par exemple, une différence entre le

masque du comédien grec et le visage du poëte qui se tient à côté. Le même ciseau, j'allais dire le même couteau, les a créés tous les deux. Il n'en faut pas moins louer l'effort et l'œuvre même, tout à fait distinguée, de M. François Ehrmann.

C'est encore u,ne sorte' de frise que la composition de M. Auguste Glaize : les Cendres. L'humanité tout entière comparaît devant le prélat qui jette à la foule le cri terrible : Mémento quia pulvis es! On connaît la façon toute particulière dont M. Glaize traite ces sujets philosophiques. Son fils, M. Léon Glaize, a envoyé au Salon deux bonnes toiles : Lucius, une étude d'Italiennes, et Bielle, une bouquetière où l'on a voulu voir, bien à tort, la bouquetière du Cercle des Éclaireurs. La tête est charmante, joliment traitée, et les fleurs de Inventaire sont tout à fait agréables à l'œil et fraîches comme une brassée arrachée à une haie printanière.

M. Firmin Girard, qui, lui aussi, il y a deux ans, avait exposé une Bouquetière, et qui, l'an dernier, figurait au Salon des refusés, est un des médaillés de 1874. Le Capitole est près de la roche Tarpéienne. M. Girard mérite bien sa deuxième médaille. C'est un prodige de couleur que la petite toile qu'il appelle les Fiancés. Sous une allée d'arbres aux feuilles jaunies et semées par l'automne, un cortège s'avance, une longue théorie de jeunes et de vieilles gens, en costumes du temps de Louis XIII. Les visages de ces personnages, leurs vêtements, la soie et le velours de leurs robes et de leurs pourpoints, tout est enlevé avec une adresse et une vigueur étourdissantes. Cela est éclatant comme une lame de métal en plein soleil. Le tableau refusé

l'an dernier nous annonçait en M. Firmin Girard un véritable coloriste. M. Girard n'a point fait faux bond à ses promesses, et ses Fiancés sont, à coup sûr, une des toiles les plus agréables du Salon. Je noterai aussi celte jolie étude de la vie moderne que l'auteur appelle la Pêche. Ce petit tableau de 'genre est finement et, ce qui vaut mieux, largement traité.-

Le Prométhée délivrée M. Jules Ranvier est une solide étude académique. M. Eugène Thirion expose une Hébecca à la fontaine et un Portrait de madame M. G**\ qui sont deux choses également colorées et dignes d'attention. Que ne pouvons-nous, devant chaque toile qui nous attire, nous arrêter et donner longuement l'impression qu'elle fait naître en nous! M. Luminais, le peintre ordinaire des Gaulois, a poussé, cette fois, un peu en avant, jusqu'à Brunehaut, qu'il nous montre, nue et morte, à côté du cheval épuisé de fatigue qui la traîne par les chemins. Le paysage est particulièrement beau et chaud, d'un vert intense. J'aime beaucoup moins la Gauloise à son réveil, debout et qui s'étire, laissant ses longs cheveux roux caresser le satin de sa peau encore moite. Ce n'est pas là, au surplus, un tableau médiocre.

M. Emile Lafon a exposé non plus une vaste scène, comme son Massacre des Maronites par les Druses, mais trois portraits, et le plus remarquable est celui de M. Louis Veuillot. Visage robuste, inquiétant, coloré, passionné, voluptueux, lèvres sensuelles et promptes à l'injure, un crâne d'inquisiteur sur des épaules d'homme bien nourri, la face couturée comme celle d'un Mirabeau sans grandeur et qui tiendrait le goupillon. Le modèle était peu galant, mais du moins éner-

gique et caractérisque. M. Lat'on en a tiré un excellenl parti, quoique sa peinture soit un peu rougeaude et touche au ton de la brique.

