Chapitre XI

Technique. — L'estampe japonaise est le produit de la collaboration du peintre, du graveur et de Timprimeur. Le graveur travaille sous les yeux du peintre, qui a dessiné et peint le modèle. Les Japonais n*ont connu que la gravure sur bois et n'ont jamais eu recours au burin, ni à l'eau -forte. L'artiste commence par dessiner le sujet au pinceau sur papier transparent, puis il colle ce papier en le retournant sur une planche de bois de cerisier et entaille le bois à travers le papier. C'est alors que l'imprimeur intervient : son rôle est des plus délicats, il doit s'efforcer de réaliser les finesses de tons de la composition fournie par le peintre. Avec un tampon rond , il frotte le papier sur la planche gravée. Lorsque l'estampe est en plusieurs couleurs, il faut autant de planches de bois qu'il y a de couleurs et le repérage est fait avec le plus grand soin. L'imprimeur, lui, travaille uniquement à la main, sans le secours d'aucune machine, et c'est avec une science consommée qu'il varie l'encrage et les couleurs. Ces couleurs, délayées à l'eau, pénètrent facilement le papier, qui est un papier sans colle.

Les primitifs. — Les primitifs n'ont connu que l'estampe en blanc et noir. Les plus anciennes estampes japonaises, qui remontent au XIV^ siècle, représentent le plus souvent des sujets bouddhiques ; gravées au trait, elles sont, en général, d'une facture grossière. Le style des livres illustrés du XVI^ siècle est raide et figé : il rappelle la manière chinoise. C'est au XVIP siècle que l'art de l'estampe atteint au Japon la perfection, avec Morono6« (1638-1714), qui en est considéré comme l'initiateur. Son style sans doute est affranchi de l'influence chinoise ; mais ses femmes, il

faut le reconnaître, ont une élégance un peu lourde. Son contemporain, Kiyonobu (1664-1729), est le peintre des acteurs et des scènes de théâtre. A partir de 1715, ses estampes, toujours tirées en noir, ont quelques

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Fig. 22. — Une geisha, par Kwalgetsudo.

rehauts de rouge : c'est ce qu*on appelle des tanyés. L*école des Kwafgetsudo, dont les œuvres datent de 1707 à 1714, nous a laissé des estampes représentant des femmes de grande taille, à la tête ronde et forte, habillées de robes aux plis lourds et très richement décorées (fig. 22). Ces figures, bien qu'un peu archaïques, indiquent un progrès sensible dans le dessin, qui est à la fois plus libre et plus souple.

L'impression polychrome. — Ce n'est que vers 1740 que les Japonais ont commencé à faire usage de planches gravées en couleurs : cette polychromie gravée fut d'abord limitée à deux tons, le rose et le vert. On désigne ces estampes sous le nom de béniyés.

Fig. 23.

- Promenade, par Harunobu.

Musée du Louvre.

L'un des premiers qui exécuta des estampes en deux couleurs est Masanobu (1685-1764) ; il imprime à ses femmes une grâce nouvelle et traite avec réalisme les fonds de paysages. Ses successeurs sont Shigenaga et Toyonobu. Mais la véritable impression polychrome commence, en 1765, avec Harunobu (1730-1770).

Les nuances qu'il emploie sont délicates. Il règne dans son œuvre une harmonie de tons opaques et de tons transparents, où dominent le rouge pâle, le gris, Tocre clair, le vert atténué et les bistres : il a recours parfois à huit tons différents. L'un des premiers, il ajoute des gaufrures. A ses corps de femmies il donne une souplesse, une grâce enjouée qui vont quelquefois jusqu'à l'affectation ; en général, le buste est incliné et la tête est penchée (fig. 23). Les robes n'ont plus ces plis raides qu'on observe à l'époque primitive (fig. 22); les étoffes sont souples et légères. Harunobu est l'auteur de nombreuses estampes et il a illustré beaucoup de livres, parmi lesquels on peut citer les Brocarts du printemps et les Beautés du Voshiwara,

Koriusaf imite Harunobu. Il excelle à grouper plusieurs personnages sur une surface haute et étroite. A la fin de sa carrière, son coloris devient plus chaud et plus riche que celui de son maître. L'élégance de ses corps de femmes a exercé une réelle influence sur l'art de Kiyonaga et d'Outamaro. Ajoutons que Koriusaï est un animalier remarquable : ses oiseaux, notamment, accusent une rare puissance de dessin.

