JONATHAN RICHARDSON

On ne sait quel fut le lieu où naquit Jonathan Richardson, qui vit le jour en 1665. 11 avait cinq ou huit ans quand son père mourut. Sa mère se remaria, et son beau-père le mit en apprentissage chez un notaire. Au bout de six ans d’un travail ingrat, la mort de son patron lui rendit la liberté et il étudia seul la peinture. En 1685, John Riley, le peintre de la cour de Guillaume et de Marie, prit Richardson dans son atelier, où le jeune homme resta jusqu’à la mort de Riley, survenue en 1691. 11 épousa alors la nièce de son maître, qui avait, dit-on, de la fortune. Richardson s’établit ensuite peintre de portraits et fit concurrence à Kneller et à Dahl, comme, plus tard, à Jervas. Ainsi que ce dernier, Richardson cultiva la société des gens de lettres et fréquenta Pope, Prior et Steele. Vers la fin de sa carrière, il fit le portrait de Gray. Il avait l’ambition de briller comme écrivain et publia deux volumes d’esthétique, V Essai sur la Théorie de la Peinture (1715) et l 'Art du Connaisseur (1719). Ces deux ouvrages, ainsi que d’autres essais de critique, furent, plus tard, réunis en un volume, avec des considérations sur l’art de l’Italie, où Richardson n’était jamais allé, et « son livre fut tourné en ridicule, d’un côté par les rieurs, de l’autre par les envieux ». Horace Walpole, qui, dans sa jeunesse, avait connu Richardson, avait le souvenir « d’un homme cérémonieux, à la voix lente, mais haute et sonore, et, pour dire vrai, d’allures un peu affectées ». Richardson, cependant, malgré son air pompeux, était un fervent des principes de l’art, et, pendant un siècle, ses dissertations furent fort en honneur. On doit lui savoir gré d’avoir été un des premiers, sinon le premier, en Angleterre, à tenter un effort raisonné pour établir une théorie solide de la peinture. Toute sa vie, Richardson fut un admirateur passionné de Milton ; en 1734, en collaboration avec son fils Jonathan (1694-1771), il publia un volume de critique sur le Paradis perdu. Dans son éducation première, l’étude des classiques avait été négligée, et il se fiait à l’érudition de son fils. Aussi Hogarth, qui se querella avec le père et le fils, fit un dessin où Richardson étudiait le texte de Virgile

au moyen d’un télescope qui transperçait le corps du jeune Richardson . Il est une chose que Richardson ne parvint jamais à faire, malgré son talent, — des vers. Il se peut que, comme on l’affirme, ses poèmes originaux, publiés en un volume après sa mort, en 1776, reflètent « l’image d’un noble esprit, plein d’une innocente et consciente sérénité », mais ils sont exécrables au point de vue technique. Quelques années avant sa mort, Richardson eut une légère attaque de paralysie dont il se remit, mais qui le priva de l’usage du bras et de la main. Il renonça à la peinture; mais, à part cela, il jouit de sa santé physique et morale ordinaire. Il mourut subitement, à l’âge de quatre-vingts ans, dans sa maison de Queen’s Square, Bloomsbury, le 28 mai 1745. Son fils, qu’il adorait et qui lui rendait cette affection, fut aussi peintre de portraits; mais sa mauvaise vue l’empêcha d’atteindre à une grande habileté.

CHARLES JERVAS

Charles Jervas naquit en Irlande vers 1675. Il vint à Londres, et fut admis dans l’atelier de Sir Godfrey Kneller, où il fit preuve de mérite. 11 exécuta une copie réduite des cartons de Raphaël et la vendit au docteur George Clarke d’Oxford, le célèbre amateur, qui fut si content de Jervas qu’il l’envoya à Paris et à Rome. Arrivé dans cette ville en 1705, Jervas s’appliqua à copier les antiques. 11 revint à Londres au moment où Kneller commençait à abandonner son aristocratique clientèle, et, peu à peu, il devint le portraitiste le plus en vogue de son temps. Walpole dit, assez méchamment : « Grâce au mauvais goût du jour , à la rareté des bons maîtres et à une réputation d’homme à la mode, Jervas se trouva au premier rang de sa profession. » En 1713, il donna au poète Pope des leçons de dessin, et il fit trois portraits d’Alexandre Pope. C’est par ses relations avec le poète que le peintre est surtout connu. Pope se plaisait beaucoup dans sa société, et, en lui faisant cadeau de la traduction du poème de Du Fresnoy, De Arte grapbica, par Dryden (que Jervas révisa et dont il donna une nouvelle édition), il lui adressa une de ses plus belles épîtres, aujourd’hui la huitième. Elle fut publiée en 1716, et augmenta beaucoup la réputation de Jervas. Pope y fait allusion à la description que lui avait faite Jervas des trésors artistiques de l’Italie :