Ce ne sont point là les peintures qui attirent le plus sûrement la foule. Cette année encore, comme les autres fois, le public se porte avec un empressement passionné vers les tableaux militaires et les scènes de batailles. Ce genre spécial est, en somme, un genre bien français. Depuis Charlet, ce La Fontaine de la peinture, comme l'appelait Géricault, nous avons toujours eu d'excellents peintres de batailles, et les nouveaux venus, avec leur façon intime et vraie de comprendre la guerre, ne sont pas les plus mauvais, loin de là. Je doute qu'on ait jamais mieux rendu, et avec une sincérité plus profonde, les côtés purement humains de la guerre. Les peintres de batailles, en effet, et non-seulement en France, mais à l'étranger, semblent fuir de parti pris le côté épique des combats et n'en vouloir montrer que le côté humain, qui est le plus poignant. Un des livres les plus curieux publiés sur la dernière guerre est celui de M. Georges Hill, qu'on a mis en vente à Leipzig et que M. Woldemar Friedrich a illustré. Eh bien, il serait assez intéressant de comparer la manière précise de M. W. Friedrich avec celle de nos peintres français, et on reconnaîtrait que, chez nous comme chez l'artiste allemand, la même préoccupation existe, préoccupation du vrai et du simple. Parfois ces croquis ont l'air d'être pris sur le vif comme par un objectif photographique. Il en est de même des tableaux de MM. Edouard Détaille et Alphonse de Neuville qui sont des plus remarqués parmi ceux de cette année.

M. Détaille a représenté la Charge du 9e régiment de cuirassiers dans le village de Morsbronny le 6 août 1870. Au premier plan, une barricade de charrettes et de madriers. En arrivant au galop, le régiment français vient se heurter et se briser contre cet obstacle jeté en hâte sur son chemin. De tous côtés, des fenêtres des maisons voisines, partent des coups de feu et les cavaliers tombent. Un officier se retourne et fait en vain signe de cesser de charger : un clairon sonne la halte, des officiers cherchent, du bout de leur revolver, derrière les volets des maisons alsaciennes, un ennemi invisible. Au loin, étincelant au soleil, apparaissent dans la rue de Morsbronn, comme un long serpent d'acier, les autres escadrons qui chargent. Cette peinture est vraie comme un procès-verbal. C'est bien môme ce qui, au premier abord, lui nuit un peu aux yeux de la foule. M. Détaille ne songeait peut-être pas qu'il serait accusé d'avoir détruit une légende, celle des cuirassiers de Reichshofen, qu'on ne se figurait jamais que sous la forme d'un torrent, se taillant une route dans une masse d'airain. Les expressions sont d'un des poètes de cet épisode :

Non, ne te voile pas, ô lune, éclaire-les! Tisse-leur un linceul dans tes pâles reflets!

Or, M. Détaille n'a mis en scène ni le torrent, ni le linceul, ni la lune. Il a visité Morsbronn, il l'a peint tel qu'il l'a vu, il a interrogé et fait poser les cuirassiers présents à la boucherie du 6 août, il les a transportés sur sa toile avec la conscience d'un historien qui recopie la pièce authentique d'une archive. Est-ce la faute du peintre si la peinture a été plus vraiô que la

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poésie? La scène même, si bien dessinée par M. Detaille, ne manque point de grandeur, et la vue d'un tel coupe-gorge, où expirent presque sans défense de pauvres et braves soldats, est bien faite pour laisser une impression profonde. La discussion qui s'est élevée devant ce tableau ne sera point, du reste, inutile au jeune peintre, et elle lui servira, je n'en doute pas, de coup d'éperon. Personne n'est doué comme ce jeune homme de vingt-six ans, et nul n'est mieux fait pour représenter, d'une façon intéressante, notre vie militaire. 5J. Détaille sera comme un Meissonier agrandi, peignant le soldat comme le peintre du Liseur et des Joueurs d'échecs peignait jadis ses philosophes et ses gens du dix-huitième siècle.

Plus primesautier, du moins en apparence, moins serré, moins net de dessin que M. Détaille, M. Alphonse de Neuville apporte, dans la peinture des batailles, la verve et le laisser-aller d'un faiseur de bois pour les journaux illustrés. C'est un vaste croquis, un croquis élevé à la mesure d'un tableau, que son Combat sur une voie ferrée, et cette toile garde l'élan, le bonheur d'invention, la légèreté d'exécution d'un dessin bien enlevé de l'Illustration. Mais, c'est, en outre, une toile fort bien peinte, et qui, pour n'avoir pas l'intérêt dramatique des Dernières Cartouches, si rapidement devenues populaires, n'en est pas moins un tableau tout à fait réussi. Il est même, à mon sens, supérieur aux Dernières Cartouches, car il émeut sans mélodrame et par le seul accent de la vérité. Des mobiles sont chargés de soutenir un bataillon de chasseurs à pied qui, par delà une voie ferrée, attaquent un bois où sont tapis les Prussiens. Ceux-ci ripostent à la fois par

