Corot la lui a léguée en mourant

un fier morceau de peinture et un des meilleurs tableaux de Daubigny, ce maître de la vigueur.

M. Karl Daubigny suit de loin, mais très-dignement, les traces de son père. Ses deux paysages ont de la puissance et j'ajoute mente une certaine personnalité. Peuton en dire autant de M. Achille Oudinot, le frère du peintre verrier, qui interprète sur une toile gigantesque un croquis de M. Corot, une Pastorale destinée précisément à l'atelier de M. Daubigny père? Il y a cependant bien du talent dans cette vaste toile de M. Oudinot,'et M. Corot a dû se montrer satisfait de son élève.

M. Victor Dupré et M. Léon Richet imitent l'un et l'autre Jules Dupré, M. Richet par habitude et Victor Dupré par admiration fraternelle. Le Moulin à vent de M. Richet, se détachant en vigueur sur un ciel troublé* est un tableau plein de qualités solides, et les paysages berrichons de M. Victor Dupré seraient remarqués alors même qu'on n'y trouverait pas, à un tel degré , la touche spéciale et le respect de la tradition du maître.

Tandis que M. Achille Benouville continue à demeurer fidèle au paysage classique et à courir aux environs de Rome, sur la trace perdue du Poussin, les nouveaux venus, comme M. Lansyer, M. Daliphard, M. Def'aux, M. Groseilliez, se contentent de coins plus humbles et plus charmants. Les Bords de l'Oise de M. Groseilliez ont moins de style, sans doute, que la campagne romaine, mais ils ont aussi une séduction plus profonde et plus intime. On ne se sent pas écrasé, on se sent pénétré par cette nature qui n'a rien d'apprêté ou de grandiose. La ligne noble et austère est une grande chose, mais l'oasis aimable et discrète, l'impression

heureuse ou mélancolique, ont aussi leur prix. Quoi de plus charmant que le Printemps au cimetière, de M. Daliphard ? Un enclos plein d'herbe, de croix noires et de fleurs. Les pauvres tombes campagnardes envahies par la floraison nouvelle, par cette neige odorante du printemps comme Victor Hugo appelle les blanches fleurs des pommiers, cela paraît étrange d'abord et c'est charmant. J'aime beaucoup de M. Daliphard cette vue de nos quais parisiens qu'il appelle Notre-Dame de Paris. La peinture estsolide et d'un sentiment tout personnel. On peut la comparer aux deux superbes paysages suédois et danois qu'expose M. Alfred Wahlberg.

M. Emile Breton est fidèle à ses crépuscules et à ses bois colorés par l'automne ou dénudés par l'hiver. Sa Nuit d'hiver est peut-être le plus remarquable de ses trois tableaux de cette année. Les landes et les rochers du Finistère, les rivages sombres de nos côtes bretonnes ont trouvé dans M. Lansyer un peintre ému et vigoureux. Le talent de M. Lansyer me rappelle, avec une égale énergie et la môme note assombrie, les peintures de Francis Blin, mort trop tôt pour la gloire de notre jeune école de paysagistes.

Chacun choisit, parmi ces peintres de la nature, le coin de terre qui convient le mieux à son tempérament particulier. M. Français ne quitte guère ou la vallée de Chevreuse en été ou les terrasses de Nice en hiver. Sa Source de cette année ne vaut pas le vert et printanier paysage qu'il exposait en 1872. C'est le même site à peu près, le même ruisseau coulant et murmurant sous les arbres verts, mais ce n'est plus la même poésie de mai, l'éclat, le charme, la jeunesse d'il y a deux ans. M. Français n'en reste pas moins un maître. M. Lam-

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binet a encore jeté sur la toile un paysage parisien, la Seine à Bougival, et M. Chaigneau, qui vit à Barbizon, a étudié, avec une curiosité et une intensité de tons tout à fait heureuse, un effet d'orage dans la plaine. Le ciel est sinistre et les rayons d'un soleil pâle percent les nuages énormes. On sent la pluie et l'ouragan dans ce bain qui chauffe. Au premier plan, un berger fuit l'orage, emmenant en hâte ses moutons que M. Chaigneau peint avec un bonheur égal à celui de Charles Jacque.

M. Paul Colin expose deux jolis paysages normands, et M. Gustave Colin un tableau d'un ton cru, ardent, blanc et chaud, une vue d'une allée de platanes, à Ciboure, dans les Basses-Pyrénées. Dickens parle, dans sa Petite Dorritt, de la ville de Marseille, occupée, ditil, à rissoler au soleil. La petite ville de M. Gustave Colin rissole aussi, comme Marseille, et la lumière incandescente du Midi est rendue par le peintre avec infiniment d'audace et de vérité.

Mais, en fait de lumière, quel prodige et quel morceau exquis que le Souvenir de V Asie Mineure de M. A. Pasini ! Un derviche mendiant se tient debout à la porte d'un turbé et un vigoureux rayon de soleil coupe •en deux le tableau en éclairant d'un ton net, et comme par une projection de lumière électrique, les faïences peintes, les azulejos encastrés dans la porte. 'Ce tableau est un des meilleurs du Salon à coup sûr. Il est habile et attirant. Le Marché de Constantinople, le second envoi de M. Pasini, ressemble à tous les tableaux de M. Pasini, ce qui n'est pas un grand malheur : un fouillis de femmes, d'étoffes, de fruits, de pastèques, de pigeons volant dans l'air transparent, une lumière argentée et

poudroyante, l'Orient accessible et charmeur. J'aime certes mieux le Derviche, mais ce Marché est séduisant encore et excellent.

Les paysages verdoyants et savoureux de M. César de Gock ont tout l'éclat et toute la fraîcheur un peu acide d'une belle journée de printemps. On rêverait et Ton reposerait à l'aise dans ce Sentier du lavoir ou près de ce Ruisseau dans le bois. M. de Cock a trouvé et exprimé un sentiment de la nature très-individuel : c'est la jeunesse de l'année, le premier épanouissement, la tendresse des feuillissements d'avril. M. Xavier de Gock peuple ses paysages de vaches et d'animaux qui sont fort agréables à voir, même après les animaux de M. Van Marcke, le meilleur élève de M. Troyon.

Je n'ai rien dit des fleurs, des feuilles de roses de M. Philippe Rousseau. Elles sont pourtant admirables. M. Rousseau a peint, cette fois, à côté d'une Salade, qui vaut ses Confitures, une petite chapelle de la Fête-Dieu : chandeliers d'argent, Vierge de faïence, Christ d'ivoire, broderies et dentelles :

Sur ce fouillis d'objets bigarrés, le soleil Laisse tomber un pan de son manteau vermeil, Et le printemps jette ses roses.

La peinture de Ph. Rousseau a la poésie de ces vers de M. Emile Augier avec plus d'accent et de saveur. Les roses surtout sont des merveilles de fraîcheur et de séduction. On les respirerait. Quelle différence entre ces natures mortes si vivantes et les cristaux de roche, les émaux et les calices de M. Desgoffe ! Avec sa prodigieuse mais inutile patience, M. Desgoffe devrait être officiellement chargé de conserver le souvenir des objets d'art exposés au Corps législatif au profit des

Alsaciens et Lorrains. Ce serait la première fois, sans nul doute, que sa peinture recevrait une aussi heureuse application.