Il me semble avec toi que je franchis les Alpes,

En songeant aux beautés de la noble Italie ;

Sur sa tombe, avec toi, je pleure Raphaël,

Et j’invoque avec toi les mânes de Virgile;

Nous cherchons le repos où Cicéron sommeille,

Ou sous les sombres murs d’une antique ruine...

Nous allons, des anciens comparant les chefs-d’œuvre,

Du divin Raphaël au Guide plein d’amour,

Du Carrache fougueux à l’aimable Corrège,

Du hardi Véronèse au céleste Titien.

Pope loue en termes flatteurs l’art qu’exerçait Jervas, ce qui dut faire un vif plaisir à la vanité de l’artiste :

Aimable sans faiblesse et riante sans fard,

Ton œuvre, chaque année, offre un aspect nouveau;

La loi qui te régit s’exerce sans rigueur,

Et ton labeur paraît un plaisir sans effort.

Il fit à jervas la grâce toute spéciale de prédire que son portrait d Élisabeth, comtesse de Bridgwater, survivrait à l'Hélène de Zeuxis. Jervas prétendait être violemment épris de cette femme exquise (qui mourut en 1714); mais l’histoire d’après laquelle il aurait préféré la forme de son oreille, qu’il regardait comme un modèle de beauté, à celle de la dame de ses pensées, et cela en sa présence, ne saurait confirmer l’existence de cette passion. Jervas se retira en Irlande, où il épousa une veuve qui possédait une fortune de 20,000 livres sterling. Après la mort de Kneller, il revint à Londres, et, pendant quelques années, il fut l’arbitre du monde des arts. En 1738, sa santé s’altéra, et il chercha vainement, en Italie, un soulagement à ses maux. Il revint en Angleterre et mourut, le 2 novembre 1739, dans sa maison de Cleveland Court. Jervas était un homme de lettres; l’œuvre de ses dernières années fut une traduction de Don Quichotte, illustrée par lui, que sa femme publia en 1742. C’était aussi un grand connaisseur et un collectionneur de majoliques, de terres cuites et de dessins.

WILLIAM AIKMAN

William Aikman était le fils unique d’un homme de loi shérif du comté de Forfar, sous le règne de Jacques II. Il naquit à Cairney, comté d’Aberdeen, le 24 octobre 1682. Son père désirait qu’il étudiât le droit; mais le jeune homme préférait les arts, et son père lui permit d’entrer dans l’atelier de Sir John Baptist Médina, un portraitiste flamand qui s’était établi à Edimbourg et qui faisait les portraits des Écossais de la noblesse, plus ou moins à la manière de Rubens. Aikman fut l’élève de Médina pendant trois ans, c’est-à-dire jusqu’à la mort de son père, en 1707; il vendit alors sa propriété du Forfarshire et en employa le prix à de longs voyages. Il s’aventura jusqu’à Constantinople et Smyrne, et séjourna longtemps en Italie. Après une absence de cinq ans, Aikman retourna en Écosse et se mit à exercer son art à Édimbourg. Mais le rude climat écossais ne convenait pas à sa santé délicate, et, en 1723, le duc d’Argyl! l’engagea à aller à Londres, où il réussit et fut admis dans la société de Swift, de Pope et de Gray. Aikman avait des goûts littéraires très développés, et il fut un des premiers à encourager les poètes Thomson et Boyse. Ce dernier chanta son « doux coloris » et son « dessin précis » en vers enthousiastes. Aikman s’aperçut bientôt que l’air de Londres n’était pas favorable à la « longue maladie de langueur » dont il était atteint. Les médecins lui conseillèrent de retourner en Écosse, mais il préféra rester dans sa maison de Leicester Fields. 11 avait un fils qu’il aimait beaucoup et qui mourut à dix-sept ans ; il ne lui survécut pas longtemps, et mourut de douleur le 7 juin 1731. Le père et le fils furent déposés, dans le même tombeau, dans le cimetière des moines gris d'Edimbourg. Les poètes le chantèrent à l’envi, et Thomson, dans une de ses élégies, dit, avec une sincérité évidente, que Aikman possédait une âme

Mûre par la sagesse et par la douceur jeune, Où de la vérité jaillissaient les vertus, Franche, simple et modeste avec sincérité, Illustre sans orgueil, bonne avec indulgence.