de la mousqueterie et des coups de canon. Un obus vient éclater, à gauche, sur le groupe des mobiles qui se disposent à franchir la voie ferrée pour s'élancer vers le bois. Mais l'attaque de ce terrible bois, roux et sinistre, rayé de coups de feu, estimpossible. Un capitaine de chasseurs, étendu blessé sur le rail, à côté du cadavre admirablement traité d'un Prussien, fait un signe éloquent au commandant de mobiles comme pour lui dire : « C'est peine inutile! » Le geste de cet officier blessé est la trouvaille même du tableau. Il vaut la pantomime désespérée du petit chasseur à pied, attendant la mort, les mains dans ses poches, dans les Dernières Cartouches. Au reste, toutes les physionomies des personnages de cette scène sont saisies par M. de Neuville avec un bonheur étonnant et d'une admirable façon. Les têtes imberbes, étonnées ou résolues, des petits mobiles en vareuses à collets rouges, contrastent avec les allures martiales des chasseurs à pied. Le soldat qui regarde, à droite, étendu surl'herbe du talus, son pied broyé et sanglant; le caporal de mobiles qui s'appuie au poteau, frappé d'une balle; les soldats qui rampent, le clairon qui sonne, au delà de la voie ferrée, les petits tirailleurs français aperçus dans la fumée, le chasseur aplati et foudroyé au moment où il visait un ennemi, toutes ces figures sont traitées avec une intelligence et une science singulières. J'aime aussi beaucoup l'atmosphère même du tableau, sa couleur livide qui nous rappelle bien les tristes jours du sombre hiver de J870-71 . L'herbe à demi-brûlée, la neige mal fondue au creux des rigoles gelées, la teinte grise et rousse du paysage, nous avons vu et nous revoyons tout cela avec le tableau de M. de Neuville comme la plus sombre et la

plus saisissante des visions. M. de Neuville, au point de vue du dessin même et delà correction, n'égale peutêtre pas M. Détaille; mais son tableau a plus do laisseraller et de fougue. On peut lui reprocher l'étrange point de vue d'où il est pris, c'est-à-dire que le peintre, voulant figurer la courbe même de la voie ferrée, a choisi pour premier plan le côté droit de son tableau, de telle sorte que les personnages de droite sont volontairement beaucoup plus grands que ceux de gauche, de telle sorte encore que si le tableau continuait avec la voie ferrée, les soldats de droite finiraient par atteindre la taille des troupiers de Horace Vernet, tandis que ceux de gauche garderaient leur stature d'agréables figurines. Ce n'en est pas moins là une toile vivante et durable, très-émouvante et très-vraie.

M. de Neuville est à l'aise avec les troupiers, mais il paraît plus gêné avec ses pêcheurs d'Yport. La Récolte du Varech est un paysage avec figures où la mer est bien traitée, mais dont la couleur, pour un peu, serait tout à fait criarde. «Restez avec vos soldats. Au camp! Au camp! » dirons-nous à M. de Neuville, comme Vergniaud le criait aux Parisiens.

Il y a bien des scènes militaires encore au Salon. Une des meilleures est la Visite aux avant-postes de M. Henry Dupray. M. Dupray est tout jeune, et, lui aussi, il a le sens du caractère intime de la guerre moderne. Dans un paysage noyé en plein brouillard, par un temps brumeux de décembre 4870 et sous le vent qui souffle à la Croix de Flandre, le général Ducrotet l'amiral La Roncière Le Noury visitent nos lignes assiégées devant le Bourget. Les nez rouges de ces soldais, les physionomies alertes des matelots qui conduisent

la voiture de l'amiral, les silhouettes des gendarmes enveloppés dans leurs grands manteaux, l'attitude si vivante du général qui porte la main à son képi, que le vent enlèverait, tandis qu'il étend sa canne vers un point de l'horizon, le portrait de l'amiral avec son collet relevé et ses fourrures, tout ici est aussi scrupuleusement vrai qu'une photographie et, de plus, cela est peint d'une excellente façon par un jeune homme d'un rare talent. Je voudrais pourtant que M. Dupray enlevât de sa toile ce gros cheval mort qui en occupe, à droite, le premier plan. Cette charogne attire aussitôt les regards et c'est elle que le général Ducrot a malheureusement l'air de montrer du bout de sa canne. Est-ce une façon d'inviter l'amiral à déjeuner? Ce malencontreux cheval est le seul accessoire défectueux d'une toile où les personnages et le paysage, cet horizon inclément etsinistre d'un mauvais jourd'hiver, sont traités avec un soin infini.

