RESTAURATIONS

N'insistons pas sur les administrations modernes des galeries et leurs restaurations ; on ne peut qu'admirer leur savoir-faire et leur bonheur, quand elles ont aussi bier réussi que dans le dernier exemple cité. Mais dès l’antiquité il y eut des faits analogues. Non seulement les têtes des statues étaient jetées à bas et remplacées par d’autres, selon les révolutions politiques et les changements de gouvernement, mais les sculpteurs, au moins ceux de l’époque romaine, devaient avoir en réserve un certain nombre de statues sans têtes auxquelles ils donnaient, après la commande, une figure et une ressemblance. Cela s’accordait parfaitement avec la coutume des grands, établie depuis Alexandre, de se faire représenter sous les traits d’une divinité, ainsi qu'avec la mode romaine des derniers siècles de faire entrer dans l'exécution des statues plusieurs sortes de pierres. À la fin, le choix de la tête de marbre qui serait adaptée à la draperie d’albâtre ou de porphyre devint chose tout à fait indifférente.

Tout cela doit disposer le visiteur à la circonspection. Il existe assez d'œuvres authentiques et bien conservées pour qu'on arrive, grâce à une observation persévérante, à se former le jugement. Si l’on est choqué de telle où telle restauration, qu'on s'efforce d'en imaginer une meilleure ; c'est à coup sûr une des plus nobles occupations que puisse inspirer à un esprit méditatif la contemplation des œuvres antiques.

Les restaurations, comme bien on pense, sont souvent facilitées par l’existence d'exemplaires mieux conservés de la même œuvre. Il ne peut y avoir aucun doute, par exemple, sur la restauration du Satyre qui portait autrefois, à ce que l’on croit, le surnom d’&ïllustre » (periboëtos) et que possèdent toutes les collections, souvent à plusieurs exemplaires. Mais pour bien des œuvres les artistes sont réduits à des analogies, notamment à l'étude des bas-reliefs, où du moins le modèle de la figure qu'ils ont entre les mains se trouve complet. Pour le détail et le mouvement des bras et des jambes surtout, chacun est guidé par son sentiment et par son étude de l’antique.

Les objets décoratifs en marbre et en pierre, tels que les candélabres et les vases, sont, comme on l’a remarqué plus haut, souvent aux deux tiers restaurés d’après un fragment quelconque ; pour les vases, le pied est rarement ancien, les anses et le bord supérieur sont le plus souvent complétés d’après les parties qui en restaient. Sur les bas-reliefs on a quelquefois rétabli plusieurs figures d’après les moindres indications de pieds, d’ustensiles, de draperies et autres détails de ce genre.

Plus la découverte et la restauration d'une œuvre est récente, plus on la trouvera (en général) consciencieusement traitée. Les grands progrès de l'archéologie et des études comparées, depuis un siècle, ont eu ici la plus salutaire ufluence. Les restaurations d'artistes antérieurs , par exemple dans les vieilles collections Farnèse et Médicis et dans bien des collections romaines particulières , étaient plus d’une fois non seulement contraires au style et même à la raison, mais entraînaient malheureuse-

ment encore des retouches et un polissage de l’œuvre entière que l’on voulait ainsi mettre en harmonie avec les parties nouvelles. Comme les antiques n'étaient pas exposés alors dans les musées pour l’enseignement, mais dans les palais des grands pour la décoration , on exigeait absolument l'impression d’un ensemble intact. Un grand nombre de torses, que l’on exposerait aujourd'hui comme fragments, ont été complétés dans ce temps-là en forme de statues. C'est la “collection Médicis qui en renferme le plus.

Les types ou formes représentatives de l’art antique, surtout ceux des dieux et des héros, atteignirent leur expression définitive à l’époque la plus florissante de la Grèce, au cinquième et au sixième siècle av. J.-C., de PHipras à Lysrppos. Plus tard sans doute naquit encore mainte figure nouvelle, mainte conception ayant surtout le caractère de la grâce, et même le temps d’Adrien créa encore à l’image d’un homme l'idéal d'Antinoïüs, cependant on préférait de beaucoup la reproduction plus ou moins libre des modèles, héritage de la grande époque.

A côté de ces œuvres, depuis le temps qui précéda Phidias, et même depuis la plus haute antiquité, se conservait la tradition d’un style plus primitif, plus solennel et un peu raide, le style hiératique ou style de temple. Les œuvres de l’ancienne époque où il était florissant (& temps archaïque » ) sont extrêmement rares en Italie; sauf les métopes du temple de Sélinonte [A] et d'autres fragments siciliens, on ne peut guère mentionner que le relief d’un tombeau : un homune avec son chien, au Musée de Naples (salle VI) [B];'et celui qui représente Leucothée, à la Villa Albani à Rome (salle des reliefs) [0]. Il y a en revanche un grand nombre de sculptures plus récentes d’un archaïsme voulu, surtout des reliefs d’autels, on voit aussi fréquemment des statues de ce style, et, pour certains types, comme le Bacchus barbu, le style hiératique à continué de régner seul. ,

Quel motif a pu engager les Grecs, et plus tard les Romains, à conserver volontairement à côté de leur art libre et grand ce style sans indépendance? D'abord, sans nul doute, la vénération pour le culte, assoeiée de temps immémorial aux dieux, aux offrandes et aux autels hiératiques. Plus tard, ce genre revêtit le charme de toute chose antique et naïve, et l’art s’efforça, dans les limites exigées par ce style, de faire œuvre originale par les contours et le modelé, Enfin, l'usage de ce style devint affaire de goût esthétique raffiné, peut-être même une réaction consciente contre la facture surchargée et tourmentée des reliefs romains. Peut-être la plupart des œuvres hiératiques que nous possédons aujourd’hui ne sont-elles pas antérieures à l'empire, on suppose qu’elles datent notamment de l’époque d’Adrien, qui s'adonnait aussi avec zèle

à l’imitation du style égyptien.