L'ART DU MÉDAILLEUR

OU emblèmes qui ornent généralement les revers de ses médaillons, un chasseur frappant un sanglier, des aigles dépeçant un faon, un bélier se couchant aux pieds d'une jeune fîlle, offrent à la fois la sincérité d'observation d'un primitif, et la grande tournure dont l'artiste a dérobé le secret aux chefs-d'œuvre de l'antiquité.

Les médailles authentiques du Pisanello sont au nombre de vingtquatre-, elles se trouvent comprises dans une période de dix ans; la plus ancienne, à date certaine (partant la première des médailles de la Renaissance), appartient à l'année 1439, — c'est celle de l'empereur Jean VII Paléologue; — la plus récente à l'année 1449.

Médaille d'Alphonse Y d'Aragon. Par Cristoforo di Geremia. Face et revers.

Pisanello a formé une école nombreuse, et parmi ses continuateurs plus d'un est parvenu à la célébrité. Matteo de' Pasti, le médailleur favori des Malatesta, Andréa Guazzalotti , le médailleur attitré des papes, Cristoforo di Geremia, Giovanni Boldu , se sont distingués les uns par la hardiesse, les autres par la délicatesse de la facture-, s'il n'y a rien à la fois de plus libre et de plus précis que la médaille d'Alphonse V d'Aragon, par Cristoforo di Geremia, avec son admirable revers, d'une liberté que le prince de nos médailleurs français du dix-septième siècle, Guillaume Dupré, n'eût pas désavouée, en revanche quelle souplesse et quelle largeur dans la médaille dans laquelle le Vénitien Boldu s'est représenté lui-même ! On dirait un Giorgione traduit en sculpture : l'art de voir et de montrer les choses en grand n'a pas été poussé plus loin. Cependant, d'une manière générale, surtout vers la fin du siècle, le modelé devient plus rond.

i82 L'ESPRIT DE LA PREMIÈRE RENAISSANCE.

plus mou-, tel est le défaut inhérent aux productions d'un médailleur trop vanté, Sperandio. Les efforts de sculpteurs ou de peintres considérables, Bertoldo, Vellano de Padoue, Antonio Pollajuolo, Gentile Bellini, n'ont pas triomphé de cette décadence.

Il était réservé à un compatriote du Pisanello, Ambrogio Foppa, surnommé Caradosso, d'opérer une réaction salutaire. Avant tout orfèvre, Caradosso substitue le fini propre à son art à la liberté de facture qu'affectionnent les sculpteurs. Ses médailles des Sforza, de Bramante, de Jules II sont d'une précision que même les Benvenuto et les Grecchetto n'ont pas surpassée. Caradosso, au dire de M. Piot, donne en outre aux médailles la forme qu'elles ont conservée depuis : « Il emprunte aux monnaies romaines le grènetis qui leur sert de cadre, et régularise l'exergue du revers, qu'il place, à leur imitation, en sens inverse de la tête, c'est-à-dire qu'il faut renverser la médaille de bas en haut pour le découvrir, et non de droite à gauche (i). »

Il importe, avant de nous séparer de ces bas-reliefs en miniature, qui tiennent une place si considérable dans l'histoire de la Renaissance, de rectifier une erreur fort répandue : à l'exception d'un nombre de pièces infime, les médailles du quinzième et du seizième siècle sont toutes coulées, non frappées. Cette circonstance explique comment des statuaires, des peintres mêmes, ont pu s'improviser médailleurs, sans passer par le long et pénible apprentissage de la gravure en médailles : il leur suffisait de savoir modeler en cire ou en terre glaise. Le bas-relief exécuté par eux servait à produire le moule en terre dont on tirait des épreuves en bronze, en plomb, en argent, parfois même en or.

Les grands seigneurs de la Renaissance se plaisaient à fixer à leurs toques des médailles ornées de l'effigie de quelque personnage célèbre; on peut voir un exemple de cet usage dans le portrait de Charles d'Amboise par Andréa Solario, au musée du Louvre.