JOSEPH HIGHMORE

Joseph Highmore était le fils d’un marchand de charbons de Thomas Street, à Londres, et naquit le 13 juin 1692, dans la paroisse de Saint-James, Garlickhithe. L’exemple de son oncle, Thomas Highmore, qui était le premier peintre de Guillaume 111, et celui de Sir James Thornhill , qui était également un de ses parents, l’attirèrent vers les arts. Ce ne fut cependant qu’après avoir passé sept années dans l’étude d’un homme de loi qui s’établit, en 1715, comme peintre de portraits . Pendant ce temps, Joseph avait été un étudiant en droit fort paresseux, mais il avait très activement travaillé à son éducation artistique et il avait suivi les cours d’anatomie du D1' Cherelden. 11 avait, étant à la nouvelle Académie de peinture de Great Queen Street, déployé tant de zèle que Sir Godfrey Kneller lui avait témoigné sa satisfaction. 11 prit d’abord son logis dans la Cité, où il peignit les principaux négociants, puis il s’installa à Lincoln’s Inn Fields, où il demeura plus de quarante ans. Vertue dit que Joseph Highmore était renommé parmi ses confrères pour sa connaissance du côté technique de l’art, comme pour la sobriété, l’indépendance et la fermeté de son jugement. Highmore arriva à la notoriété en 1725, époque où il exécuta une série de portraits des Chevaliers du Bain, à l’occasion de la reconstitution de l’Ordre; ces portraits furent ensuite réunis et gravés par John Pine. Highmore ne paraît pas avoir pénétré dans le grand monde de son temps ; il tenta en vain d’obtenir que le Roi, la Reine et la belle Miss Gunnings posassent devant lui. Cependant, il fit les portraits de quelques-uns des princes. Il ne dérangeait pas beaucoup ses modèles, car on dit qu’il peignait rapidement et exigeait rarement plus d’une séance, pour la tête. Highmore se sentit de plus en plus attiré vers la littérature, peut-être à la suite de son intimité avec Samuel Richardson, dont il fit le portrait et dont il illustra le roman de Paméla. En 1762, il vendit tous ses tableaux et se retira à Canterbury, où, pendant près de vingt ans, il jouit de l’existence, et se lança dans la polémique en publiant des brochures. 11 mourut à quatre-vingt-huit ans, en mars 1780. 11 fut enterré, enveloppé de laine, dans la cathédrale de Canterbury. Anthony Highmore, le philanthrope (1758-1829), était son petit-fils.

WILLIAM HOGARTH

I! est probable que le véritable nom de ce dessinateur satirique, dont les tableaux sont « l’histoire des mœurs du siècle », était Hoggerd, nom peu élégant. Nichols assure que sa mère obtint de son mari qu’il 1 adoucît en Hogarth avant la naissance de son fils. Le père était un pauvre maître d’école qui, à la date mémorable du 10 novembre 1697, vivait à Bartholomew’s Close, au cœur de Londres. Richard Hogarth n’avait point les moyens d’éduquer ni de surveiller son fils, qui, de très bonne heure, nous dit-il, fut « employé à faire des dessins ». Chose bizarre, on ne sait quelle instruction reçut réellement William Hogarth ; mais M. Austin Dobson nous le montre occupé, pour le compte d’un graveur sur métaux, à décorer de monstres héraldiques flamboyants des plateaux et des gobelets. Sans aucun doute, faute d’un maître, ses progrès furent lents. Il nous dit que sa plus haute ambition, en 1717, était de graver sur cuivre, et qu’il ne voyait aucun moyen de parvenir à son but. Dans les notes autobiographiques découvertes dans les papiers de sa veuve, en 1798, on trouve d’intéressants détails sur l’application et l’ardeur au travail qu’il déploya pour se préparer à sa grande carrière, sur ses débuts tâtonnants et ses efforts dans le vide, pour ainsi dire. Vit-on jamais, avant ou après lui, rien d’aussi grand sortir en quelque sorte du néant? L’histoire des efforts de Hogarth pour acquérir une connaissance technique du dessin est intéressante et touchante. Il s instruisit lui-même par l’étude approfondie de la nature; mais nous en sommes réduits à nous demander par quels moyens il arriva à posséder les rudiments de 1 art pratique. Détail caractéristique, quand, à grand renfort de mots, il nous a exposé sa théorie, nous demeurons dans l’ignorance de ses procédés.