J'ai oublié, certainement, bien des artistes, mais le moyen de faire autrement? Il y a trop d'appelés et trop d'élus pour qu'il y ait beaucoup de regardés. M. André, qui illustre, après Doré, le Capitaine Fracasse; M. Anker, avec son joli baby soufflant dans son hochet, le Petit Musicien, comme l'auteur le nomme ; M. Aubletet ses Intérieurs de fermes; M. Henry Baron, qui nous revient aussi papillotant, aussi coloré, aussi romantique qu'au temps jadis , — un Isabey que M. Baron ; M. Bayard et son dramatique Défilé de soldats devant le compagnon qu'ils viennent de fusiller; M. de Beaulieu, excessif dans ses compositions bizarres et presque folles, un enfant au fond d'un puits, une femme adultère turque exposée au pilori et les membres bleuis à côté du cadavre de son amant; M. Bellet du Pôisat et ses deux paysages genevois, un peu gris mais harmonieux ; M. Jean Benner, qui nous montre, avec une certaine affectation de réalisme 'caricatural, une Sérénade du jour de Van à Capri; M. Besnard, l'auteur d'un joli portrait de jeune fille blonde; M. Betsellère et son Pot-au-feu, vigoureux comme un Bonvin; M. Beyle, un véritable coloriste, abusant un peu des jaunes violents et des verts ; M. Blum, qui peint le Cirque Fernando comme M. Degas peint le foyer des rats de l'Opéra; M. Brillouin, qui amuse, mais qui touche à la charge dans ses Noces de Georges Dandin; M. de Gironde, dont la figure sombre d'Holopherne ne manque ni de style ni de couleur; M. Courtat, médaillé pour son Saint Sébastien, et M. Dansaert, qui eût

mérité de l'être pour son Marché aux fleurs du temps du Directoire ; M. Delobbe, qui imite Jules Breton dans son Retour des Champs, mais qui n'imite personne dans sa Musique champêtre; M. Flahaut et ses Bords du Loing; M. Harpignies et ses Bords de VArmance; M. Jules Goupil, dont les Accordantes ne valent pas le Jeune citoyen de Van Fqu'il a justement replacé dans le tableau de celte année; M. Guillemet, à bon droit récompensé pour sa magistrale Vue de Bercy en décembre, peinte comme gravait le graveur Méryon ; M. Hennebicq, dont la Messaline sortant de Rome est une toile austère , sobre et mâle; M. Hermann, Léon, qui donne de la couleur à la Légende de saint Hubert; M.Heullant, dont la palette est assez riche; M. Kaemmerer surtout, qui a peint d'une façon vigoureuse la Plage de Scheveningue et traité avec esprit un nombre considérable de figures assises et se détachant sur le fond blanc de la plage ensoleillée (un peintre extrêmement doué que M. Kaemmerer, travaillant rapidement, sans fatigue, mais trop paresseux, disent ses amis); M. Kreyder, l'auteur d'un Champ de blé où se tapissent les cailles, et de savoureux Raisins dorés sur lesquels le renard a passé; M. Lhermilte, qui tient le pinceau comme il tient le fusain, avec maestria; M. Maignan; M. Monchablon et ses grands, ses trop grands apôtres; M. Leconte du Nouy, qui a du succès avec ses Bouchers à Venise; M. Puvis de Chavannes, tapissier admirable sinon peintre impeccable dans son Charles Martel sauvant la chrétienté; M. Paris, M. Pabst et Jundt, deux Alsaciens, également coloristes et plus heureux, celte fois, que M. Brion, le peintre de l'Alsace; M. Raynaud, un Marseillais épris de la couleur; M. Ed. Morin, un

Parisien spirituel, dont la peinture ne vaut pas les aquarelles; M. Viger, fidèle aux modes du premier empire; combien d'autres artistes attireraient volontiers notre attention et mériteraient de n'être pas oubliés!

Mais la Sculpture nous réclame, et c'est dans la Sculpture que nous trouverons peut-être à louer les œuvres capitales du Salon de 4874. M. Antonin Mercié, par exemple, a obtenu cette année la grande médaille avec son groupe en plâtre, déjà exposé à l'École des Beaux-Arts, Gloria victis. C'est là vraiment une œuvre supérieure et digne, encore une fois, comme on l'a répété, d'un artiste de la Renaissance. M. Mercié est tout jeune encore; petit, robuste, la barbe entière, timide et doux, à vingt-six ans il est déjà salué comme un maître. Et c'est un maître en effet. Son David lui avait valu, il y a deux ans, le suffrage des artistes; son Gloria victis l'a maintenant popularisé 'auprès du grand public. M. Mercié a représenté un guerrier mort, emporté par une Gloire sévère et triste, dont les grandes ailes déployées rappellent cette statuette antique, admirable petite Victoire en bronze, qu'on voit au musée de Naples. Lorsque M. Mercié exposa ce groupe, quai Malaquais, la Gloire avait la poitrine et les bras nus. L'artiste les a depuis couverts d'une armure pour donner une grâce plus étrange encore à cette fière figure dont le noble profil est à la fois plein de douleur et de bravade.

On raconte que, lorsque M. Mercié arriva à Rome et qu'on vit ce jeune bomme doux, peu bruyant, berçant son rêve à l'écart, les hôtes de la villa Médicis se dirent volontiers les uns aux autres que le nouveau venu ne ferait «pas grand'chose. » M. Mercié cherchait en effet,

et, sans fracas, évoquait ses visions. Un jour, au lendemain de nos revers et de la mort de Regnault, qui frappa au cœur plus d'un artiste, Antonin Mercié se sentit remué, saisi, inspiré, et, ses doigts courant dans la glaise, il esquissa avec une certaine fièvre la première idée de son groupe : Gloire aux vaincus.

Son émotion lui a porté bonheur. Cette œuvre, en quelque sorte patriotique, est un chef-d'œuvre, et elle n'emprunte aucune beauté factice au sentiment qui l'a fait naître. Elle est purement et absolument belle. Lorsque ce plâtre — la plus admirable chose du Salon de cette année, sans contredit — sera coulé en bronze, lorsque ce groupe, dont le métal aura corrigé ou expliqué certaines rudesses volontaires et cherchées, se dressera, entre les arbres du square Montholon, on pourra dire que la ville de Paris comptera un véritable monument artistique de plus1.

M. Mercié doit être fier de son succès et M. Falguière ne l'est pas moins du succès de son élève. M. Falguière, l'auteur de ce Vainqueur au combat de coqs, aussi élégant qu'un bronze antique, n'a envoyé qu'un buste au Salon, un portrait de femme en marbre. On prendrait ce Portrait de mademoiselle Morliani pour une œuvre de Jean Goujon; cela est d'une finesse et d'une élégance extrêmes. La narine palpite, la lèvre, se retrousse avec une légère insolence, le sein est hardiment découvert et se montre, opulent, en toute liberté. L'expression de cette physionomie est plus séduisante qu'elle n'est chaste, et c'est bien évidemment le caractère que le

1. Le socle qu'on lui a donné, au square Montholon, est trop petit, mesquin et indigne de l'œuvre.

SALON DE 1874. '27.:i

sculpteur a voulu lui donner, en y ajoutant je ne sais quoi d'impérieux et pourtant de calme ou de froid.