Telle était, souvent aussi, la destination des plaquettes de bronze, bas-reliefs minuscules, généralement de forme quadrangulaire qui, d'après M. Piot, ont eu pour objet de « conserver le souvenir des ouvrages des meilleurs orfèvres de la Renaissance italienne : baisers de paix, boutons de chape, agrafes de vêtements, enseignes, imprese ou médagliettes que

(i) Galette des Beaux-Arts, 1878, t. II, p. 1054.

L'ART DU MÉDAILLEUR. i83

Ton attachait aux bonnets-, ornements que Ton attachait aux armures et aux ceinturons, ou que l'on clouait sur les harnais des chevaux pour les jours de cérémonie ; enfin bas-reliefs dont on ornait des coffrets, des salières et des sucriers. On tirait de ces beaux ouvrages des empreintes en soufre, ou on les coulait en bronze, pour en garder la mémoire et pour servir de modèle et d'exemple (i). »

L'intérêt des médailles, en tant que documents iconographiques, a été apprécié de tout temps -, mais la valeur d'art de ces pièces, tour à tour traitées si largement ou si minutieusement, n'a été reconnue que de nos jours. Il y a quarante ans, un étranger, qui consentait à payer un écu pour une médaille ou une plaquette du quinzième siècle, faisait sensation en Italie (2). Aujourd'hui, on voit certains types recherchés atteindre jusqu'à sept ou huit mille francs.

L'art du médailleur, si heureusement retrouvé à l'aube de la Renaissance, permit aux Mécènes et aux humanistes de réaliser un de leurs rêves les plus chers : de perpétuer leurs traits à travers les siècles, tout comme ces Alexandre, ces Auguste, ces Trajan, dont Pétrarque, en un jour d'heureuse inspiration, avait offert les efiigies à l'empereur Charles IV. Les monnaies proprement dites se ressentirent de ces tendances : les portraits des princes régnants commencèrent à y faire leur apparition dans le dernier tiers du quinzième siècle, avec le pape Sixte IV; ils y remplacèrent les emblèmes, écussons ou signes de toute sorte qui jusqu'à ce moment en avaient exclusivement fait l'ornement.

Souvent, nous Pavons constaté à l'instant, il suffit d'un simple changement de procédé pour dérouter les maîtres les plus habiles et pour faire passer le sceptre d'une nation à une autre. Sans rivaux dans l'art de travailler le bronze, les Italiens de la première Renaissance le cèdent au contraire aux Français et aux Flamands dans celui de travailler l'ivoire. Les statuettes ou bas-reliefs, en fort petit nombre d'ailleurs, qu'ils nous ont laissés, sont presque tous d'une facture molle et indécise-, on y cherche en vain les qualités inhérentes à cette branche de la sculpture, la délicatesse du modelé, le fini de la main-d'œuvre. Habitués à voir les choses en grand, les sculpteurs itaUens n'ont pu se plier aux exigences spéciales d'une technique qui,

(i) Galette des Beaux-Arts, 1878,1.11. p. 1067.

(2) Voy. V Eloge de M. His. de la Salle, par M. A. Gruyer, Paris, 1881, p. 24, 25.

i84 L'ESPRIT DE LA PREMIÈRE RENAISSANCE.

à ce moment, de ce côté-ci des Alpes, produisait tant de chefs-d'œuvre encore. La sculpture en bois relève également d'artistes étrangers.

