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bénéfice, à Naples, une cantate intitulée la Hiconoscenza (27 décembre 1821). A son retour en Italie, il trouva les ministres de l’Europe monarchique réunis au congrès de Vérone. Le musicien, qui n’avait éprouvé que de fort médiocres sympathies pour la révolution napolitaine, pouvait, sans rien renier de son passé, accorder sa lyre en l'honneur de M. de Metternich et des autres membres du congrès. Telle fut l’origine de la cantate : II vero omaggio, chantée en 1822 au théâtre des Filarmonici.

Résolu d’abandonner l’ Italie où ses innovations musicales n’étaient pas comprises, comme l’avait prouvé la chute de la Donna del Logo, Rossini voulut du moins, en signe d’adieu, laisser à sa patrie une œuvre importante. Quarante jours lui avaient été donnés par le directeur de la Fenice pour écrire un opéra. Il ne mit pas quarante jours à composer la Semiramide, l’un des ouvrages dans lesquels il a dépensé le plus d’idées neuves et variées. Cependant la Semiramide tomba à Venise (3 février 1823); car pour une production de cet ordre, un accueil froid équivaut à une chute.

Il est vrai qu’elle se releva brillamment à Paris où elle trouva de dignes interprètes dans M“" Sontag et Pisaroni. Après un long succès aux Italiens, on a entendu cette partition à l’Opéra le 4 juillet 1800. La traduction était de Méry, les récitatifs avaient été adaptés à la scène française par Carafa, qui composa aussi la musique du ballet.

Les décors empruntés au musée assyrien étaient remarquables par la couleur locale. Dans le personnel du chant, on a surtout distingué les deux sœurs Carlotta et Barbara Marchisio. L’ouverture de cet opéra est une des plus belles que l’imagination musicale puisse produire dans cette forme. Semiramide marque en quelque sorte la transition de Rossini de l'École italienne à l’École française. Les cantilènes et les vocalises n’y manquent pas ; mais on y trouve déjà des accents caractérisés, et un certain coloris approprié aux temps et aux lieux. Je me contenterai de citer le trio : Là dal Gange, et le quatuor du premier acte ; la cavatine : Del raggio lusinghier, et le duo : Serbami ognor si fido, du second ; enfin le trio sublime du dernier acte : l'Usato ardir, et toute la scène du tombeau de Ninus.

Ici s’arrête la carrière italienne du maestro. Ayant obtenu un engagement pour écrire un opéra, la Figlia dell' aria, destiné au théâtre du Roi, à Londres, il partit avec sa femme pour l’Angleterre. Son premier séjour à Paris date de celte époque. U y arriva le 9 novembre 1 823 et y reçut durant quelques semaines les témoignages de sympathie et d'admiration que la moderne Athènes prodigue aux privilégiés de-l’art. Les Anglais ne se montrèrent pas moins heureux de posséder l’illustre maître et le roi George IV lui-même lui fit la plus gracieuse réception. Il n’en fallait pas plus pour mettre Rossini à la mode dans un pays où les sujets prennent volontiers exemple sur le souverain. Le maître fut partout accueilli, fêté, choyé. A la vérité, son contrat avec le directeur du théâtre du Roi resta lettre morte, à cause du mauvais état dans lequel se trouvaient les allaires de ce théâ-

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tre ; mais le compositeur n’eut pas lieu de regretter les profits que la représentation de la Figlia dell' aria lui aurait rapportés. Cette perle fut largement compensée par l'argent qu’il gagna, soit en donnant des concerts à son bénéfice, soit en dirigeant l’exécution de plusieurs soirées musicales, et surtout comme professeur de chant.

Ainsi que la plupart des compositeurs italiens, Rossini pratiquait personnellement l’art du chant. Pianiste excellent, accornpagnaleur incomparable, doué d'une jolie voix de baryton, il trouva dans les salons de l’aristocratique Angleterre un accueil enthousiaste, et ce fut là qu’il réalisa les bénéfices les plus considérables.