Des trois œuvres envoyées par M. Carpeaux, le buste de M. Alexandre Dumas fils est la chose la plus intéressante. Quel étonnement! Jamais on n'a manié, fouillé ainsi le marbre! Mais c'etft la vie même. On serait tenté de s'écrier, comme Michel-Ange, devant un portrait : « P ar le, mais parle donc ! » M. J.-B. Carpeaux a bien saisi le port de tête particulier de M. Dumas fils, le sourire un peu hautain, assez ironique, cordial au fond. La lèvre s'arque comme pour lancer un bon mot, l'œil se fixe et observe; un coup de vent semble se jouer dans les cheveux légèrement crépus. Comment M. Carpeaux a-t-il ciselé les mèches de cette chevelure? Le résultat obtenu est prodigieux. 11 est impossible de faire de la sculpture plus animée et plus vivante. L'Institut tout entier, qui ne s'afflige pas outre mesure de la grave maladie qui courbe à cette heure et mine M. Carpeaux, doit admirer un tel buste et l'habileté d'un tel artiste si profondément épris du mouvement et de la vie.

Quelle différence avec le Portrait de mademoiselle Croizette, par M.Carrier-Belleuse ! L'auteur a multiplié autour de la jeune femme les étoffes, les draperies; il a tout à la fois découvert les épaules et la poitrine et engoncé le torse dans un fouillis de plis et de replis. La tête sort, un peu petite, de cet assemblage de draperies qui rappelle certains bustes du dix-huitième siècle. On connait le genre particulier de beauté que possède mademoiselle Croizette. Cela est plus irritant que charmant; cela est bizarre et capiteux; le sourire est inquiétant, les yeux au regard coulant sont un peu ceux d'une Japonaise. En résumé, l'ensemble est agréable,

mais il n'a rien de sculptural. M. Carrier-fielleuse a encore ajouté à cette séduction spéciale du Sphinx, mais il en est résulté que l'actrice a été quelque peu enlaidie par le ciseau du sculpteur. Le pinceau de M. Carolus Duran lui avait, du moins, été plus favorable.

Je signalerai justement un beau bronze de M. Carolus Duran : le Pisan, une tête énergique et féroce de capitaine d'aventures au quinzième siècle. M. Duran n'a jamais fait mieux.

Il y a des bustes sans tapage dont le mérite est aussi grand. C'est le Ouste de M. Vitet, par M. Chapu, tête énergique, un peu maussade, bien construite; c'est surtout le portrait de Stanislas Julien, par M. Charles Degeorge. Ce marbre a été exécuté par l'auteur d'après une photographie. Double difficulté! Le visage du savant était en outre assez ingrat. On n'avait pas affaire ici à un type énergique comme M. Dumas fils ou sémillant comme mademoiselle Croizette. M. Degeorge n'en a pas moins exécuté là un superbe morceau. Les plis charnus du menton, qui retombent en triples cascades sur le cou, les affaissemenls des joues, sont particulièrement bien rendus, et font de cette œuvre sincère une chose tout à fait remarquable.

M. Barrias, l'auteur du Spartacus, a sculpté un immense Monument funéraire qui ne vaut pas sans doute celui que M. Paul Dubois est chargé d'élever à la mémoire du général deLamoricière. M. Dubois a envoyé, cette année, la statue en marbre de son Narcisse dont on avait loué l'élégance absolue lorsqu'il en exposa le modèle en plâtre. La figure, en revêtant cette forme définitive du marbre, a encore gagné en séduction. Le

talent exquis,, modeste, sérieux et réfléchi de M. Paul Dubois ne s'est jamais mieux affirmé peut-être que dans cette noble et calme statue, le modèle même de la grâce chez l'éphèbe, et supérieure peut-être à ce Chanteur florentin qui a donné la renommée à son auteur.

M. Bartholdi, l'auteur du Lion de Belfort, a représenté sur un monument assez élevé les Quatre Étapes de la Vie chrétienne : sculpture un peu massive et qui ne sera point déplacée au delà de l'Océan, à Boston.

Les Victoires sont, hélas ! maintenant, comme ce monument de M. Bartholdi, des articles oV exportation. Elles sont destinées à Bahia et non k Paris. M. Cugnot en expose une autre, mais qui ne célèbre d'autre exploit que le souvenir de la victoire remportée en 1866 par les Péruviens sur la flotte espagnole.

En revanche, plus d'une œuvre rappelle, avec une véritable inspiration, les efforts tentés dans la dernière guerre pour sauver du moins l'honneur de la France. La Figure allégorique de M. Hiolle pour un monument élevé à Cambrai, à la mémoire des enfants de Cambrai morts pour la patrie, garde une allure superbe et se détachera avec fierté sur l'horizon lorsque le bronze aura rendu durable cette composition d'un artiste hors de pair. Le monument exécuté parM.Doublemard pour la ville de Saint-Quentin, en mémoire des morts du 19 janvier 1871, est encore une allégorie heureuse et non sans grandeur, mais qu'on ne saurait comparer à l'œuvre de M. Antonin Mercié.

M. Lafrance a obtenu une première médaille pour un Saint Jean qui rappelle quelque peu les maigres et élégantes statues de Donatello. 11 y a du mouvement

dans cette figure d'enfant extatique, mais la pose des jambes est tellement bizarre que je souhaiterais volontiers que ce saint Jean, avant d'arriver jusqu'à Hérodiade, passât, du désert où il vit, au cabinet de quelque orthopédiste.

M. Noël est aussi un médaillé de la sculpture. Son Rétiaire, statue de plâtre, se disposant à lancer son filet, est une bonne figure d'académie, mais elle a quelque chose de déjà vu et on la prendrait volontiers pour un postiche. Le talent de M. Noël est, jusqu'ici, fort estimable sans qu'il fasse naître un sentiment bien vif d'admiration. Sculpture d'école et de lauréat à la recherche de la personnalité.

Je préfère le buste d'enfant, terre cuite, qu'envoie au Salon M. de Saint-Marceaux. Il y a de la grâce' et un sentiment infini dans ce morceau, un des moins tapageurs et des plus achevés de l'exposition.

M. Charles Cordier, avec sa statue de bronze émaillé, la Prêtresse d'isis jouant de la harpe, attire l'attention. M. Cordier aime la sculpture polychrome. Il a obtenu, en ce genre, de grands succès. Les têtes d'Arabes, de Négresses ou de Chinoises qu'il sculpta jadis sont demeurées célèbres. Mais un tel genre confine à l'ethnographie, à l'étude des races plutôt qu'à la recherche véritable de la beauté. La place des sculptures — d'ailleurs remarquables — de M. Cordier est aussi bien dans un musée d'histoire naturelle que dans une galerie d'objets d'art. La Prêtresse d'isis est évidemment une œuvre de talent et de choix, mais elle ne vous donne aucunement l'impression que doit faire naître en vous l'œuvre artistique, le sentiment heureux du beau profondément éprouvé.

vSAi,ON Dfî 1874. 27!»