La peinture, on ne saurait assez le proclamer, n'a pas suivi l'essor de ses sœurs, l'architecture et la sculpture : il lui a manqué un Brunellesco ou un Donatello. En 1494, à l'époque où Charles VIII pénètre en Italie, elle est loin d'avoir réalisé son idéal. Il n'est pas donné au jeune monarque et aux vaillants chevaUers qui l'accompagnent d'admirer la Cène de Léonard, les cartons de la Guerre de Pise et de la Bataille d'Anghiari, le plafond de la Sixtine, les Stances, les Loges et les tapisseries de Raphaël, les pages éblouissantes des Giorgione, des Titien, des Véronèse. Mais combien d'autres compositions remarquables ne s'offrent pas à leurs regards! A Milan et dans les environs brillent les ouvrages qu'y ont créés les Pisanello , les Ambrogio Borgognone, les Bartolommeo Montagna, les Zenale. Padoue et Mantoue montrent avec orgueil les immortelles fresques de Mantaigne. L'École vénitienne s'affirme par les retables de Crivelli, d'Antonello de Messine, des Bellin, de Carpaccio, de Cima da Conegliauo. A Ferrare, les fresques de Schifanoja séduisent par mille détails pittoresques. Bologne doit à Francia et à Costa des productions magistrales. Florence réunit dans ses églises et ses palais les peintures qui n'ont cessé depuis de faire l'admiration des connaisseurs. Masolino, Masaccio, Fra Angelico, Filippo et Filippino Lippi, Benozzo GozzoU, Botticelli, Ghirlandajo, Verrocchio, le Pérugin, y ont laissé d'impérissables souvenirs, ainsi que dans les villes des environs, tandis que Rome oppose aux grands cycles décoratifs du Carminé, de San Marco et de Santa Maria Novella, la décoration des deux chapelles de Fra Angelico, au Vatican, celle de la chapelle Sixtine, de l'égUse des Saints- Apôtres, peinte, ainsi que la bibliothèque Vaticane, de la main de Melozzo da Forli, de Saint-Clément, et de la basilique de Latran où les fresques de Gentile da Fabriano rivalisent avec celles du Pisanello. Que l'on passe en revue la peinture d'histoire, le portrait, le paysage, partout les maîtres italiens brillent au premier rang. Observateurs impeccables, poètes presque toujours délicats, plus rarement puissants, dessinateurs pleins de fierté, coloristes séduisants, ils nous paraîtraient avoir touché à la perfection, si le génie d'un Léonard, d'un Michel- Ange, d'un Raphaël, n'avait subitement reculé les limites de la peinture et réalisé des prodiges au point de vue de la pureté du dessin, de la beauté de l'ordonnance, de l'éloquence

La Vocation de saint Pierre et de saint Andréi

Domenico Ghirlandajo. Rome, Chapelle Sixtine.

La Vocation de saint Pierre et de saint André. Par Domenico Giiirlandajo. Rome, Chapelle Sixtin

LA mosaïque. i85

de Texpression : les découvertes archéologiques de la fin du quinzième et du commencement du seizième siècle, l'Apollon, le Laocoon, TAriadne, ont certainement eu leur part à cette suprême évolution.

Parmi tant de qualités qui ont valu à Técole italienne du quinzième siècle son incontestable supériorité sur sa grande rivale, l'école flamande, on n'hésitera pas à placer au premier rang, avec M. Taine, « le talent et le goût de l'ordonnance, partant de la régularité, de la force harmonieuse et correcte (i). » Quel juge impartial hésitera à reconnaître, à ces traits, les leçons de l'antiquité?

La fresque est le procédé favori de la Renaissance italienne. Mais son triomphe n'entrave pas l'essor des autres genres de peinture. Dans leur ardente poursuite du progrès, les Italiens, mettant de côté l'amour-propre national, n'hésitent pas à solliciter le concours de maîtres étrangers pour donner une égale perfection à toutes les formes de l'art. La peinture sur verre, malgré les efforts tentés par quelques artistes de Sienne, d'Orvieto, de Pérouse, avait de la peine à jeter des racines dans la Péninsule : sans scrupule aucun, les administrateurs de l'œuvre de Santa Maria del Fiore se décident, en 1484, à faire venir de Lubeck l'habile verrier F'rancesco di Domenico Livi da Gambasi. A Bologne, c'est également un ultramontain, le frère Jacques d'Ulm, qui dote la cathédrale de sa magnifique verrière. L'élément étranger ne s'impose pas moins dans la tapisserie, dont les productions ne cessèrent, pendant toute la durée de la Renaissance, d'inspirer aux Italiens la plus vive admiration. Sur une vingtaine d'ateliers de haute lisse fondés au quinzième siècle de l'autre côté des monts, trois ou quatre à peine ont compté à leur tête des artistes indigènes. Dans la broderie, les Français, les Flamands et les Allemands montrent une égale supériorité.