M. Léon du Paty, qui, l'an dernier, exposait une Reconnaissance analogue, comme impression sinon comme exécution , au Combat sur une voie ferrée de M. de Neuville, envoie deux petits tableaux militaires, une Flotte oV avant-garde et des Tirailleurs combattant aux environs de Paris, vers Montrouge, dont on aperçoit, au loin, comme de vastes toiles d'araignées, les roues des carrières*. M. du Paty se contente trop facilement de ses indications, mais il a de la verve et voit juste. M. Protais pousse davantage ses soldats. Son Alerte, — des petits chasseurs courant et s'enfonçant dans un bois vert et joyeux, tandis qu'au loin l'artillerie part au galop et que, sur le premier plan, des lignards bouclent leur ceinturon et mettent sac au dos, — cette

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Alerte agréable est spirituellement traitée, un peu trop spirituellement, car on ne sait vraiment s'il s'agit ici d'une alerte en temps de guerre ou d'un exercice militaire au camp de Villeneuve-l'Étang. Les physionomies des troupiers sont calmes et gaies comme s'ils allaient à la parade.

On retrouve la première manière de M. Protais, la manière sentimentale, celle du Paul de Molènes de la peinture, dans le second de ses tableaux, celui qu'il appelle Metz. Du haut de la colline de Pont-à-Mousson, deux hommes, l'un, triste, pâle et les cheveux gris, en uniforme d'officier de notre armée d'hier, l'autre, jeune, imberbe, vêtu de la tunique des élèves de Saint- Cyr, regardent, avec une expression différente, la malheureuse ville de Metz, étendue dans la plaine et éclairée, comme un cimetière sous un ciel d'été, par un gai rayon de soleil. Le père, le menton dans la main, les larmes aux yeux, contemple avec regret la cité jadis vierge et autrefois française; le fils, le front haut, l'éclair aux yeux, la main sur son sabre, la regarde avec on ne sait quelle vague espérance. C'est, je crois, — avec le Prométhée, de M. Ranvier, où l'on retrouve les ligures de l'Alsace et de la Lorraine,— la seule allusion à nos malheurs que se soit directement permise la peinture. Et qui pourrait reprocher à M. Protais d'avoir mis son pinceau au service d'une idée patriotique? Certains rêves ne sont -ils pas la consolation des vaincus?

M. Armand Dumaresq a signé deux tableaux militaires, mais ce sont les soldats de la première république qu'il met en scène, les habits bleus par la victoire usés. Des conventionnels aux chapeaux empennés de

plumes tricolores, des grenadiers aux vêlements déchiquetés, des hussards épiques comme ceux à qui Pichegru faisait enlever des floltes d'assaut, ce sont les personnages des deux toiles de M. Armand Dumaresq : le Conseil de guerre et l'Espion. Il y a comme un ressouvenir des plus fameuses lithographies de Rart'et dans ces compositions qui ne sont point sans talent, qui en ont beaucoup, mais qui manquent de personnalité.

La peinture militaire, telle que MM. Détaille, Dupra\ et de Neuville la conçoivent, s'éloigne de la peinture de genre. Le Coup de canon de M. Berne-Bellecour l'y avait, au contraire, ramenée. M. Berne-Bellecour, cette année, a laissé là, comme l'an dernier, ses souvenirs du siège. Il envoie au Salon un Portrait de madame Hébert et deux tableaux, dont un seul petit, le Prétendu et Un matin d'été. Avec cette dernière œuvre, nous sommes en plein dans la photographie. Un jardinier, tout en raclant le jardin, sourit à une nourrice assise au loin sur un banc et qui n'a pas l'air farouche. Mais ces deux personnages lilliputiens posent absolument devant l'appareil daguerréotype. On serait tenté de leur crier, comme aux petites pêcheuses de Cancale de M. Eugène Feyen : « Maintenant ne bougeons plus! » Quant au Prétendu, ce tableau de M. Berne Bellecour ressemble, d'une singulière façon, à la peinture ordinaire de M. Pille qui, cette année, a peint un assemblage singulier de coiffes blanches, sous le prétexte de nous montrer un pèlerinage, un Pardon en Bretagne. Un officier du Directoire aide une fillette à dévider son écheveau de laine tandis que les vieux parents sourient en regardant les amoureux. Ce qu'il y a de mieux dans cette scène légèrement tournée à la caricature, c'est le