M. Schœnewerk, condamné à sculpter la face répulsive et brutale de Lulli, a dû gémir de renoncera la recherche de la grâce. Mais la laideur même a sa beauté. Mirabeau et Danton, absolument hideux, sont absolument beaux» M. Schœnewerk a bien campé et bien assis cette gigantesque figure de Lulli et il en a tiré un parti inattendu.

Le buste de Théophile Gautier, par M. Emile Thomas, très-simple et très-travaillé, est encore une chose remarquable. Mais, en vérité, n'y en a-t-il pas un autre, tout auprès, qui mérite d'être signalé? C'est le buste d'une jeune fille, un marbre dont l'auteur est mademoiselle Sarah Bernhardt, de la Comédie française. Je ne dirai pas que mademoiselle Bernhardt sculpte comme elle joue, mais elle sculpte fort bien. Ce n'est réellement pas une œuvre ordinaire que ce Portrait de mademoiselle B. G., et on sent qu'il y a chez mademoiselle Sarah Bernhardt un tempérament artistique tout à fait profond et multiple. Et qui sait si quelque auteur ne s'avisera pas, un jour, d'écrire pour mademoiselle Sarah Bernhardt un rôle de sculpteur, comme Paul Meurice le fil jadis, avec Benvenuto Cellini, pour Mélingue ?

Madame Claude Vignon figure au. Salon avec trois œuvres différentes : deux terres cuites, des statues d'enfants très-bien venues sous la main qui sculpta le croupe de petits amours du square Montholon, et un buste de La Fontaine, en marbre. Le Bacckus eu faut et le Petit Danseur aux castagnettes sont exposés sans badigeon, tels qu'ils sortent du four de cuisson. Ils ont de la grâce et le charme appétissant particulier aux enfants. Mais le La Fontaine qui ne figure pas au livret est de beaucoup supérieur. C'est leZa Fontaine d'H. Bi-

gault devenu marmoréen. La tête est vivante; à l'intérêt historique du buste se joint un réel mérite artistique.

La sculpture est donc, elle aussi, un art d£ femme? Certes. Souvent même les femmes y savent apporter une énergie qu'on n'attendait guère. VÈrigone trèsvigoureuse de madame Astoud Trolley et la statue de bronze de madame Léon Berlaux, Jeune Prisonnier, en sont la preuve. Madame Bertaux donne à cette figure une sorte d'explication : Vœ victoribusl La même idée se retrouve dans le groupe un peu confus, mais assez violent, de M. Chatrousse, les Crimes de la guerre. Cet amas de blessés, de morts et de mourants ne laisse pas que d'émouvoir. Sans doute la statuaire doit rechercher d'autres sujets, plus sobres et plus simples; mais chacun trouve son inspiration où il veut, et même où il peut.

Voyez M. Chrétien, médaillé de seconde classe. Sa statue de marbre, Maudit! est une pure figure de mélodrame. Les petites sculptures de M. Delaplanche, le Mariage d'amour, entre autres, ont plus de grâce, sinon plus de mérite. M. Ludovic Dubois a envoyé une fort belle statue de Mercure, et M. Laoust, le marbre de cette statue cYAmphion qu'il exposa, en plâtre, l'an passé et qui lui valut une médaille.

La Jeune Mère jouant avec son enfant, de M. Leroux, a une certaine élégance et beaucoup de recherche. La jeune mère enfonce ses doigts dans la chair du petit être pour le faire rire. L'idée est jolie, mais un peu maniérée. J'en dirai autant des marbres de M. Mar- , cellin qui ont évidemment une véritable élégance, mais qui manquent de cette qualité suprême et néces-

saire en sculpture : une certaine gravité de lignes. Le marbre est sévère, altier et froid» et n'admet pas l'afféterie.

« Ce n'est pas un camarade, disait un manieur de ciseau, c'est un maître. »

Le mot pourrait être de Préault, qui les a semés, ses mots, un peu partout, à profusion. Il y a, dans un roman satirique de Léon CTozlan, Aristide Froissart, un sculpteur d'espèce toute particulière et qui s'appelle et se caractérise lui-même Lacervoise, sculpteur qui ne sculpte pas. Ce héros de roman passe son temps à faire de l'esprit et oublie de faire des statues. Auguste Préault n'en est pas là. Il cause et pétrit la glaise. Jamais homme n'émit d'ailleurs autant d'idées, de vérités, de paradoxes. Il en a semé à pleines mains comme de la terre. Ses deux Médaillons funéraires de cette année rappellent le célèbre médaillon sculpté par lui, sur un monument du cimetière juif, au Père Lachaise, et qui représente une figure morte mettant un long doigt maigre sur ses lèvres glacées. Ce Silence est une des œuvres caractéristiques de Préault. Les médaillons exposés par lui celte année ont comme un reflet de cette poétique invention, qui fait invinciblement songer, et amène à la pensée quelques-uns des points d'interrogation d'Hamlet.

J'arrive à la fin des pages consacrées au Salon de 1874 sans avoir donné place à tous les genres de l'ail, à la gravure, aux dessins, à l'architecture, à la lithographie. Le pouvais-je? Dans toutes les choses de ce monde, il faut choisir et se borner. Il \ a cependant bien des efforts tentés dans les diverses branches de l'art, et les travaux de M. Soldi, entre autres.

méritent d'être particulièrement loués. Les émaux de madame de Gool, d'après Rubens et Raphaël, sont fort remarquables aussi. Et ce malheureux homme qui a gravé, sur un camée de cornaline grand comme un boulon de manchette, toute une Charge des cuirassiers à Beichshoffen, ne mérile-t-il pas au moins une mention pour sa patience? On offre une loupe au public pour contempler ce tour de force; mais avec quelles prunelles M. Burdy l'a-l-il donc exécuté?

Après tout, ne faisons pas trop de bruit autour des excentricités. Ce sont les excentriques, ceux qui tirent habituellement des pétards devant la foule, qui nuisent très-certainement aux artistes qu'ils entraînent, par l'appât des succès tapageurs, dans les voies mauvaises. Le Salon de 1874 ne contenait pas, je le reconnais, de ces bruyants coups de pistolet, mais, hélas! l'habileté, l'adresse, le chic, toutes ces qualités secondaires bien vite tournées au défaut, y tenaient une place considérable, la plus grande place, à coup sûr. En peinture, comme en toutes choses, on demande, on réclame, on appelle, on est prêt à saluer, à acclamer, des inspirations élevées et des consciences éprises de grandes choses. Ce qui manque le plus à tous ces talents si nombreux d'aujourd'hui, c'est la foi qui s'appelle en politique le caractère, en littérature la conviction, en art l'amour du beau. Le beau, quelques-uns en ont encore le goût ou le caprice, mais la passion, bien peu la gardent intacte, brûlante et profonde.