De quelque façon que Hogarth ait appris à dessiner, la facilité avec laquelle il saisissait le côté grotesque et brutal de la passion se manifesta de bonne heure. On raconte qu’étant apprenti, il vit, dans une rixe de cabaret, un homme qui eut le visage fendu par un coup d’un pot d’étain et que, pendant que le sang coulait et que les traits du blessé étaient convulsés par la douleur, Hogarth, « tirant son crayon, dessina, séance tenante, une des plus risibles figures qu’on ait jamais vues ». Nous ne verrons jamais ce dessin, qui a disparu, comme l’ange que dessina le Dante; mais il est probable qu’il a marqué le début de la caricature anglaise moderne. « 11 donnait, dit-on, la ressemblance parfaite de l’homme, ainsi que le portrait de son adversaire », et, si on le retrouvait, on aurait là un précieux spécimen de l’art du portrait

dans son enfance au xvm" siècle. En 1718, le père de Hogarth mourut, affreusement hanté, paraît-il, par la terreur de la pauvreté. Il avait écrit, jusqu’à son dernier moment, des ouvrages de controverse grammaticale qui lui valurent « des témoignages flatteurs de l’approbation des plus grands littérateurs d’Angleterre, d’Écosse et d’Irlande »; mais pas un penny des éditeurs indifférents. Quand le pauvre maître d’école mourut, épuisé, son fils gagnait péniblement sa vie en gravant des armoiries et des en-têtes de factures. Ce ne fut qu’en 1724, lorsqu’il avait vingt-sept ans, qu’il se risqua à publier une gravure pour son propre compte. C’était une vue de Burlington House, qu’il intitula : le Goût de la Ville. Dans cette estampe comique, il se moquait de William Kent, le dessinateur de jardins, le charlatan artistique que lord Burlington venait de faire connaître à Londres. S’il était au monde quelqu’un qui détestât Kent, c’était le peintre principal du Roi, Sir John Thornhill, dont Kent menaçait directement le monopole d’art mondain. Il n’est donc pas étonnant que l’ironiste qui avait attaqué Kent soit devenu immédiatement un des protégés de Thornhill.

Kent se vengea de cette injure et d’autres plus cuisantes encore en répliquant par des coups furieux. Mais, une fois lancé, le génie de Hogarth fit des progrès inconcevables. Néanmoins, il atteignit presque sa trentième année, nous dit Ireland, avant « d’être connu dans sa profession ». Ce qui le fit connaître, ce furent les illustrations curieuses, mais ni bien originales, ni bien intéressantes, qu’il exécuta pour Hudibras, dans un goût que nous ne saurions approuver aujourd’hui. Cette profession dont parle Ireland n’est pas, toutefois, celle qui Ta fait le mieux apprécier; en 1728, un tapissier du nom de Joshua Morris avait, sur des recommandations, demandé à Hogarth de lui peindre un tableau représentant un des quatre Éléments, la Terre; le sujet était peu attrayant ; sans doute, Hogarth manqua son tableau, en tout cas, Morris refusa de le payer, disant qu’il avait été trompé et que Hogarth était « un graveur et non un peintre ». L’artiste, auquel on avait promis trente livres, appela le tapissier devant le tribunal et gagna son procès. A cette occasion, Thornhill, Laguerre, Vanderbank et d’autres artistes contemporains renommés témoignèrent du mérite de Hogarth comme peintre, et dès lors ce mérite ne fut plus contesté. La Terre, qui avait été si bonne mère à l’artiste, a disparu, et il n’y a pas lieu de la regretter; mais on peut conclure que ce fut sur l'encouragement qui résulta pour lui de cette proclamation publique de son talent, que Hogarth commença, comme il l’a dit, à peindre « des petits tableaux de conversation » de douze à quinze pouces de hauteur. Plusieurs, qui subsistent encore, donnent une idée très avantageuse de la fraîcheur de coloris et de l’étincelante vivacité d’expression de ces tableaux.