paysage où M. Berne-Bellecour a railleusement glissé une sorte de console de marbre, comme on en trouve dans toutes les vignettes des romans de cette époque; il n'y manque que les deux colombes obligées. La peinture de M. Berne-Bellecour s'amuse volontiers à ces parodies; on croirait entendre, en la regardant, les deux personnages des Merveilleuses de M. Sardou s'amusant à pasticher les pages amoureuses de 17/lyrine de la Morency.

M. Berne-Bellecour, M. Vibert et M. Delort, qui ont tant d'esprit (les Maraudeurs de ce dernier, ces reîtres s'arrêtant, dans une rue de Bâle, devant de belles filles jasant à la fontaine, sont une chose excellente), devraient constamment avoir devant les yeux l'exemple de M. Biard, qui obtint jadis, avec des plaisanteries au pinceau, plus de succès qu'ils n'en auront jamais. Non pas que M. G. Vibert ait à redouter jamais le sort de M. Biard, mais il devrait au moins y songer. Sa Réprimande est une amusante scène de mœurs : une duègne amène au bon curé de quelque village andalous une jolie fillette dont elle ne peut rien obtenir. La jeune fille baisse les yeux, moins modestement qu'elle ne voudrait, tandis que le curé achève de déguster le dessert du déjeuner qu'on lui a servi sous la tonnelle. Ce vaudeville espagnol est galamment troussé ; on n'a pas plus d'esprit. Le Moine cueillant des radis sous un parapluie jaune transpercé par un soleil torride, et Coquelin, dans les Précieuses ridicules, s'étalant avec son large rire de Mascarille, « chantonnant le cœur qu'on lui dérobe en tapinois, » sont deux toiles encore d'une adresse et d'un art absolus. Mais la peinture est-elfe faite pour amuser comme une comédie ou pour charmer

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comme une poésie? Le public, au surplus, donne raison aux amuseurs : il les contemple et il les enrichit. Cette seconde façon d'encouragement est même celle qui plaît le plus aux vaudevillistes du pinceau. On m'assure que M. Vibert, dont le talent, encore un coup, est si fin, veut se livrer à la décoration des meubles, appliquer les ressources de son pinceau à la peinture de ces cabinets de prix dont parlait Molière et faire revivre ainsi, sous une forme purement artistique, les mobiliers étonnants d'autrefois. M. Vibert peindrait et. M. Barrias, son ami, dessinerait les bronzes et les incrustations de ces merveilles d'ébénisterie. Je souhaite sincèrement que ces projets réussissent, mais il ne faudrait pas que beaucoup d'artistes suivissent cet exemple pour que Fart ne devînt point tout à fait un métier.

M. Vibert n'est pas seul à nous peindre l'Espagne. M. J. Worms, qui nous représente aussi Berthelier chantant le Petit Ébéniste, figure au Salon avec des Maquignons de la province de Grenade qui manquent un peu de couleur, mais qui ont toujours l'esprit de leur auteur. M. B. Ulmannapeint aussi des Espagnols, les Gitanos de CAlbaycin de Grenade. Je crois que le talent de M. Ulmann est mieux à sa place dans les compositions plus hautes où ses qualités peuvent librement se développer. Ses Gitanos ne sont d'ailleurs qu'un entr'acle entre deux grandes toiles. A mon avis, les Espagnols, quelque intéressants qu'ils soient, sont un peu usés. Mais où trouver du nouveau à mettre au bout de son pinceau? M. Patrois va le chercher jusqu'en Russie, et il n'a pas tort.. Ce vaste pays, cet Orient gelé, comme le nommait Th. Gautier, est vierge pour la

peinture comme pour le roman et le théâtre. M. Patrois, en le visitant, en a élé très-frappé; il a donc abandonné ses peintures historiques, ses armures du moyen âge, et il a résolu de faire, à son tour, une campagne de Russie. Ses trois tableaux, la Lecture, les Fruits et les Confidences, nous montrent de fort jolies jeunes filles russes, agréables et peintes habilement. M. Patrois n'a plus qu'à se cantonner dans son domaine moscovite. On peut certes dire que, pour lui, ce n'est pas là un voyage perdu.