Prenons garde de devenir, tous tant que nous sommes, poètes, peintres ou tribuns, des ouvriers habiles à manier la matière, épris de la forme et peu soucieux de l'idée; prenons garde à ce mortel danger

qui menace : cesser d'être des" artistes et devenir des artisans.

« Bien qu'il travaille de la main, dit Eugène Delacroix, le peintre n'est pas un chirurgien (ni un ouvrier, ajouterons-nous) et ce n'est pas dans sa dextérité que consiste son mérite. »

Tous ceux qui font trop bon marché de la pensée et de l'àme, même en peinture, devront, je pense, méditer cette parole d'un homme qui savait créer et qui savait peindre.

C'est seulement en suivant un tel principe qu'on arrive au complet triomphe de l'art.

Le Salon de 1874 n'aura été que le triomphe du métier.

Il ne faut pas avoir la prétention de tout juger dans une exposition qui compte, comme celle de 1875, près de quatre mille objets d'art; et si jamais la critique fut instituée pour choisir et pour discerner dans la foule des médiocrités ce qui vaut au moins un regard, c'est aujourd'hui qu'elle doit s'acquitter de sa tâche. Parler de tout est chose impossible; pour tenir le lecteur au courant des manifestations de nos artistes contemporains, le mieux est donc de s'en tenir aux quelques personnalités vraiment vigoureuses qui émergent de la foule, et de leur demander le secret de leurinspiration et le résultat de leurs efforts.

Que sert-il, en effet, de chercher à donner au moins une mention à tant de peintres qui méritent sans doute qu'on s'arrête devant leurs toiles, mais qui n'ont pas cependant le talent plus altier, l'imagination plus puissante, la facture plus large ou plus individuelle que le commun des mortels? La critique d'art a, je crois, oublié son rôle le jour où elle l'a réduit à la simple énumération des tableaux ou des statues qui

attirent l'attention dii public. On veut être complet, comme on dit, et on fait défiler sous les yeux du lecteur une quantité de noms qui n'évoquent pour lui que des images à peine entrevues et ne lui permettent point de se faire, par réflexion, une opinion personnelle d'après l'opinion du critique. On devrait, ce semble, parler du Salon de chaque année comme on parlera de ce même Salon un an après sa fermeture. La perspective remettrait soudain à leur place les hommes et les choses. De combien de tableaux du Salon dernier se souvient-on aujourd'hui? De huit ou dix à peine. Combien de toiles, parmi les milliers exposées en 1875 aux Champs-Elysées, laisserontelles un souvenir? Je n'oserais dire sept ou huit de crainte de grossir le chiffre. C'est donc de ces toiles qui sortent de la cohue, c'est de ces œuvres qui s'imposent par leurs qualités et même souvent par leurs défauts, par ce qu'elles promettent, par ce qu'elles rappellent, c'est de ces rares œuvres originales — debuts éclatants ou continuations de succès — qu'il faut avant tout s'occuper. Sans nul doute, par un sentiment fort naturel, on en vient à élargir peu à peu le cercle dans lequel on prétendait, au début, se renfermer; mais il n'en est pas moins vrai que le jugement primitif subsiste et que la pénurie d'œuvres réellement puissantes et remarquables, tout d'abord constatée, n'est pas oubliée, parce qu'on a, tout en marchant, rencontré çà et là des œuvres d'un mérite réel, mais secondaire, et qui ont eu cependant le privilège de retenir un moment l'attention.

Le Salon de 1875 est d'ailleurs, tout compte fait, d'une pauvreté particulièrement inquiétante. Où est,

cette année, l'œuvre qui dénote un talent et même un tempérament vigoureux parmi les nouveaux venus? Pourra-t-on donner à ce Salon le nom d'une de ses œuvres, comme on put dire, il y a cinq ans, le Salon de la Salomé? Aucune révélation, aucun coup d'éclat, aucun coup de maître. Les artistes même en possession de la renommée n'ont pas ajouté une page à leur œuvre. Ceux qui ne nous semblent point déchus se maintiennent à leur rang, mais rien de plus.

Peut-être, après tout, les expositions sont-elles trop fréquentes, trop rapprochées, en demeurant annuelles. L'inspiration ne visite pas à termes fixes l'atelier d'un artiste. Et le public se fatigue à retrouver fatalement, nécessairement, presque sans variante, à un an de distance, l'œuvre d'un peintre. Les tableaux prennent de la sorte quelque chose de déjà vu qui finit par leur nuire singulièrement. Je mets en fait que M. Jules Breton n'a jamais exposé une toile supérieure à ses Feux de la Saint-Jean de cette année. Pourquoi n'admire-t-on pas cette composition comme on le devrait et comme on a admiré ses aînées? C'est qu'il n'y a plus l'ombre d'inattendu chez le peintre. C'est qu'on a vu et revu ces jolies filles hâlées, et que, dansant aujourd'hui autour du feu de paille, elles passaient hier à travers champs, ramassaient l'herbe du sillon ou se penchaient sur la fontaine. L'art contemporain, avec ses perpétuels recommencements, avec ses spécialités et ses pastiches, finit, je le répète, par manquer un peu trop d'imprévu. On pourrait presque dire d'avance, sur le titre seul de l'œuvre, ce que sera le tableau et quel parti le peintre a tiré de son sujet. Nos artistes, décidément, ne suivent

que les chemins qu'ils onl déjà battus, et combien s'obstinent à cueillir l'aubépine et à chercher les nids dans les branches des haies lorsque, depuis longtemps, les haies sont ravagées, l'aubépine est arrachée et les oiseaux sont dénichés!

Et puis, — autre capital défaut des exhibitions pareilles à celle de 1875, — est-ce bien un Salon que cet entassement de peintures, de dessins, de pastels, de gravures, de sculptures? Est-ce un Salon ou une halle? Est-il vraiment possible de suivre, au milieu de cette cohue, le mouvement artistique contemporain? Ne sacrifie-t-on pas beaucoup trop, en vérité, à ce que la peinture a de mercantile et de commercial, et. ne laisse-t-on pas ainsi dans l'ombre ce qui devrait être la préoccupation absolue en pareille matière : — lé sort même de l'Art français? Tout ce qu'il y a d'efforts, de recherches, d'essais, de retours vers le style, vers la peinture élevée, vers ce grand art dont il est permis de sourire, mais qu'il est plus permis encore de regretter, tout cela est noyé sous le flot, sons la marée montante des tableaux de genre, des tableaux de vente, des sujets amusants, aimables, faciles à comprendre, accessibles à l'esthétique et à la bourse bourgeoises. On sera bien forcé, quelque jour, de faire deux expositions distinctes : l'une, le Salon proprement dit, composé d' œuvres choisies, triées sur le volet, importantes et vraiment dignes d'attention; l'autre, absolument libre, répondant aux besoins commerciaux d'une légion chaque jour grossissante et qui, en attirant sans dôme tout autant le public, épargnerait bien des fatigues et bien des déceptions ta la critique.