WILLIAM HOGARTH

Hogarth demeurait, en 1729, dans la paroisse de Saint-Paul, Covent Garden, à quelques portes de la maison de Sir John Thornhill, dans la grande ou moyenne Piazza. Ce voisinage ne fut pas sans danger pour le jeune artiste, qui s’éprit de la belle Jane, fille unique du peintre à la mode. Jane répondit à sa passion, Lady Thornhill la favorisa et, le 23 mars, les amoureux s’enfuirent et se marièrent à Paddington, laissant Sir John à sa colère, qui ne fut pas bien terrible. Cependant le jeune ménage alla s’installer de l’autre côté de l’eau, à South Lambeth. Dans l'histoire de la vie peu accidentée de Hogarth, une excursion qu’il fit en bateau jusqu’à Gravesend, à la fin de mai 1732, en compagnie de quelques chercheurs d’aventures également modestes, mérite d’être notée. Une relation de cette expédition de cinq jours, laquelle se termina par une tempête d’eau douce qui força les voyageurs à se réfugier à Billingsgate, fut rédigée par Hogarth lui -même et le manuscrit en a été conservé. M. Austin Dobson la résume ainsi : « C’est une narration animée de petites plaisanteries et de grosses gaietés, de chansons chantées, de gobelets vidés, de bons tours fort irrévérencieux joués par de grands enfants faisant l’école buissonnière et égayant la monotonie des visites aux curiosités locales par d’aimables distractions, telles que des parties de marelle et des batailles à coups de traversins et de perruques. »

C’est une indication caractéristique des limites étroites où se mouvait, s’occupait et se distrayait un artiste de cette époque que l’importance donnée, dans la vie de Hogarth, à cette modeste excursion sur la Tamise, de Londres à Gravesend. Enfant de Londres, il resta fidèle à sa ville natale. Peu de temps après sa fuite nuptiale à Lambeth, il revint à la grande Piazza de Covent Garden, et demeura dans la maison de son beau-père. En 1733, il loua une maison non loin de là, à Leicester Square, appelé alors Leicester Fields. 11 habita cette maison tout le reste de sa vie et, après sa mort, sa veuve y demeura. Elle était située au centre de tout ce qui contribuait à l’animation et au charme du Londres bourgeois d’alors, et le peintre voyait se mouvoir autour de lui les personnages dont il aimait reproduire les types. 11 y avait un enclos ou jardin au milieu du square et, les soirs d’été, Hogarth s’y promenait habituellement, une roquelaure écarlate sur les épaules, « son chapeau sur l’oreille, à la manière du grand Frédéric de Prusse ». Là aussi il s’entourait d’oiseaux, qu’il adorait.

Jusqu’au moment où il s’installa à Leicester Fields, Hogarth avait été principalement un portraitiste. 11 excellait dans ces séries de têtes diverses qui, alors, étaient à la mode. Dès 1730, un poète l’avait félicité de ce que

A un signe de sa main des familles entières obéissaient;

Des assemblées se levaient à sa voix.

On appelait aussi ces peintures des « tableaux de conversation », parce que les personnages représentés paraissaient occupés à des entretiens familiers. Hogarth exécuta, en 1729, pour lord Castlemaine, un groupe qui ne contenait pas moins de vingt-six de ces figures, et il obtint un grand succès avec la Conversation de minuit, exemple de ce genre de peinture satirique. Sans doute, ces tableaux étaient fort mal payés, car il écrit que ce métier « n’était pas assez rémunérateur pour faire face aux dépenses que sa famille exigeait ». Vers 1731, la date n’est pas certaine, Hogarth eut une brillante inspiration : il s’adonna « à un genre plus nouveau, qui n’avait jamais été abordé dans aucun pays et à aucune époque, c’est-à-dire à la peinture et à la gravure de sujets moraux modernes ». 11 s’attacha résolument à traiter ses sujets comme l’eût fait un auteur dramatique et demanda que ses compositions fussent considérées comme des pantomimes. « Je pensais, dit-il, que c’était le meilleur moyen d’atteindre mon but, à la condition, cependant, que je parvinsse à émouvoir les passions; et, en vendant à bas prix un grand nombre de gravures faites d’après mes tableaux, je m’assurerais le fruit de mon travail. »