M. Georges Clairin, en revanche, ferait bien de revenir en hâte de Tanger. Qu'il habite rue de Rome ou à Tanger, M. Clairin, en effet, est demeuré comme attaché à cet atelier d'Algérie où il travaillait, côte à côte, avec Henri Regnault. Cette fraternelle amitié finirait même par porter malheur au jeune artiste s'il n'en chassait le souvenir, non pas de son cœur, mais de sa palette. M. Clairin semble avoir apporté une sorte de piété à pasticher, dans son Massacre des Abencérages à Grenade, X Exécution à Grenade de Henri Regnault. Il a purement et simplement copié le bourreau gigantesque ; il Ta planté sur le même fond doré et scintillant, et il lui a fait couper encore quelques têtes, dont la grimace est assez laide. Quelqu'un m'assure que M. Clairin avait poussé même l'imitation jusqu'à faire couler sur les marches de l'Alhambra cette célèbre tache de sang qu'on peut voir dans le tableau du Luxembourg. Au dernier moment, il l'aurait effacée. Il serait dommage qu'un peintre du talent de M. Clairin s'attardât et s'obstinât à ces imitations sans profit et sans issue. On ne se donne pas le tempérament qu'on n'a point. La transfusion du sang est chose impossible en

matière d'art. M. Clairin a un talent particulier, il doit à tout prix se défaire des pastiches qui le hantent. Que de qualités dans son Conteur arabe à Tanger ! Raison de plus, sans nul doute, pour qu'il ne veuille point emprunter de qualités aux autres !

M. Castres, qui n'imite personne, est en progrès. La Fontaine du Couvent nous montre une route poudreuse d'Italie où les pigeons voltigent sous le ciel hleu, h deux pas de la mer. Les Tsiganes en voyage s'avancent lentement dans la neige, traînant derrière eux trois ours, leurs compagnons. Il ne faudrait pas qu'un de ces bohémiens s'avisât de nous dire : Prenez mon ours, son ours si mal léché, mais si bien peint. On le prendrait aumot. Après le coup de feu, c'est un chef de cuisine dormant à la flamme de sa cheminée, tandis que les marmitons rient doucement de ce sommeil du juste. Trois toiles amusantes et d'une finesse de pinceau tout à fait remarquable.

M. Toulmouche et ses jolies Parisiennes ; M. de Nittis, le peintre des paysages napolitains, qui nous montre, cette fois, d'adorables friieuses courant, le nez dans leurs fourrures, au bord du Lac; M. Alphonse Hirsch, l'auteur du Premier-né et du Dernier Regard, dont les progrès sont constants et étrangement rapides; d'autres peintres alertes et curieux de la vie moderne vaudraient, à coup sûr, qu'on s'arrêtât devant eux plus longtemps. Leur tempérament les porte à l'observation des grâces quotidiennes, et tandis que d'autres vont chercher leur inspiration en Orient ou au Pôle Nord, ils la guettent au coin de la rue et la trouvent en se promenant, comme Sterne.

Je n'ai point fini d'ailleurs, avant d'arriver à ces

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modernes, d'indiquer ceux qui, en dehors de la contemporanéité, méritent qu'on s'arrête devant eux. Ce n'est pas M. Vély qui peint grandeur naturelle une Lucy de Lammermoor; ce n'est pas M. James Bertrand, qui continue à coucher de leur long les héros de romans et de drames, Ophélie après Virginie, et aujourd'hui Roméo et Juliette après Ophélie. M. Bertrand a cependant redressé une de ses figures, une Jeune fille nue et buvant à une source pure. M. Tony Robert-Fleury a peint de même, tenant un livre à la main, une Charlotte Corday trop dramatique: une actrice répétant son rôle plutôt qu'une femme rêvant de mourir en donnant la mort. M. Lucien Mélingue a été plus heureux dans un tableau plus petit : tandis que son frère peignait le Juif Errant, il représentait ces Messieurs du Tiers allant frapper, sous la pluie, à la porte fermée de l'Assemblée, le 23 juin 1789. C'est le prologue du serment du Jeu de Paume, très-habilement traité par M. Mélingue. Les types sont vrais, l'effet des rouges des parapluies mouillés corrige ce que les vêtements noirs des députés pouvaient donner de trop uniformément triste au tableau. Les têtes de Barnave, de Mirabeau, de Siéyès, de Robespierre, sont vivantes et faites d'après les portraits authentiques. Voilà un bon tableau d'histoire.