C'est sur ce souhait que nous terminerons ces quel-

ques réflexions rapides sur l'ensemble d'une exposition où l'admirable et le grand sont à peu près impossibles à rencontrer, où le bon est fort rare, où le médiocre foisonne sous ses deux formes : la forme agréable et la forme détestable, où le pire même est amplement représenté, et qui ne nous paraît certainement point digne des Salons précédents.

A défaut de larges coups d'aile, on sentait du moins chez plus d'un, dans les expositions dernières, des velléités d'élan et d'ardentes échappées vers la poésie que nous ne retrouvons cette année qu'à l'état d'exceptions, — oiseaux rares dans une volière encombrée de linols et de passereaux.

MM. J.-J. HENNER, TH. RIBOT, A. CABANEL , LEON BONNAT. GEORGES BECKER, LEHOUX, GUSTAVE DORÉ.

Celui des jeunes maîtres qui soutient le plus dignement sa réputation celle année, c'est M. J.-J. Henner. Il envoie au Salon deux portraits excellents et une petite toile, simplement appelée Naïade, qui est bien dans l'entassement de toutes ces toiles ce qu'on peut trouver de plus savoureux, déplus exquis, de plus réellement digne d'un peintre. Nature patiente et solide, artiste véritable, épris de son idéal et recherchant non pas le fracas passager, non pas la clameur de la foule, mais la satisfaction de sa propre conscience, M. Henner apporte dans toutes ses œuvres un soin laborieux qui ne sent pourtant pas le travail et la peine. Coloriste

dans une gamme sobreet juste, d'un charme singulier, profond, pénétrant, il aie don, cette vertu suprême ; et ces qualités de pâte qui font que les peintres s'arrêtent, séduits et étonnés, devant ses peintures, il les possédait dès ses débuts. Toutes ses qualités actuelles se retrouvent en effet dans Y Abel qui lui valut son prix de Rome.

Henner esl, dans un temps voué à la production hâtive et à l'art d'exportation, un artiste dédaigneux de ces faciles triomphes qui ont été la perle de tant de talents surchauffés. Je l'ai beaucoup entendu parler de son art, sans l'avoir jamais vu préoccupé que d'une seule chose, l'avenir. Tandis que d'autres travaillent pour l'effet immédiat à produire au Salon ou pour la vitrine de Goupil, il ne s'inquiète que de vouer ses œuvres au temps, comme le poète grec. Aussi bien ses toiles ont-elles la sobriété, la virilité et la sincérité fécondes qui assurent la durée. Le Portrait de M. Picard, en sa robe d'avoué, est modelé et traité avec la vigueur saine et hardie d'un Holbein. Cet homme gros et solide, le menton gras encadré d'un collier de barbe grise, les yeux légèrement recouverts par des paupières tombantes, le visage à la fois rempli de bonhomie et de sévérité, fait songer, avec ses mains si admirablement dessinées, à quelque beau portrait d'Ingres, à ce M. Berlin que nous avons revu, l'an dernier, à l'exposition des Alsaciens-Lorrains. Rien de tapageur dans cette toile :1e rabat et le ruban de la Légion d'honneur tranchent seuls sur la robe noire. Mais que tout cela est franchement et solidement construit! Comme on sent l'ossature humaine sous les muscles! Et comme M. Henner s'est souvenu du mol que répétait Ingres

avec une sorte d'acharnement : La grammaire! La grammaire !

Les mêmes qualités de dessinateur et de coloriste se retrouvent dans la tête de femme que M. Henner appelle Portrait de madame H... Je ne sais rien de supérieur à cette étude serrée de près, ta ce mélancolique visage où se lisent toutes les pensées d'une vie droite et sans amertume. Belle encore, malgré son âge, cette madame Herzog en ses vêtements de deuil, se détachant en noir sur un fond rouge, garde comme une poésie doucement attristée qui cause en quelque sorte une double émotion, l'émotion artistique et l'émotion humaine. C'est que M. Henner ne se contente pas, dans ses portraits, de peindre les vêlements, l'extérieur, l'allure apparente d'un personnage; il descend plus avant en lui, il l'interroge et le devine. Il met de la pensée dans ses prunelles. « Tout le monde peut, à la « rigueur, peindre un œil, disait Thomas Lawrence, « mais tout le monde ne saurait peindre un regard. » M. Henner peint le regard et il peint l'âme. Ses modèles, immobiles et muets, dans leurs poses sans recherche, regardent droit devant eux et semblent penser.

Lui-même, le peintre de Y Idylle et du Samaritain, songe et scrute les secrets de son art. Tel le sculpteur Paul Dubois l'a représenté dans un buste qui est un des bons morceaux du Salon, tel il est, l'œil pénétrant, le sourire à demi narquois, affable et bon. On sent en lui une intelligence apaisée, amie de ce qui est simple et naturel, je dirais volontiers un esprit antique, tant il y a de rapports avec son art et les grâces virgiliennes de cette poésie latine qu'il se plaît à lire volontiers, et qu'il traduit sur la toile par des idylles d'un senti-

ment tendre et d'une grâce rêveuse d'où n'est pas exclue la vigueur.

Le double mélange de l'inspiration antique et du respect absolu de la vérité et de la nature, qui fait le fond même du talent d'Henner, nous le retrouvons dans l'adorable petite toile qui apour titre Naïade. Une jeune femme, nue, couchée au bord de l'eau, la jambe droite repliée, la jambe gauche étendue, s'étire, nonchalante, voluptueuse, sa jolie tête souriante et rosée, à demi noyée dans ses cheveux roux. L'herbe épaisse semble baiser doucement ce corps d'une nudité chaste et d'une carnation douce comme celle d'un Corrége. Le terrain donne à cette peau féminine de légères ombres vertes. Une eau, d'un bleu pâle, réfléchissant le ciel, rit, à deux pas, calme et limpide comme un beau lac endormi. Les coteaux verts, la touffe vigoureuse des arbres, forment avec le terrain solide et puissant des taches harmonieuses sur lesquelles tranche cette apparition savoureuse et charmante, la Naïade. C'est un morceau de roi que cette figure étendue; les pieds si élégamment attachés, les chevilles, minces et exquises, le modelé de la poitrine et des bras, tout y est parfait, et je ne sais combien d'heures on passerait à songer devant cette femme couchée dans ce paysage et qui, loin de rappeler les modèles d'atelier et les brutalités cà la mode, donne au contraire l'impression d'une pure idylle de Théocrite, d'une églogue attendrie de Virgile. La Naïade d'Henner est nue et non déshabillée, qu'on saisisse bien la différence des deux mots. Elle a le charme, elle a la grâce et elle aie style. Gœthe pria un jour un de ses amis de se promener nu sur le bord de l'eau, afin que le poète pût avoir l'impression d'une

scène antique devenue vivante. Mais si Gœthe eût aperçu la Naïade cTHenner, il n'eût plus rien demandé ; il eût emporté le tableau, et avec lui une page, une vision, un rêve de l'antiquité.