On a vu plus haut avec quel merveilleux réalisme les sculpteurs japonais ont traité les masques de théâtre. La même intensité de vie, la même acuité d'observation se retrouvent dans les estampes consacrées aux scènes de théâtre ou aux portraits d'acteurs, comme en témoignent les œuvres de Shunsho (1726- 1792),deS/iuni/ei (1761-1819), de S/if^éfnasa (1739- 1819), de Biinc/io, mort en 1796. Le plus remarquable de ces artistes est sans doute Shunsho: son coloris est d'une grande vigueur, avec des noirs brillants et des rouges merveilleux. Ses albums les plus célèbres sont les Éventails de théâtre, les Bustes d'acteurs, le Miroir des beautés des maisons vertes et enfin la Sériciculture. Ces deux derniers albums ont été faits en collaboration avec Shigémasa.

Pl. IV

Un acteur, par Sharaku.

L'apogée de Testampe japonaise- — La plus belle époque de Testampe japonaise est celle de Kiyonaga (1742-1815), d'Outamaro (1754-1806), de Hokusaî (1760-1849) et de Hiroshigué (1792-1858). On doit citer également Sharaku, qui s'est spécialisé dans les têtes d'acteurs (pi. IV) et dont la verve caustique et le réalisme n'ont pas été surpassés.

Kiyonaga possède les dons les plus rares. Son coloris est une admirable symphonie, où les noirs veloutés, discrètement employés, accompagnent soit des rouges brique, soit des roses, et où les gris verts s'opposent aux bruns. Parfois, avec une incroyable dextérité, il recouvre dessin et couleurs d'un bleu ou d'un noir très transparent. Sa palette a comme un éclat tempéré. On admire dans ses œuvres une étonnante aisance du dessin. Ses groupes de femmes s'équilibrent avec une science profonde de la composition. Lorsque ces groupes sont composés de trois femmes, ce qui est fréquent, comme dans son estampe du Bac traversant le Sumida (pi. V), la femme du milieu est figurée debout dans une attitude pleine de noblesse et d'élégance ; celles qui l'entourent ont une attitude penchée. Avant Kiyonaga, les femmes étaient, soit comme celles de Moronobiiy de robustes filles très jeunes, soit, comme celles d'/f aruno6u, des adolescentes. C'est Kiyonaga qui, le premier, a représenté la femme japonaise dans la plénitude de ses formes. Quelle que soit l'élégance de leurs silhouettes, les femmes de /Cff/ona^a ont un embonpoint normal, sauf celles qu'il a dessinées à la fin de sa carrière : à ce moment, comme son rival Outamaro, il figure des corps étirés et d'une sveltesse irréelle. D'une façon générale, Kiyonaga nous a. donné une image très fidèle de la Japonaise avec son visage arrondi, ses gestes simples et naturels. Signalons enfin dans l'œuvre de cet artiste l'impressionnisme des paysages qu'il donne comme fond à ses compositions. Ces paysages sont indiqués d'une façon sommaire (pi. V), en quelques touches très habiles.

Kitagawa Outamaro est un des maîtres les plus

Pl. V

Bac traversant la Sumida, par Kiyonaga.