J'aime peu la Colombine trop vantée de madame Lemaire. Elle est prétentieuse, haute en couleur, plutôt joufflue que fine et alerte. C'est Dorine, c'est Marton, ce n'est pas Colombine. M. Leloir a peint une esclave attristée, jouant de la guzla pour un despote abruti. Je préfère ses tableaux plus petits, mais il y a là encore bien du talent et de la couleur. M. Cormon, dans sa Jalousie au Sérail, étale sous les yeux satisfaits d'une

brune rivale le corps inanimé d'une esclave blanche que l'eunuque vient de frapper d'un coup de poignard au cœur. L'expression de joie féroce de la maîtresse satisfaite est particulièrement bien traitée. Il y a un tempérament de peintre chez M. Cormon, et cette peinture nous reporte au temps déjà loin du romantisme de Louis Boulanger et des Orientales:

N'ai-je pas pour toi, belle juive, Assez dépeuplé mou sérail?

C'est la même idée et c'est le même ton.

M. Hector Leroux a retrouvé son succès d'autrefois avec la Vestale Tuccia, remplissant son crible de l'eau du Tibre. La peinture est tendre, d'un' gris argenté, élégante et noyée comme dans une brume lumineuse. L'antiquité, ainsi traitée, estcharmante. Ce n'est pas de cette façon que la comprend M. Aima Tadéma, dont le talent, qui nous était si sympathique, tourne à l'affectation, au pédantisme, à l'incompréhensible. Que signifie ce sombre tableau, la Dixième plaie d'Egypte ? Au fond d'un hypogée, des mères se désolent sur le cadavre de leurs premiers-nés. Des prêtres qu'on dirait pétrifiés chantent des hymnes funèbres. Tout est momifié dans ce tableau où l'on prendrait les personnages pour des statues de marbre et vice versa. Quant au second tableau de M. Aima Tadéma, qui représente toute une famille pourtraicturée en costumes romains, et visitant l'atelier d'un sculpteur, il est aussi blanc que l'autre est noir, ou plutôt l'assemblage de marbres blancs et de personnages vêtus de toges claires autour d'un vase noir produit, au premier aspect, un singulier effet. On jurerait de loin qu'on aperçoit une énorme

figue brune tombée dans un fromage à la crème. La comparaison est absolue. Je préférerais presque à ces tableaux de M. Aima Tadéma le petit cadre de madame Aima Tadéma, le Coin du feu, qui représente une terrible vieille travaillant auprès d'une enfant accablée et qui ne rira jamais.

11 y à loin de cette antiquité au tableau de M. Duez, Splendeur et Misère. Ce vaste cadre représente, — antithèse voulue et qui est pour beaucoup dans la médaille accordée par le jury, — une grande fille rousse, le chignon teint, l'air insolent et le visage plâtré, tenant un griffon hargneux sous son bras et faisant face à une vieille femme édentée et sordide qui ramasse les vieux chiffons et les bottines éculées dans la boue du chemin. Ce n'est là qu'un dessin de Gavarni agrandi, mais cela provoque l'attention et les réflexions de la foule. M. Duez a peint ces deux figures modernes avec une fougue de pinceau très-hardie. On peut dire qu'avec le Portrait de mon grand-père, par M. Bastien-Lepage, également médaillé, c'est bien la peinture la plus moderne qu'on puisse rencontrer. Il ne faudrait cependant pas que M. Duez et M. Bastien-Lepage refissent encore, l'an prochain, l'un une fille du boulevard, l'autre le portrait d'un nouveau grand-père.