La peinture en mosaïque, mieux partagée, ne relève que d'Italiens. Venise est aujourd'hui encore la principale dépositaire de cet art, dernier legs des Byzantins. Longtemps délaissée, la mosaïque dut sa renaissance à Laurent le Magnifique. Avec la perspicacité qui le distingue, le Mécène florentin saisit les avantages du procédé que l'on a si justement appelé la « peinture pour l'éternité », et l'encouragea de toutes ses forces. Le Pesello, Alesso, Baldovinetti et les Ghirlandajo apportèrent à la mosaïque

(i) Philosophie de l'art en Italie, p. 17, 18.

i86 L'ESPRIT DE LA PREMIÈRE RENAISSANCE.

le concours le plus précieux, en attendant que Raphaël et le Titien lui imprimassent une impulsion nouvelle.

A la mosaïque, la plus lente et la plus dispendieuse de toutes les branches de la peinture, le quinzième siècle a souvent opposé avec succès le « sgraffito », procédé aussi expéditif qu'économique : rien de plus élémentaire, en effet, que sa technique*, après avoir recouvert un mur d'un double enduit, l'un noir ou vert, l'autre blanc ou jaune, il suffit de gratter la couche blanche supérieure pour mettre à nu les parties noires correspondantes et pour produire, avec cette peinture à deux tons, les effets décoratifs les plus heureux. Malheureusement la rapidité avec laquelle on obtient le « sgraffito » n'a d'égale que la rapidité avec laquelle il disparaît sous l'action de la pluie. Bien peu d'extérieurs du quinzième siècle ont conservé leur décoration; citons quelques guirlandes, aux trois quarts ruinées, dans la cour du palais des Médicis, à Florence, et un joli médaillon d'homme sur la façade d'une maison de la place Saint-Pierre, à Assise.

Pendant la plus grande partie du moyen âge, les bibliophiles italiens ont été tributaires des miniaturistes et enlumineurs français. Dante encore constatait, dans un vers célèbre, le prestige des ateliers de Paris, et Nicolas V eut recours, en plein quinzième siècle, quoique accidentellement, au grand foyer de 1' « arte dell' alluminar ». La Renaissance ne pouvait que porter un coup fatal à notre École, en substituant à la flore indigène, base presque exclusive de l'ornementation des manuscrits, des formes empruntées soit à la flore étrangère, soit à l'architecture et aux arts similaires. Aux rinceaux touffus, chers à nos compatriotes, succèdent d'élégantes arabesques entremêlées de médaillons, de trophées, de candélabres*, on remarque surtout cette préoccupation de clarté, de pondération, d'harmonie, qui est l'essence même du style nouveau.

La bibliophilie (on serait parfois tenté de dire la biblibmanie) aidant, la miniature éveilla, au quinzième siècle, un enthousiasme inexplicable, que l'on ne peut s'empêcher de trouver hors de proportion avec son importance réelle. Les miniaturistes, par une tendance dans ce siècle de l'universalité, se séparent nettement des peintres; ils leur disputent même parfois le pas (voy. ci-dessus, page 67). Lorenzo Monaco, peut-être aussi Fra Ange- Hco, ont simultanément pratiqué les deux arts : chez leurs successeurs la spécialisation est déjà de rigueur. Francesco d'Antonio, Libérale de Vérone,

LA MINIATURE

Gherardo, son frère Monte di Giovanni, et surtout Attavante se sont rendus aussi fameux par leurs missels ou leurs antiphonaires que d'autres par des tableaux de chevalet ou des fresques. Leur célébrité est en raison de Texiguité de leurs compositions, et de fait, quelle galerie incomparable un Laurent le Magnifique, un Mathias Corvin, ne pouvaient-ils pas se

Broderie du quinzième siècle.