Le premier résultat de cette tentative fut la production des deux magnifiques séries de satires morales et instructives, connues sous les titres de la Carrière de la fille de joie et la Carrière du libertin, celle-là publiée en six planches gravées sur cuivre, en 1732, et celle-ci, en huit planches, publiée en 1735. Chaque série coûtait une guinée, et il y eut plus de douze cents souscripteurs. Hogarth pouvait enfin, comme l’a dit assez aigrement son beau-père, Sir John Thornhill, « subvenir aux besoins d'une femme sans dot ». Le succès de la Carrière de la fille de joie fut si grand qu’il tourna en désappointement, car les planches furent imitées à un tel point que Hogarth se trouva exposé à subir de lourdes pertes. Ce fut à la suite de ces contrefaçons que fut présenté à la Chambre des Communes et voté un projet de loi

protégeant les droits de reproduction des peintres et graveurs. Le peintre en tira une légitime et durable satisfaction; il écrivait, en effet, peu de temps avant sa mort : « Après avoir vu mes gravures imitées dans tous les formats, je m’adressai, en 1735, au Parlement pour obtenir justice; et elle me fut rendue de façon si généreuse que non seulement mon but fut atteint, mais que, de plus, les gravures sont devenues l'objet d’un commerce considérable dans ce pays, où l’on en produit plus ici (à Londres) qu’à Paris ou ailleurs, et aussi bien. »

Les planches de la Carrière du libertin ne furent mises en vente que lorsque la protection de la loi leur eut été assurée; mais, malgré cette précaution, il en

fut répandu de nombreuses contrefaçons. L’indignation des graveurs de 1734 était

WILLIAM HOGARTH

absolument pareille à celle des éditeurs de musique de 1905, et fut exprimée presque dans les mêmes termes. En somme, Hogarth avait lieu de se réjouir bien plus que de se plaindre. Il était arrivé au premier rang de sa profession et sa renommée devenait de plus en plus grande. Swift lui disait de continuer à peindre les monstres humains de son temps :

Peins-les de façon à montrer L’âme entière par chaque visage,

et Fielding proclamait que les deux Carrières étaient « plus propres à servir la cause de la vertu que tous les in-folios que l’on a jamais écrits sur la morale ». Vers cette époque, à la suite de l’accroissement soudain de sa réputation, l’on vit Hogarth prendre la direction de l’École d’art de Covent Garden, institution qui, cela est intéressant à constater, fut le noyau de l’Académie des Arts d’Angleterre et le lieu où la plupart des peintres des règnes de Georges II et de Georges III reçurent leurs premières leçons d'anatomie et de dessin.

Les biographes de Hogarth n’ont pas manqué de s’étonner qu’il n’ait pas continué à exploiter la veine de satire picturale qui lui avait donné de si lucratifs et de si immédiats résultats. Mais il était dévoré de l’ambition d’exceller dans ce que l’on appelait le « genre supérieur de la peinture historique ». Il a dit lui-même qu’il craignait de « descendre au rang d’un fabricant de portraits », et, un jour, pour son malheur, il essaya de rivaliser avec les Guerchins et les Tiepolos. « Je renonçai, dit-il, aux petits portraits et aux scènes de conversation familière; et, tout en souriant moi-même de ma témérité, je commençai la peinture historique. » Nous en pouvons voir les résultats dans les immenses peintures bibliques, à personnages de sept pieds de hauteur, qui sont encore dans le grand escalier de l’hôpital de Saint- Barthélemy. Hogarth ne fut pas payé de ces tableaux, dont il fit cadeau à cette institution charitable et qui ne lui procurèrent pas de commandes. Un peu déçu dans son ambition, il dut revenir à ses estampes et à ses portraits. 11 parlait avec ironie de l’abandon dans lequel était tombée, en Angleterre, la peinture religieuse et de la folie des amateurs anglais qui « importaient continuellement des cargaisons de Christs morts, de Saintes Familles, de Madones et d’autres sujets sombres et lugubres, qui n’étaient ni amusants, ni décoratifs ».

Ceux qui goûtaient les œuvres qui étaient réellement dans le génie de Hogarth, furent ravis de voir paraître, en 1738, la nouvelle série intitulée : les Quatre Parties du jour. Le beau portrait du capitaine Coram, que Hogarth considérait comme son

œuvre capitale en ce genre, date de 1743. Cette œuvre magnifique fut peinte pour le nouvel hospice des Enfants Trouvés, auquel Hogarth s’intéressait beaucoup et dont Coram avait été le fondateur et le premier directeur. L’artiste, alors âgé de quarante-trois ans, était arrivé au plein épanouissement de son habileté technique; mais, malgré sa réputation et le succès de ses estampes, il avait de la peine à .vendre ses tableaux. Au bout de quelques années d’attente, il conçut l’heureuse idée, dont il avait sans doute la primeur, d’ouvrir une exposition particulière composée uniquement des œuvres dont il n’avait pu se défaire et organisée dans le but avoué de les vendre aux enchères. Il est à remarquer que ces œuvres comprenaient les tableaux originaux de chacune des trois grandes séries de gravures. Les huit tableaux de la Carrière du libertin se vendirent 184 livres sterling, et les six tableaux de la Carrière de la fille de joie, 88 livres. C’était à la fin de février 1745.