admirés de Testa mpe japonaise ; ses œuvres ont joui et jouissent encore d'une immense vogue, non seulement au Japon, mais aussi en Europe. Son coloris délicat, parfois subtil, a une distinction particulière : c'est une harmonie de tons fondus, passés et pourtant très chatoyants, mais sans une seule note criarde. Ce n'est que dans ses œuvres qu'on observe certains tons , comme le mauve qui se dégrade en gorge de pigeon, ou bien des gris indécis qu'aucun autre artiste n'a su imiter. Oiitamaro a été, avant tout, le peintre de la femme ; il a consacré à cet art toute sa vie et tout son génie. Grandes dames, courtisanes, femmes du peuple défilent dans ses livres illustrés et dans les innombrables estampes qu'il a signées. Il y a lieu d'appeler l'attention sur la série d'estampes intitulée Scènes maternelles : on y découvrira avec surprise un Outamaro simple et vrai, étudiant avec bonhomie de petites scènes d'intérieur, où les mères s'efforcent d'amuser des bambins. Toutefois, la caractéristique du talent d'^Outamaro est ailleurs. C'est dans les deux livres illustrés par lui et intitulés V Annuaire des maisons vertes et les Fleurs des quatre saisons qu'on pourra le mieux apprécier son talent. Outamaro s'y montre sous son vrai jour, c'est-à-dire comme un idéaliste, souvent outrancier, qui ne veut point voir la femme japonaise telle qu'elle est ; il crée là un type de femme qui ne correspond guère à la réalité. En effet, bien que la plupart des Japonaises aient un visage arrondi, Outamaro adopte le visage ovale, parfois trop allongé. La chevelure, très haute, est ornée de multiples épingles (pi. VI), et, sous de fins sourcils très arqués, les yeux sont à peine entr'ouverts ; le nez long est sommairement indiqué et la bouche minuscule donne l'impression de deux pétales de fleurs. Cet artiste possède au plus haut point le sentiment de la ligne ; un charme infini se dégage de ses compositions. Dans sa série des Grandes Têtes notamment, les gestes ont une grâce captivante (pi. VI) et les mains sont admirablement dessinées. Outamaro est.

Pl. VI

Une Japonaise, par Outamaro.

48 L'ABJJAPONAIS

avant tout, le peintre des élégances. La femme japonaise est petite, plutôt trapue et assez rondelette. Or, Ouf a/naro a imaginé un type idéal de Japonaise svelte et élancée (pi. VII). Ces corps de femmes, souvent plus grands que nature et qu'un écrivain du siècle dernier a appelés les corps manncquinés d'Oiitamaro, sont habillés avec un goût somptueux et délicat. Les robes de soie sont décorées avec une fantaisie remarquable : dans sa série d'estampes intitulée les Heures on en trouvera de merveilleux spécimens. Ce sont tantôt des robes pourpres, où il semble que des cours d'eau tracent leurs sillons, tantôt des robes violettes avec des oiseaux sur des arbres en fleurs ou des caractères japonais en blanc, tantôt encore des robes d'un beau noir profond avec des chrysanthèmes, tantôt enfin des robes bleues décorées de pivoines roses. Les larges ceintures s'harmonisent de la façon la plus heureuse avec les robes de couleurs ; elles ont des tonalités éteintes, souvent en vieil or. A la fin de sa carrière, Outamaro est tombé dans le maniérisme et l'afféterie. Ses femmes ont des gestes et des attitudes contournées; et son dessin, trop souple, dégénère en arabesques. Les corps ne sont plus seulement élancés, mais démesurément étirés. Il nous reste à dire un mot d'un aspect tout différent du génie d' Outamaro. Cet artiste, qu'on peut considérer comme le prince des idéalistes, fut également un merveilleux réaliste. Il a illustré trois livres d'histoire naturelle, qui sont des chefs-d'œuvre d'observation et de coloris. Ce sont d'abord les Insectes choisis, où il étudie avec minutie la vie de ces animaux, puis le livre intitulé les Cent crieurs^ qui nous donne des études d'oiseaux, et enfin les SouDenirs de la marée basse ^ le plus beau des trois, sans doute, consacré aux coquillages.

Les imitateurs d^Outamaro sont assez nombreux. Nous citerons d'abord Veishi (1764-1829), célèbre pour sa série des Courtisanes, recueil d'estampes sur fond argenté, œuvre digne du maître, et aussi

Pl. VII

Les Jolies femmes célèbres, par Outaniaro.

Outagawa Toyokuni (1769-1825) : celui-ci est plus réaliste et la grâce de ses compositions rappelle parfois celle des plus grands maîtres du XYIII^ siècle.