vanter de réunir dans une armoire de quelques pieds carrés. Que dis-je! chaque volume ne formait-il pas une galerie à lui seul! L'auteur ne faisait-il pas successivement passer sous les yeux des ornements d'une grâce exquise, des scènes pleines de candeur et de majesté, des paysages riants, qui n'ont rien perdu de leur fraîcheur, et les portraits de tant de personnages illustres! Ce n'est pas un genre accessoire que nous avons devant nous, c'est du grand art, à une échelle réduite, du grand art en « miniature ». Le signal de la réforme est parti , pour la miniature comme pour les autres arts, de Florence. Gosme de Médicis et son fils Pierre en ont été

les promoteurs. Les premiers, les miniaturistes attachés à leur service se sont inspirés de l'art antique, et ont introduit dans leurs bordures, d'une élégance inimitable, des monnaies, des camées, des intailles, souvent même des bas-reliefs ou des statues.

L'étude des miniatures qui ont pris naissance sur les bords de l'Arno

Initiale d'un antiphonaire du dôme de Sienne.

pendant le quinzième siècle ne réserve pas seulement les plus hautes Jouissances aux fervents de l'art florentin , elle touche aussi de près à l'histoire de la diffusion des principes de la Renaissance dans les autres provinces de l'Italie et même dans les autres parties de l'Europe. Florence, en effet, est devenue au quinzième siècle ce que Paris avait été au treizième, le centre oij les bibliophiles de tous pays faisaient transcrire et enluminer leurs manuscrits. Une bibliothèque célèbre, celle du duc Frédéric d'Urbin (au-

confixrAuf uedcr mtrlto tccvtnciifltmuflitc auvent locuf ada&crui'UTn. artvpUfltTavir ad cJicenduttv omati iTitnuf e(V vtîfuf cjùtrtte^ .. tatnen hoc adttu laucUf qui ferrtptr opntiw cuTCi. ma^ctmrpatiut-.-ncm mca. TncuolûtaS ' lecL tuce- •ntec' i-anonef sit îtitimtE- etatr (lifce ptc- pTobtbutrynt.Na/a cum smaa. p etattnoncwTTvWuivif «otiftor-itatcraLoci cônçtre' .ttn.tt\ffcr\u> elabot^tum inc ftria. affem cwrtcT^/ oTnnrtnciiratcrvipufamicorruTLtcrnporitnif.tmnf- Il mitbcnmttn putaui . Itad, nec». Ktc locuf uacuuf unq ab hif aui urâm <à5S\ iJip^OMtnaerent- A.' mcuf talaor t priiKitomm «penctaUf caftr intcorcci. uerfknib t^t ueftro lucttcto fruiftunm. cit ampltfliinunv confetmtuf.Ham ciitt» prcpter' dllati.cmJi?rticx<tnitioruTn,KrprewrprinirirccTvtxirijf cuneWr«^ '

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Héliog- Dujardin.

Imp. Eudes

MINIATURE TIREE DES DISCOUPS DE CICÉRON, •Florence. BiU.Lam-entienne.Pl. XLVIII.Î1° 8,

LA MINIATURE

jourd'hui réunie à la Vaticane), est sortie en grande partie de Tofficine d'un libraire florentin doublé d'un écrivain, Vespasiano dei Bisticci : pen-

La Visitation. Miniature de Libérale de Vérone. Dôme de Sienne.

dant quatorze années et davantage, le prince urbinate entretint soit à Florence, soit dans sa capitale, trente à quarante copistes ; il dépensa pour cet objet plus de 3o,ooo ducats, un million et demi de francs. C'est à Florence aussi que le brillant roi de Hongrie, Mathias Corvin, fît exécuter la plupart

igo L'ESPRIT DE LA PREMIÈRE RENAISSANCE.

de ces volumes splendides, qui, aujourd'hui dispersés à tous les venis, font Torgueil des principales bibliothèques de T Europe. Quatre copistes travaillaient pour lui en permanence dans la capitale de la Toscane; quant aux artistes chargés d'illustrer ses manuscrits, ils s'appelaient, et c'est tout dire, Gherardo et Attavante (i). La vogue dont jouissaient les miniaturistes florentins devint si grande qu'en 1483, c'est-à-dire à une époque où notre pays était encore peu préparé à goûter les beautés de l'art italien , Thomas James, évêque de Dol, en Bretagne, consentit aux plus grands sacrifices pour obtenir qu' Attavante enluminât pour lui un missel, — aujourd'hui un des joyaux du trésor de la cathédrale de Lyon (2).