Depuis quelque temps, les amateurs avaient reçu avis de la prochaine publication d’une nouvelle série de gravures de Hogarth devant représenter, cette fois, « divers incidents du high-life moderne ». Mais ce ne fut qu’après la vente de ses tableaux, en avril 1745, qu’il mit en vente les six magnifiques estampes du Mariage à la Mode. Elles furent suivies, en 1747, de la série de l’Industrie et la Paresse. Chacune de ces séries était, pour Hogarth, ce qu’une pièce habilement construite est pour un grand auteur dramatique en vogue. Dans l’histoire de l’art graphique, l’on chercherait vainement un parallèle exact au succès des drames gravés de Hogarth. Aussi était-il alors continuellement occupé à produire ses gravures et ses tableaux, et son existence était plus que jamais dépourvue de tout incident remarquable. C’est pourquoi son voyage en France, en 1748, prend une importance presque absurde dans l’histoire de sa vie. Hogarth était essentiellement un enfant d’Albion et n’avait aucune indulgence pour tout ce qui s’écartait du courant des habitudes anglaises. Tout ce qui était français lui semblait ridicule et mesquin, et toute particularité nationale « provoquait, de sa part, un torrent de paroles imprudentes ». Finalement, un jour qu’il dessinait la porte de Calais, il fut arrêté. 11 existe plusieurs versions de cet incident, et la moins sensationnelle de toutes est celle de l’artiste lui-même. On ne détruisit pas ses dessins, mais on le garda en prison jusqu’à ce qu’un vent favorable permît de le rapatrier. Hogarth est un exemple typique, dans son extravagance outrée, du préjugé général contre la France, si commun en Angleterre au milieu du xvm* siècle. Tout voyageur anglais se faisait gloire de n’être satisfait de rien de ce qu’il voyait de l'autre côté de la Manche ; mais nul guère ne se risquait à exprimer ses opinions avec autant de brutalité que Hogarth, qui découvrit, après un examen fort sommaire, que « la pauvreté,

WILLIAM HOGARTH

l’esclavage et une insolence innée recouverte d’un vernis de politesse affectée, offrent un tableau exact des manières de tout le peuple (français) ».

La fougueuse énergie de Hogarth ne lui permettait pas de se critiquer lui-même et de mettre des limites à ses ambitions. Quand on examine son œuvre complet, il semble qu’on discerne avec une égale clarté ce qu’il était incapable de faire et ce qu’il était né pour accomplir. Mais Hogarth ne voyait pas les choses du même œil que nous; il avait 1 ambition d’exceller dans plusieurs genres supérieurs. Lui, qui s’était appris à peindre grâce à un si superbe effort, voulait établir les lois de la peinture et en fixer la philosophie. Dans son majestueux portrait de luimême (1745), il a peint, dans un coin de la toile, une palette sur laquelle est tracée « une ligne de beauté ». Naturellement, on lui demanda la signification de « cet amusant hiéroglyphe », et il en arriva facilement à se convaincre que le monde attendait de lui un traité « fixant les fluctuations du goût ». Il en résulta l’Analyse de la Beauté, publiée en 1753. Hogarth n’ignorait pas les risques qu’il courait, et il écrivit lui-même, à cette occasion, cette épigramme assez réussie :

Un livre ! Et par Hogarth ! Parions dix contre un Que par la plume il perd ce que son crayon gagne.

C’est bien possible, et, ma foi, tout coup vaille,

Il va le publier à tout prix : quitte ou double.

Ce ne fut ni l’un, ni l’autre. Si son traité n’est pas resté comme livre classique,

. il fut accueilli avec respect du vivant du peintre et il contient un assez grand nombre de principes artistiques contemporains énoncés d’une façon sensée. Dans la génération qui suivit, Burke et Sterne furent au nombre des admirateurs de cet ouvrage.