Au bout d'un séjour de cinq mois en Angleterre, Rossini avait tiré 1 75, U00 lianes du dilettantisme britannique. Il revint à Paris, et fut investi des fonctions de directeur du théâtre Italien. C’est à ce moment que l'on commença à connaître réellement les productions de son génie dans notre pays, où elles n’avaient d'abord été données au public que tronquées et défigurées de la plus étrange manière. Une lutte ardente éclata autour de l’ Italianain Algeri, de l 'Inganno felice, du Barbiere, etc. Les pédants, les réactionnaires trouvaient dans la nouvelle musique une foule de fautes, et s'élevaient avec force contre le compositeur, qualifiant de négligences des innovations, des hardiesses produites par une science supérieure. Le plus autorisé était Henri Montan Berton, membre de l’Institut, et artiste de talent, l’auteur heureux de A lantano et Stéphanie. Dans cette circonstance, la gloire qu'il avait acquise par ses précédents travaux ne lui fut d'aucun secours pour prouver ce qu il était impossible de soutenir, et il ne retira d’autre fruit de sa campagne contre le rossinisme qui était destiné à triompher, que le sourire avec lequel était accueilli dans les salons ce surnom qu'il donnait à Rossini : il signor Vacarmini.

Le premier ouvrage que l'auteur d 'Utello composa à Paris fut II Viaggio a Reims, ossia l'Albergo del giglio d'oro de Voyage à Reims ou l'auberge du Lis d’or), opéra en un acte écrit à l'occasion du sacre de Charles X et représenté au théâtre Italien le 19 juin 1825. Il Viaggio a Reims réussit complètement. La pièce n’offrant qu’un intérêt du moment, cette circonstance aurait pu nuire au mérite durable de la partition, si l'auteur n'en eût plus lard fait passer les principaux morceaux dans le Comte Org.

C'est vers celte époque que Rossini composa les Soirées musicales, recueil de morceaux de chant où la grâce de la mélodie s allie à une harmonie neuve et distinguée. Ce sont autant de perles de la plus belle eau. 11 suffit de citer le duettino : Mira la bianca lutta.

On sait à quoi s'en tenir sur la prétendue paresse de Rossini ; mais ce qui se concilie très-bien avec le goût du travail intellectuel, c’est l’horreur du tracas des affaires, et une certaine indolence mal à l’aise au milieu des soucis d'une administration. Le surintendant des beaux-arts ne fut pas longtemps à reconnaître que le théâtre Italien périclitait entre les

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mains inexpérimentées de l'homme de génie auquel on l'avait confié. Mais comme le gouvernement de la Restauration voulait, et avec raison, attacher Rossini & la France, en lui retirant la direction du théâtre Italien on le nomma intendant général de la musique du roi et inspecteur général du chant en France. Ces fonctions n otaient que des sinécures et rapportaient vingt mille francs par an; mais ce n’était pas payer trop cher l'honneur de fixer sur notre sol un maitre déjà illustre par .vingt chefs-d'œuvre.

Pour répondre à tant de générosité, Rossini était tenu d'écrire des partitions, obligation facile à remplir pour lui. Le 9 octobre 1820, il donna à l'Académie royale de musique le Siège de Corinthe, opéra en trois actes où il fit entrer son Maometto en y ajoutant d’autres morceaux tels que le bel air chanté par M”e Damoreau et la magnifique scène de la bénédiction des drapeaux. Le succès du Siège de Corinthe fut aussi éclatant que mérité. Tout le monde connaît l’air de basse : Qu’à ma voix la victoire s’arrête, et la prière : L'heure fatale approche.

Le second ouvrage que Rossini fit représenter à l'Opéra fut encore tiré de son répertoire italien. On se souvient de l’oratorio de Mosb in Kgitto, enlendu au théâtre San Carlo de Naples pendant le carême de 1818. L’auteur en fortifia l'expression dramatique déjà puissante, y ajouta plusieurs morceaux et le donna à l'Académie royale de musique sous le titre de Moïse, le 2(1 février 1827. L’introduction, dans laquelle Moïse reçoit les tables de la loi, renferme des chœurs de la plus grande beauté, entre autres un quatuor avec chœurs sans accompagnement. Deux chœurs ont été pris dans l’opéra d'Armido ; Germano a te richwde , et : Che tutto è calma. Le duo d’Aménophis et d’Anaï : Si je perds l’objet que j’aime, produit plus d'elTet à l'Opéra français qu’aux Italiens. Il est suivi d'un autre duo ravissant pour deux soprani : Dieu dans ce jour prospère ; mais le second acte offre des beautés plus émouvantes. Après la scène des ténèbres vient le fameux duo : Parlar, spiegar, qui dans la pièce française commence par ces mots : Moment fatal, que faire? C’était le triomphe de Nourrit et deDabadie. Le finale du troisième acte a été ajouté à la partition primitive, sauf le pathétique quatuor : Mi manca la voce. L'air du quatrième acte : Quelle horrible destinée! parait avoir été écrit expressément pour M11» Cinti. L’accompagnement lui donne un mouvement très-dramatique et passionné. Enfin le morceau qui domine tout l’ouvrage à cause du succès qu'il n’a cessé d’obtenir est la prière : Dal tuo stellato soglio ( Des deux où lu résides).