J'ai parlé de peintres modernes et je n'ai rien dit de M. Edouard Manet. Un seul tableau de M. Manet a trouvé grâce, cette fois, devant le jury d'examen. C'est le plus mauvais des trois, nous assurent ses amis, et c'est tant pis. Les deux autres représentaient un paysage normand et le Bal de l'Opéra. Le Uni de l'Opéra est célèbre; il appartient à M. Faure et c'est chez lui qu'on peut le juger. Ne l'ayant pas vu, je n'en saurais

rien dire, mais je me demande, en vérité, si M. Manet continue une gageure, lorsque j'aperçois, au Salon, des esquisses comme celle qu'il nomme le Chemin de fer. Une femme et une petite fille sont assises contre la grille du chemin de fer; figures à peine ébauchées. M. Manet est de ceux qui prétendent qu'on peut, en peinture, et qu'on doit se contenter de l'impression. Nous avons vu, de ces impressionnistes, une exposition naguère au boulevard des Capucines, chez Nadar. C'était purement déconcertant. MM. Monet, — un Manet plus intransigeant, — Pissaro, mademoiselle Morizot,'etc, semblaient déclarer la guerre à la beauté1. L'impression de quelquesuns de ces paysagistes devenait du brouillard et de la suie. Le plus remarquable de tous ces peintres, c'est M. Degas, dont les intérieurs de théâtres, les foyers d'Opéra, les vues de Cirques, les blanchisseries, sont étonnants de vérité scrupuleuse. MaisM. Degas, artiste de race, me fait l'effet d'un défroqué ; il guerroie contre le dessin avec les armes d'un dessinateur. N'est-il pas élève d'Hippolyte Flandrin? On le sent bien, quoiqu'il en dise. M. Manet est élève de Thomas Couture qui enseignait à ses élèves l'art de peindre en douze leçons. Il suffisait d'étendre sur une préparation de pêche une couche d'une autre couleur. On apprenait à peindre en peignant sur l'envers de la toile comme les ouvriers des Gobelins tapissent. M. Manet sait peindre cependant et £ort bien. Le Bon Bock de l'an dernier l'a suffisamment prouvé. Comment, après une telle page, re-

1. Lu deuxième exposition des impressionalisies ou impressionisics, rue Laffiite, a révélé des gens de talent, MM. Caillebotte, Desboutin, Oulin, sans compter MM. Degas el Legros, qui n'avaient pas à être révélés (avril 18 76).

venir à ces impressions fugitives, à ces esquisses qu'on essaie de nous donner pour des œuvres achevées?

Je lisais tout à l'heure dans un journal très-grave que la doctrine de M. Manet exigerait de longues explications. Des explicalions ? Une doctrine ? Mais qui trompe-t-on ici ? Faut-il donc être initié pour comprendre une peinture dont tout le secret consiste en ceci que l'artiste s'arrête où la difficulté commence? Car voilà tout le secret de ces impressionalistes ; ils se contentent d'indications rapides qui suppriment le travail et le style. La chose est trop commode. Certes, les banalités de M. Bouguereau ou les galantes académies de M. Léon Perrault — qui a, d'ailleurs, du talent — ne m'ont pas trouvé indulgent ; mais faut-il l'être, par contre, pour un homme de la valeur de M. Manet, qui ferait détester la vérité et le réalisme et qui, loin de les présenter tout nets et tout francs, les habille à sa guise, et les affuble des plus désagréables oripeaux? Et voilà que ces oripeaux deviennent une doctrine! Grand merci. L'Académie nous suffisait.

Savez-vous ce que c'est que la vérité, la sincérité, la réalité en art? Regardez V École des frères de M. François Bonvin. Voilà un chef-d'œuvre et voilà une œuvre sincère où la justesse de l'impression n'empêche pas le fini de l'exécution. Qu'il est puissant cet intérieur d'école, ce tableau étonnant de lumière et de vie, d'une lumière chaude, dorée, ensoleillée, comme celle des intérieurs à la fois sains et graves ! Et qu'est-ce que ce tableau, bon Dieu ? L'auteur a-t-il passé les mers pour en trouver le sujet? Des enfants assis devant un frère de la doctrine chrétienne et travaillant. Rien de plus. Chacun peut voir cela à

dix minutes de chez soi. Mais quelle variété dans les attitudes î Quel modelé dans ces crânes ras tondus de gamins, blonds ou bruns ! Quelle paix, quelle majesté dans cette scène d'intérieur déjà semblable à un tableau ancien et revêtue, semble-t-il, de la glorieuses/me de l'avenir! Pierre de Hooghe n'a jamais fait mieux que ce tableau de François Bonvin, et c'est là, certes, une des rares toiles qui survivront au Salon de 1874.