M. Th. Ribot est le contraire de M. Henner. Il procède par larges touches, par coups de pinceau violents, par taches successives et puissantes. Le peintre du Saint Sébastien qu'on voit au Luxembourg, et qui est un superbe morceau de maître, semble avoir perdu le sentiment de la mesure; sa vigueur passée est devenue de la brutalité, et l'étrange cuisine de couleur qu'il jette aujourd'hui sur la toile touche peut-être à l'exagération. M. Ribot envoie deux tableaux au Salon : l'un, le Cabaret normand, ressemble plutôt à une assemblée de porions belges jouant aux cartes au fond d'une mine; l'autre, le Portrait de M. Vande-Kerkove-Vanden-Broeck, est la pochade d'un élève de Ribeira poussant à l'excès les procédés du maître. M. Ribotnous répondra comme Rembrandt que sa peinture veut être vue de loin et qu'il laisse la peinture léchée et savonnée au pinceau de M. Bouguereau. « Ne vous approchez pas, la peinture n'est pas saine î » disait l'auteur de la Ronde de nuit. Le fait est que, contemplé à distance, le Cabaret normand garde la lière allure d'une toile magistrale. On sent qu'on a devant soi un talent, un tempérament, une force. Que les personnages soient charbonneux et enfumés, peu importe; la vérité est que voilà un tableau hors de pair et digne d'une galerie de choix. Mais ne regardez pas l'œuvre de trop près, n'essayez pas surtout de pénétrer, comme tout à l'heure devant les portraits de M. Henner, l'âme et l'intelligence du personnage dont M. Ribot a

fait le portrait. L'homme disparaît dans cet admirable tripotis de couleur. Le visage devient une sorte de charcuterie bizarre où les tons violacés et crus se superposent comme si l'artiste avait voulu peindre un pan de chair saignante dérobé à Tétai de l'Espagnolet. Hardi et bien campé, le modèle de M.Ribotse détache sur un fond neutre, avec ses yeux gris, sa moustache rousse, sa joue allumée, brûlée et rougie comme par la fièvre, une cravate d'un violet déteint, tordue autour des peaux du cou. L'art de l'empâtement va bien loin ici et ces plaques de noir ou de bleu, ces mains de baudruche gonflée, ces viandes faisandées, cette furie de brosse et cette intempérance de couleur ne constituent plus qu'une furieuse inspiration lorsqu'il fut un temps où M. Théodule Ribot était, avec sa palette un peu fumeuse et son bitume, un des plus vigoureux artistes d'un temps où les peintres, les véritables peintres, ceux qui ne pouvaient faire autre chose que de la peinture, sont décidément fort rares.

Ce n'est pas à M. Alexandre Cabanel qu'on peut adresser les reproches que mérite, malgré sa maestria, M. Ribot. M. Cabanel est un coloriste à l'eau de rose. Il a cependant fait un violent effort pour attirer l'attention par des tons voyants et des oppositions de couleurs ardentes. La grande composition qu'il appelle Thamar est bien l'œuvre d'un membre de l'Institut qui soudain se révolte contre le gris oiliciel et veut aussi montrer qu'il peut manier l'arc-en-ciel tout comme un Henri Regnault. Thamar, outragée par Amnon, s'est réfugiée chez son frère Absalon, qui ne songe plus qu'à la venger. M. Cabanel exprime correctement celte dernière idée en nous présentant un Àbsa.lon qui

montre classiquement le poing à un ennemi absent. Thamar, les vêlements en lambeaux, le torse joli, mais grêle, s'élend, allanguie et torturée, sur les genoux de son frère. Le livret nous apprend, d'après l'Ancien Testament, qu'elle y « sèche d'ennui, » ce qu'on voit très-clairement d'ailleurs à la maigreur désagréable de ses bras. Une négresse, debout derrière les deux personnages, — l'inévitable négresse des scènes orientales, — est certainement de tout le tableau la figure la mieux réussie. Le reste, avec ce fracas de rouges, de jaunes, de verts, tant de couleurs, sent l'école, le modèle et le convenu. Mais je ne sais pas si je ne préfère point cet essai de polychromie biblique à la fade Vénus que M. Cabanel expose à côté. Ce n'est pas à cette figure nue qu'on pourra faire le reproche de pécher par excès de réalisme. La fadeur de la peinture n'a d'égale que l'incorrection même du dessin.

La Vénus de M. Cabanel est debout et montant, entourée de colombes qui ressemblent bien plus à des flocons cotonneux qu'à des colombes, vers un temple qui estompe sa blancheur de marbre sur un ciel d'un bleu tendre. La déesse, souriante, à demi enveloppée d'une draperie rose, tourne languissamment derrière elle une tête souriante, aux longs cheveux d'or, qui est le morceau le plus aimable du tableau et qui ne manque vraiment pas de grâce. Mais quelle lourdeur dans les jambes! Quelle épaisseur de torse! Quelle fadeur dans la coloration de celte statuette exsangue et crémeuse, qui est comme la mère des amours anémiques! La séduction un peu maladive de l'auteur du Poëte florentin semble s'être dissipée sous je ne sais quelle influence fatale. Cette Vénus n'est plus même du Cabanel, c'est du

Boucher moins la santé, moins le rire, moins le clapotement joyeux de la chair fraîche sous le pinceau indiscret. Du Boucher décoloré! Que reste-t-il ensuite?

Le Portrait de madame la baronne de G... est encore le meilleur tableau de M. Alexandre Cabanel. Cela est froid et compassé sans doute, mais la touche du maître s'y retrouve et le velours noir du corsage est particulièrement bien traité.

Arrêtons-nous devant le Portrait de madame Pasca, par M. Léon Bonnat. C'est une des attractions du Salon et, en dépit de la controverse, une des toiles les plus personnelles et les plus remarquables qu'on puisse rencontrer aux Champs-Elysées. Le talent correct et viril de M. Bonnat s'est-il assoupli en passant du rude Christ en croix de l'an dernier àla comédienne de l'an présent? Madame Pasca est représentée debout, dans un costume russe, robe blanche garnie de fourrure noire, les manches ouvertes laissant voir les bras nus, la taille serrée par une de ces ceintures à boucles moscovites lamées d'argent. La tête haute, regardant en face, la main gauche appuyée au dossier d'une chaise dorée, le bras droit pendant le long du corps, les doigts repliés laissant apercevoir la note bleue et souriante d'une turquoise, l'actrice se détache, comme une apparition saisissante, sur un fond inexplicable, qu'on prendrait pour le reflet d'un incendie ou mieux encore pour la fumée rougeàtre, pour les vapeurs de l'acide sulfurique. Ce fond, en vérité, trouble le spectateur et noie de son ombre la têlc même de la comédienne qui, de cette façon, est malheureusement la partie sacrifiée du tableau. Celte tête, au surplus, est plus tine, plus mor-

dan te que ne l'a représentée M. Bonnat. Le peintre a donné je ne sais quoi d'un peu commun à une physionomie altière et spirituelle de femme du monde et d'artiste. C'est grand dommage, car il y a dans ce portrait des parties traitées avec une surprenante habileté : l'étoffe delà robe, admirable de relief, de vérité, avec ses grands plis cassés, et ce bras droit, d'un modelé si ferme et si élégant, qui se détache réellement de la manche qu'on aperçoit derrière, si bien qu'on sent l'air, qu'on devine l'espace entre cette chair et cette étoffe.