Avant d'aborder l'étude du génial artiste Hokusai^ qui est la gloire de l'estampe japonaise, il convient de mentionner l'un de ses précurseurs, Ma «>ai/o«»A7i( 1761 - 1824), le maître du croquis rapide et du dessin cursif. On a dit que le cerveau des artistes japonais est un appareil photographique, dont l'objectif est l'œil. Les Japonais, en effet, perçoivent avec une rapidité surprenante les moindres mouvements, les attitudes les plus variées des animaux ; ils enregistrent dans leur cerveau une image synthétique de la nature et l'expriment avec une merveilleuse simplification dans la notation, en ne donnant que l'essentiel à l'aide d'un dessin sommaire et prodigieusement expressif. Les croquis de Masayoshi nous offrent un exemple frappant de cette extraordinaire faculté (pi. VIII).

Autant par l'importance de son œuvre que par sa personnalité, //o/^w5a/ occupe la première place dans l'histoire de la peinture et de l'estampe japonaises. La vie de ce grand artiste fut étrange. Bohème incorrigible, traqué par ses créanciers, il déménagea, dit -on, quatre-vingt-dix fois. Plein de dédain pour l'argent, Hokusaî ne vécut que pour son art. Il mourut à quatre-vingt-neuf ans, et sa longue carrière nous offre un exemple extraordinaire de labeur incessant et de grande modestie. A soixantequinze ans il écrivait : ** Je dessine depuis l'âge de six ans, j'ai toujours travaillé et pourtant je suis mécontent de tout ce que j'ai fait jusqu'à soixante dix ans. Ce n'est qu'à partir de soixante -treize ans que j'ai commencé à comprendre la forme et la nature vraie. A quatre-vingts ans, j'aurai fait des progrès et à quatre-vingt-dix ans j'arriverai au fond des choses. Je pense à cent ans être supérieur *et, à cent dix ans, tout sera vivant dans mon œuvre. "

Hokusaî est un dessinateur incomparable, un des plus grands artistes de tous les temps. Son coup de

Pl. VIII

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Oiseaux divers, cliauve-souris et cigognes, par Masayoshi.

pinceau est vif, nerveux, incisif, âpre et puissant ; sa sûreté de main et sa spontanéité sont incomparables. Dans la plupart de ses œuvres on observe une recherche passionnée du mouvement : " Je voudrais, écrivait-il, que mes personnages et mes animaux aient

/•■/(/. il.

Les métiers, extrait de j.i Manytra, par Ilolvusaï.

Tair de se sauver du papier et que tout soit vivant dans mon art, soit une ligne, soit un point ". Son recueil, la Mangiva, c'est-à-dire Esquisses rapides, œuvre capitale du maître, véritable encyclopédie de la vie japonaise, ne comprend pas moins de dix mille croquis exécutés d'un seul trait, sans lever le pinceau (fig. 24). Dans ce recueil, où Tartiste saisit, avec une rare acuité d'observation, les gestes et les attitudes, s'épanouissent à chaque feuillet un esprit caustique, une bonne

humeur spirituelle, qui est un des traits du caractère japonais (fig. 24).

L'œuvre de Hokusaï est immense et d'une grande variété. Nous mettrons au premier rang ses trois recueils, les Images des poètes , les Grandes fleurs et les Trente-six vues du Fuji (fig. 25). Dans ce

Fig. 25. — Une des Trente-six vues du Fuji, par Hokusaï.

dernier recueil, Hokusaï se révèle un des premiers peintres impressionnistes ; il donne toute l'importance à la couleur et varie les tons, suivant l'heure du jour et suivant les saisons. On sait que le Fuji est l'un des principaux volcans du Japon. C'est en 1834 qu'il publia un autre recueil sur le Fuji, intitulé les Cent vues du Fuji, Dans ce recueil, le paysage n'est que le cadre de scènes populaires. Mentionnons également sa série des Cascades , qu'on peut compter au nombre de ses chefs-d'œuvre pour l'invention décorative.