L'essor de la miniature florentine est du à plusieurs causes. La supériorité des copistes formés à l'école des Niccolô Niccoli, des Leonardo Bruni, d'Ambroise le Camaldule (3), y a contribué beaucoup. Les amateurs de livres ayant trouvé avantageux de faire exécuter leurs copies dans la capitale de la Toscane, où affluaient alors, de toutes les parties de l'Europe, les manuscrits les plus précieux, et où les copistes se distinguaient à la fois par leur belle écriture et par la correction de leurs transcriptions, prirent rapidement l'habitude de faire illustrer ces copies dans la même ville. D'autre part, l'art de la miniature s'était maintenu en honneur dans les couvents de Florence et des environs; nous le savons par les beaux manuscrits enluminés provenant notamment de Santa Maria degli Angeli.

L'intervention des Médicis ne pouvait manquer de féconder le terrain si heureusement préparé. Vespasiano dei Bisticci se vit forcé de réunir quarante-cinq copistes pour contenter l'impatience fébrile de Cosme l'Ancien, qui lui demandait de doter au plus tôt des manuscrits indispensables la « Badia » de Fiesole, une de ses créations favorites. Dès lors, les Médicis furent les clients les plus magnifiques des copistes et des miniaturistes.

Les plus beaux manuscrits de la Bibliothèque Médicéenne, correspondant aujourd'hui, dans ses lignes principales, à la Bibliothèque Laurentienne, datent du principat de Pierre, fils de Cosme (141 6- 1469). Cet amateur d'un goût si fin confia principalement à Francesco d'Antonio del Gherico l'exécution de ses miniatures. Le frontispice d'un de ses manuscrits,

(i) Alfred de Reumont, l'a Biblioteca Cori^nia; Florence, 1879.

(2) L. Delisle, le Missel de Thomas James, évêque de Dol. Extrait de la Bibliothèque de l'École des Chartes, 3° série, tome III.

(3) Voyez Wattenbach, Das Schriftwesen im Mittelalter, édition de iSyS, p. 410.

Helioo- J)-ujardin.

Imp. L.EucLes .

L 'APPARU lOK DE LA VIER&E A SAINT BERNARD. Mamiscnt du fonds iUrlm N° 9S,Bi"bliQtLe(p.e du Vatican.

LA MINIATURE

lyi

une traduction latine d'un traité d'Aristote , par Argyropoulos, nous initie aux ressources de ce talent hors ligne : on n'a pas surpassé l'élégance de ses

La délivrance de saint Pierre. Miniature de Libérale de Yérone. Dôme de Sienne.

rinceaux. Cette page merveilleuse est ornée, dans la bordure inférieure, de la médaille de Pierre de Médicis, tandis que celle de son père orne la bordure verticale de droite. Sur l'écusson, une des boules ou « palle » porte les fleurs de lis : le manuscrit ne saurait donc être antérieur à 1465, époque

à laquelle Louis XI accorda aux Médicis le droit de joindre les armes de France aux leurs; il ne saurait d'autre part être de beaucoup postérieur à 1469, date de la mort de Pierre. On remarquera que si Francesco d'Antonio copie fort convenablement les camées antiques appartenant à son protecteur, il suit la tradition lorsqu'il s'agit de représenter les philosophes de l'ancienne Grèce; pour lui, leur costume et leur accoutrement ne diffèrent pas de ceux des Grecs de son temps : barbe longue et pointue (les Italiens, à cette époque, ne portaient que rarement la barbe ou la moustache), coiffure bizarre, disgracieuse. — Francesco d'Antonio, nous le savons par les annotateurs de Vasari, enlumina, en outre, un grand nombre de manuscrits destinés à la cathédrale de Florence et à la basilique de Saint- Laurent (i).