Le Comte Org, opéra en deux actes, joué à l’Académie royale de musique le 28 avril 1828, est une des meilleures productions de Rossini. Nulle part peut-être il n’a fait preuve de plus d’esprit, ni obtenu des effets plus variés que dans l’instrumentation de cet ouvrage dont la musique reproduit en grande partie la partition du Viaggio a Reims. Les morceaux composés expressément pour T Opéra français sont : l'air du gouverneur : Veiller sans cesse ; le chœur des chevaliers : Ah! la bonne folie ; le chœur

LES MUSICIENS CÉLÈBRES des buveurs : Qu'il avait de bon vin , le seigneur châtelain, et la suave prière qui le suit; enfin le trio : A la faveur de cette nuit obscure.

L’année suivante, le maître mit le sceau à sa réputation en écrivant un ouvrage qui, au milieu de tant de chefs-d'œuvre, demeurera son plus beau titre de gloire. Mes lecteurs ont déjà nommé Guillaume Tell, opéra en quatre actes , paroles de llippolvte Bis et Jouy, représenté à l'Académie royale de musique le 3 août 18:29.

Le drame de Schiller a été pour le musicien la source d'inspirations tour à tour champêtres, guerrières, gracieuses, pathétiques, douloureuses, sombres, éclatantes. C’est une fusion merveilleuse des qualités propres à l’art allemand et à l’art français : ici la grâce de la cavatine et du duo italiens; là, l’harmonie savante et profonde des chœurs allemands; partout, la clarté et l'énergique précision du génie français.

Le caractère général du drame est parfaitement exprimé dans l’ouverture, divisée en quatre parties. D'abord un cantabile de violoncelle, plein d'une majesté suave, fait respirer le calme des solitudes alpestres ; puis un Ranz des vaches se fait entendre, au milieu de détails délicieux de cor anglais et de petite flûte. En troisième lieu, l’ouragan s’avance, de larges gouttes d’eau tombent sur les feuilles, l’orage se déclare, tous les éléments sont déchaînés. Cette tempête est aussi une image des passions qui grondent dans ce pays. Enfin le clairon sonne, la lutte s’engage et les chants de victoire retentissent.

Qu’on me permette de dire quelques mots sur le livret de Guillaume Tell. L’a-t-on assez critiqué, s'en est-on assez moqué '! Sans doute on peut relever çà et là quelques naïvetés telles que dans le duo, cet écueil qui s’élève entre nous de toute sa puissance; quelques vers emphatiques, etc. Cependant, malgré le dédain peu rélléchi des aristarques, je suis d'avis que le livret de Guillaume Tell est non-seulement le mieux fait, le mieux coupé pour la scène, l'un des plus intéressants qui soient au théâtre , mais encore qu’il est un de ceux qui renferment le plus de ces beaux vers lyriques qui se gravent fortement dans la mémoire avec la phrase musicale. Un spectateur retient à la première audition une foule de passages dont l’accent l’a frappé. Tantôt c’est cette phrase de Guillaume :

Contre les feux du jour, que mon toit solitaire Vous otfre un abri tutélaire.

C'est là que dans la paix ont vécu mes aïeux ;

Out1 je fuie les tyrans, que je cache à leurs yeux

Le bonheur d’être époux, le bonheur d’être père.

tantôt cette phrase suave d’Arnold :

0 Mathilde, idole de mon âme!

Et cette autre :

O ciel, tu sais si Mathilde m’est chère!