Hokusaî ne fut pas seulement un dessinateur d'estampes et un peintre de génie, il fut aussi un merveilleux dessinateur industriel ; il nous a laissé un nombre considérable de modèles pour les étoffes, les peignes, les pipes, les écrans, les gardes de sabre, etc. Comme dessinateur, ce maître eut plusieurs manières. Dans la Mangiva^ son dessin est nerveux, sec, un peu

Fi g. 2b. — La Vague, dans les Trente-six vues du Fufi, par HokusaL

heurté ; dans ses Grandes fleurs, il a de la noblesse, de rélégance, une grâce souple. A Texemple de Korin, Hokusaî t^Ltitot se montre naturaliste ou réaliste, tantôt stylise la nature avec une sorte de lyrisme et un esprit d'invention décorative très remarquable. On en trouve un exemple dans sa Vague (fig. 26), une des estampes les plus connues de son recueil, les Trente-six vues du Fuji. Cette composition, d'une allure si puissante et si pleine de fougue, nous montre la mer en furie : les énormes volutes des vagues sont comme frangées de griffes.

Une place à part doit être réservée au peintre

Hiroshigué, qui est considéré comme un des plus grands paysagistes du Japon et dont les moindres esquisses (fig. 4) sont considérées comme des chefs-

\ JnU^-* '^Cï^^^'J /t^'^

Fig. 27. — - La Grosse lanterne, par Hiroshigué,

d 'œuvre. Par son originalité, par son choix du site, par son étonnante façon d'imaginer des premiers plans qui coupent et repoussent le paysage , cet artiste exerce une véritable séduction. Tantôt il nous montre une grosse lanterne (fig. 27), tantôt le pilotis d'un pont, tantôt des vols obliques d'oies sauvages.

Hiroshiguéa été, avec Hokusaf, un des rares peintres japonais qui aient connu et pratiqué la perspective à la manière des artistes européens ; souvent, d'ailleurs, il la marie à la perspective japonaise, qui est la perspective cavalière ou aérienne. Comme coloriste, Hiroshigué est supérieur à //o^wsai; il affectionne les harmonies subtiles, les crépuscules, les jeux de

Fig. 28. — Un orage à Todasu-no-Marl, par Hiroshigué.

lumière des fonds qui s'estompent. Son habileté est si grande qu'il se joue des difficultés et semble les rechercher. Il n'a pas d'égal pour exprimer les effets de neige (fig. 27), les clairs de lune, les brouillards et surtout les pluies. Il excelle dans l'art de figurer les averses d'orage : à travers le rideau de pluie, on voit les cimes des arbres se courber sous l'ouragan (fig. 28). Un autre effet de pluie torrentielle est obtenu en entrecroisant des traits obliques qui tombent des nuées d'encre (pi. IX).

Les paysages calmes et souriants de Hiroshigué dénotent un amour sincère et poétique de la nature. Entre les premiers plans et l'horizon, le vide est rempli

Pl. IX

Une averse sur le pont de Ryogoku, par Hiroshigué.

par une succession de tons dégradés et de lignes rangées avec un art à la fois très simple et très subtil (fig. 29). Outre ses séries d'oiseaux, de poissons et de fleurs, qui sont très estimées, son œuvre comprend d'abord ses Huit vues d*Omiy consacrées au lac Biwa (fig. 29), et son Tokafdo, où défilent les jolis sites de la route de Yédo à Kioto. En 1856, il publiait

Fig. 29. — Le lac Biwa, par Iliroshi^ué.

un admirable recueil intitulé les Soixante provinces. L'une des plus belles estampes de ce recueil nous donne une image de la Plage de Maïko (pi. X): dans cette planche, les pins opposent le ton rougeâtre de leurs troncs au bleu profond de la mer. C'est à la fin de sa carrière que ce grand artiste publia ses Cent vues de Védo et ses Trente-six vues du Fuji. Ajoutons que Hiroshigué eut comme collaborateur son fils Hiroshigué //, dont l'œuvre présente les mêmes caractères que celle de son père.

Après Hiroshigué c'est la décadence : c'est alors, en effet, que les Japonais commencent à employer les couleurs d'aniline.

Pl. X

La plage de Maïko, par Hiroshigué.

(Extrait des Soixante provinces.)