La Renaissance, nous l'avons indiqué en commençant, trouva un puissant auxiliaire dans ces peintures microscopiques, si propres, grâce à leur format, grâce aussi à l'ardeur avec laquelle on recherchait dès lors les textes classiques, à répandre en tous lieux la doctrine nouvelle. De bonne heure, les miniaturistes groupés autour des Médicis s'efforcèrent de mettre le style de leurs ornements ou de leurs compositions en harmonie avec le caractère des écrits qu'ils étaient chargés d'illustrer. Cette préoccupation perce pour la première fois dans une lettre de Léonard d'Arezzo à son ami Niccolô Niccoli : il lui demande défaire orner un exemplaire des Discours de Cicéron d'initiales, non dorées ou peintes en pourpre , mais dessinées à la mode antique, « vetusto more ». Un peu plus tard, les chefs-d'œuvre de l'art grec et romain réunis dans les collections de Médicis contribuèrent singulièrement à enrichir et à renouveler le domaine de l'ornementation. Des médailles, des camées, des intailles, des statues, prirent place au milieu de rinceaux d'une légèreté et d'une grâce admirables; on ne saurait surtout assez célébrer le contraste de ces figures nobles et sévères avec les adorables adolescents florentins, en costume de l'époque, qui leur font pendant. Aussi vivante et aussi pittoresque qu'au moyen âge, la composition des bordures acquiert, par l'introduction de modèles antiques, une netteté et une distinction absolument nouvelles.

Sans doute, au début, les tentatives d'interprétation de l'antique ne furent pas toujours couronnées de succès. On a parfois de la peine à découvrir

(i) Éd. Lemonnier, t. VI, p. 164, 190, 248-259, 273-276.

3 çy^

LA MINIATURE

les prototypes, sous ces imitations plus pieuses que savantes : la maigreur, l'incorrection du contour, la vulgarité des types, ces défauts dont plu-

La Grammaire. Miniature d'Attavante. Venise. Bibliothèque de Saint-Marc.

sieurs représentants de l'École florentine ne s'étaient pas encore absolument corrigés à la fin du quinzième siècle, éclatent à chaque instant, surtout dans les figures nues dont les miniaturistes des Médicis se plaisent

à orner leurs bordures : V Anthologie, enluminée en 1494 pour Pierre de Médicis, nous montre qu'à ce moment même toute difficulté n'avait pas disparu.

Les leçons d'Attavante contribuèrent, plus que toutes autres, à familiariser les miniaturistes avec les beautés propres aux modèles antiques. Qu'il s'agisse de pierres gravées, de sarcophages, de médailles, ce grand artiste les copie avec une légèreté, une sûreté, une verve admirables. En examinant, à la Bibliothèque royale de Bruxelles, le missel enluminé par le maître en 1485, pour Matthias Corvin (i), il nous a même semblé qu'il s'entendait mieux à interpréter l'art grec que l'art romain; il y a dans ses figures une grâce et une flamme absolument attiques.

On dirait qu'Attavante, prenant exemple sur les sculpteurs grecs et romains, dont il pouvait admirer les chefs-d'œuvre dans les collections des Médicis, a recherché la pureté du dessin plutôt que l'éclat de la composition. L'intérêt se concentre en général chez lui sur un petit nombre de figures ; mais quelle expression, quelle suavité, quelle noblesse n'y a-t-il pas mises! Il est telle de ses personnifications, notamment dans le Marcianus Capella de la Bibliothèque de Saint-Marc, à Venise, qui peut rivaliser avec les fresques de Botticelli et de Ghirlandajo. Ce n'est pas, toutefois, qu'en citant ici le manuscrit de Venise, je prétende l'égaler à celui de la Bibliothèque de Bruxelles. La différence est des plus sensibles : autant il y a de souffle dans le missel, autant il y a de sagesse, presque de timidité dans le Marcianus Capella; les types sont bien les mêmes, mais avec quelque chose de moins personnel, de moins vivant, de moins poétique.