Ce Portrait de madame Pasca, viril et fièrement campé, est bien supérieur au Portrait de l'auteur que M. L. Bonnat expose tout à côté. Le peintre n'a fait là qu'une étude de son brun et énergique visage de Pyrénéen. Tête sympathique et mâle, mais peinture sèche et granuleuse. En fait de portraits conçus dans cette manière sévère et un peu roide, combien tel portrait d'bomme, tourmenté et correct à la fois, par M. Elie Delauney, laisse une impression plus vigoureuse, plus profonde ! Aussi bien n'est-ce pas sur son propre portrait que nous jugerons M. Bonnat, mais sur cette admirable figure de madame Pasca, qui n'est malheureusement, en poussant les choses à l'extrême, que le portrait de la robe et du bras droit de madame Pasca.

En entrant dans le Salon carré, l'œil est tout de suite adiré et tiré par une gigantesque composition de M. Georges Becker, qui frappe dès l'abord par une rare puissance dramatique, par une coloration sombre et tourmentée, par une singulière hardiesse d'elïort. C'est Hcsptia, fille d'Aïa, veillant comme une louve au pied du gibet où ses sept enfants ont été crucifiés par les

Gabaonites. L'auteur de celte vaste toile, M. Becker, est un tout jeune homme, énergique et laborieux, assez petit de taille, le visage imberbe, qui contait l'autre jour, devant nous, que pour mener à bonne fin une composition aussi énorme il avait surtout perdu du temps à monter et à descendre de ses hautes échelles, peignant et jugeant ensuite de l'effet des coups de pinceau. Sans compter le talent artistique dépensé dans ce large tableau, il y a encore là, on le devine facilement, un effort physique. M. Becker, dont la critique avait signalé les tendances vers la grande peinture lorsqu'il exposa son dernier tableau, laVeuve du martyr déposant des palmes au tombeau de son époux , M. Georges Becker est un élève de Gérôme; et on le devinerait facilement à voir les cadavres crucifiés qu'il nous montre se détachant sur un ciel sombre et la recherche d'archaïsme qu'on retrouve dans ces physionomies, dans ces coiffures, dans ces armes accrochées au-dessus des corps des suppliciés. La mère de ces morls, Respha, se dresse menaçante, hurlante, gigantesque au centre du tableau, dressant, contre un aigle qui vient déchirer les cadavres, son bras gauche et poussant un cri terrible, un cri de fauve, un cri de mère. Avec sa robe jaune, sa ceinture violacée, ses boucles d'oreilles curieuses, son profil judaïque et fier, cette figure est bien campée, quoique trop roide. La Respha de M. Becker sent encore l'école. Elle souffre moins qu'elle ne pose. Elle paraît en outre bien grande, comparée à ces cadavres qui pendent là-haut, dans des altitudes terribles et tragiquement variées. Quelle que soit la hauteur du gibet, Respha n'en demeure pas moins une géante à côté de ses fils. Ce qu'il faut louer

sans restriction dans ce tableau hardi et violent, c'est le paysage tourmenté, orageux, farouche. Ces rochers déchirés et sanglants, cette ligne livide rayant un ciel noir de nuées, cet horizon fait d'épouvante sur lequel se détache l'oiseau de proie, en un mot ce décor saisissant et sinistre n'est certes pas l'œuvre du premier venu, et quand on songe que l'auteur de cette tragédie biblique est fort jeune encore, on ne s'étonne pas qu'on ait déjà prononcé son nom pour ce prix du Salon qui, dans la pensée de ses fondateurs, est plus encore un encouragement qu'une couronne.

M. Becker, à coup sur, profiterait beaucoup plus de ce prix que ne Ta fait le lauréat de l'an dernier, M. Pierre Lehoux, l'auteur d'un Samson rompant ses liens, où les musculatures et les raccourcis sont traités avec une hardiesse qui vise à la force et qui n'atteint que l'impossible. Où vit-on jamais de telles cuisses et de tels muscles ? Les personnages de M. Lehoux sont non des êtres de chair et d'os comme les modèles ordinaires, mais des clowns depuis longtemps habituésaux désarticulations bizarres devant le public du Cirque.

Je ne vois guère, en fait d'académies plus fantaisistes, que l'entassement de chairs et de corps nus que M. Gustave Doré a multipliés avec une rare vigueur d'imagination, mais avec un mépris profond pour toute étude, dans son immense toile : Dante et Virgile visitant la septième enceinte. L'illustrateur du Dante a voulu transporter sur la toile un des bois de son édition. On connaît l'art prodigieux avec lequel il entasse les êtres humains et fait, d'un coup de crayon relevé de blanc fixe, grouiller les foules. M. Doré est le dessinateur des cohues; étonnez-vous qu'il obtienne tant de succès

auprès des Anglais î Depuis Martinn, personne n'a comme lui fait tenir des milliers d'hommes, ou plutôt de fantômes, dans un cadre. Mais ces dioramas et ces panoramas sont le contraire de la peinture et de l'art sincère, intime et vrai. La vision dantesque de M. Doré, avec ses hécatombes de damnés, ses anatomies surprenantes, ses personnages dont les veines gonflées ressemblent à des varices, ses serpents aux écailles nacrées,

— serpents bleus, rouges, noirs, effrayants, et tout trouvés pour un nouveau tableau du Tour du monde,

— cette illumination sinistre, livide, orageuse d'une montagne de corps humains par une lumière de soufre, ce buisson de damnés servi comme un buisson d'écrevisses, tout cela peut être du décor, de la peinture d'aspect, faite pour le théâtre, cela n'est point, cela ne sera jamais de l'art. Les Vagabonds de M. Doré, ces Espagnols aux vêtements rouges et jaunes, se détachant sur un ciel indigo, se rapprochent beaucoup plus de la peinture véritable que ce fouillis de corps en caoutchouc et en carton-pâte.

Vivent les artistes qui font tout de bonne foi, comme M. Ingres, et qui, lorsqu'ils peignent le nu, se donnent la peine d'attacher un deltoïde comme il faut ! Ceux-là seuls méritent l'attention et le respect. Non pas que les coloristes purs soient à dédaigner ; mais il est temps d'en revenir, en toutes choses, à la raison, au bon sens et à la sincérité. La vérité n'est ni avec les esclaves de Ja tradition, les eunuques, les pasticheurs et les plagiaires, ni avec les indépendants, les outranciers de l'impression et, pour dire le mot, les chiqueurs. Quel est ce peintre qui, montrant ses broyeurs de couleurs, s'écriait: «Voilà mes antiques! » Il avait raison, s'il en-

tendait dire par là que tout homme doit s'inspirer de

ce qu'il ressent, de ce qu'il voit, de ce qu'il pense. Mais voulait-il dire qu'il faut se contenter de sa propre palclle et ne jamais jelerles yeux sur cet Antique toujours vivant, puisqu'il est éternel, la Nature? Il avait tort. Les œuvres d'art ne sont jamais durables qui n'ont pas été conçues à la lumière de la vérité.