Les copistes et miniaturistes florentins trouvaient assez d'occupation dans leur patrie pour ne point chercher fortune au dehors. De là vient que leur nombre est relativement restreint dans les autres capitales de l'Italie. Nous ne pouvons mentionner qu'un artiste du nom d'André, au service du pape Pie II, et deux autres, Francesco di Lorenzo Rosselli, le frère du peintre, et Litti Corbizzi, au service des établissements pieux de Sienne. Les autres souverains, les ducs de Milan, de Ferrare et d'Urbin, les papes les rois de Naples, étaient réduits à employer soit des artistes indigènes, soit des ultramontains, notamment des Allemands.

Dans les manuscrits de la Bibliothèque d'Urbin, comme dans ceux de la

(i) Décrit par M. Frocheur, dans le Messager des sciences historiques de Belgique, i83g^ p. 32g et suiv.

La Descente du Saint-Esprit. Miniature d'Antonio de Monza (Vienne. Collection Albertine).

igô

Vaticane, lornementation éprouve quelque peine à s'affranchir du joug du moyen âge. Dans ceux des Sforza ou des princes d'Aragon, Tinfluence florentine éclate au contraire au grand jour, quoiqu'il n'ait été donné que rarement à leurs enlumineurs d'atteindre à la distinction, à la pureté d'un Attavante ou d'un Gherardo. La Reprehensio sive objurgatio in calumnia-

Carrelage émaillé du dôme de Parme.

tores divini Platonis, d'Andréas Contrarius, rappelle de là manière la plus frappante un manuscrit exécuté pour Pierre de Médicis : mêmes entrelacs un peu lourds, même profusion de camées antiques ou de médailles modernes. Les miniaturistes des Sforza recherchaient aussi ce genre d'ornementation. On peut en juger par le frontispice de l'ouvrage de Gambagnola, exécuté, en 1490, pour Ludovic le More, et surtout par la Descente du Saint- Esprit, chef-d'œuvre d'Antonio de Monza (i). Cette page grandiose nous

(i) Voy. la Collection Albertine, par M. Thausing; Paris, 1870, p. i5.

LA MINIATURE

offre, à côté de figures inspirées de Léonard de Vinci, un encadrement architectural où tout rappelle Tart romain, depuis les palmettes, les rosaces, les rinceaux, jusqu'aux médaillons d'Agrippa et de Néron, auxquels viennent s'ajouter ceux de quatre autres personnages dont les noms sont malheureusement aux trois quarts effacés. Les mêmes tendances se retrouvent

Carrelage émaillé du dôme de Parme.

chez les artistes de l'école de Vérone : un manuscrit des Épitres de saint Jérôme (exécuté entre 1470 et 1480), récemment entré au Cabinet des Estampes de Berlin, après avoir longtemps fait partie de la bibliothèque Hamilton, contient des reproductions de camées d'un dessin vraiment magistral. On remarquera entre autres les bustes de deux personnages barbus, placés l'un en regard de l'autre, une figure d'homme et une figure de femme, également affrontés, et enfin deux personnages l'un assis sur un globe, et l'autre, un vieillard, poursuivi par deux génies. L'élégance et la

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pureté des figures montrent les progrès accomplis dans l'interprétation de l'antique.

La peinture en émail est, avec la sculpture en ivoire et en bois , le genre dans lequel l'Italie nous a laissé le moins de chefs-d'œuvre. L'émail champlevé ne compte plus de partisans qu'à Sienne et dans quelques autres

Carrelage émaillé du dôme de Parme.

villes attardées-, l'émail translucide lui-même, une des plus brillantes inventions de l'art italien, a peine à lutter avec les nielles, dont la vogue augmente de jour en jour.

La peinture céramique, au contraire, prélude dès la fin du quinzième siècle à ses triomphes du siècle suivant : les ateliers de Faenza, de Pesaro, de Gubbio, ont déjà leur individualité bien marquée (i)^ déjà, à l'instar

(i) Labarte, Histoire des arts industriels, i" édit., t. I, p. 275 et suiv., et Molinier, les Majoliqites italiennes en Italie. — Nous devons à M. Molinier le dessin des intéressants carrelages reproduits ci-dessus. Qu'il veuille bien recevoir ici tous nos remerciements.