Les gravures et les tableaux que Hogarth fit ensuite avaient généralement un caractère politique. Son génie commençait à décliner, mais sa réputation continuait d’aller croissant. En 1757, il fut nommé peintre du Roi. Il exécuta alors deux de ses tableaux les plus fameux ou au moins les plus travaillés; c’étaient le Dernier Enjeu d’une femme, en 1758, et la très ambitieuse Sigismunda, en 1759. 11 fut profondément surpris et chagriné de voir que les amateurs aussi bien que les marchands de tableaux dédaignaient cette dernière toile, qu’il considérait comme son chef-d’œuvre. Horace Walpole la critiqua avec une vive ironie et Hogarth ne put la vendre. Ce fut une déception dont l’artiste ne se remit jamais complètement, et, à partir de ce moment, son caractère s’aigrit et devint changeant. Il se laissa entraîner à des polémiques ardentes avec ceux qu’il soupçonnait de déprécier son talent, et il se heurta malheureusement à des hommes comme Wilkes et Churchill, si populaires dans

la presse qu’ils infligèrent de véritables tortures à un adversaire tel que Hogarth. Dans sa composition satirique, le Siècle, publiée à la fin de 1762, Hogarth les avait représentés l’un et l’autre d’une façon offensante, et il devait s’attendre à des représailles.

Il était mal armé pour la lutte. Quand Wilkes lui répondit dans le « North Briton » (21 septembre 1762), la riposte fut bien plus violente que l’attaque. «Étant très faible à cette époque, dit Hogarth, et souffrant d’une fièvre lente, elle ne pouvait manquer de frapper un esprit sensible. » Le factum de Churchill fut plus cruel, vindicatif et mordant. Garrick le considérait comme « la plus sanglante » attaque publiée de son temps. Hogarth en fut profondément blessé; mais il se remit assez pour publier des caricatures de ses deux adversaires, et il édita une estampe où il s’était représenté armé d’un fouet, enseignant la danse à Wilkes, figuré en singe, et à Churchill, figuré en ours. Cependant sa dernière œuvre, la belle estampe intitulée Finis ou la Chute, indique un esprit presque réduit au désespoir, et Hogarth ne se guérit jamais de son chagrin. Il végéta, cependant, bien que fort malade, jusqu’au 25 octobre 1764, jour où il se fit transporter de sa campagne de Chiswick à sa maison de Leicester Fields. Quoique faible, il parut supporter assez bien le voyage et il fit même le brouillon d’une réponse à une lettre aimable de Benjamin Franklin. En se couchant le soir, il se sentit très mal et il mourut au bout de deux heures. Il avait près de soixante-sept ans.

Hogarth fut enterré dans le cimetière de Chiswick, où, en 1771, ses admirateurs, au nombre desquels étaient Johnson et Garrick, lui firent élever un monument modeste mais non sans grâce. Garrick fit graver ces vers sur un des côtés du tombeau :

Adieu ! grand peintre de l’humanité,

Qui sus atteindre au suprême de l’art,

Et dont les œuvres en charmant l’esprit Par le regard corrigent notre cœur.

Passant, que le Génie a pu toucher, demeure; Pleure, si la nature à ton cœur a parlé; Sourd à l’un comme à l’autre, éloigne-toi d’ici; Du vénéré Hogarth ne foule pas la cendre.

La veuve de Hogarth fit de la maison en briques rouges de Chiswick sa demeure des champs jusqu’à sa mort, survenue en 1789. La vente des planches gravées que lui avait laissées son mari lui donna une certaine aisance pendant bien des années, mais elle fut très heureuse, plus tard, d’accepter la pension que lui offrit l’Académie royale.

WILLIAM HOGARTH

La nature de Hogarth était franche et ouverte. Ni son esprit, ni ses actes n’indiquaient beaucoup de finesse, et il ne savait pas dissimuler. Ses défauts et ses qualités sautaient aux yeux. On avait vite jugé sur ses actes ce « robuste, franc, honnête, obstiné et belliqueux petit homme », comme l’a appelé son meilleur biographe. 11 se faisait constamment des ennemis, car il était incapable de se maîtriser et ne songeait jamais aux conséquences. Une fois, il fit le portrait d’un aristocrate bossu, dont il n'atténua pas la difformité. Furieux, le noble seigneur refusa le tableau. Hogarth lui donna un délai de trois jours pour le payer, en ajoutant qu’il était déjà en traité avec une ménagerie ambulante pour lui céder le portrait, qui serait exhibé comme représentant une bête sauvage. Il fit le portrait d’un shérif de Londres avec une telle fidélité que le fils du shérif tailla la toile en pièces dans l’atelier même de Hogarth. On lui a toujours reproché d’attaquer les maîtres anciens, et il faut dire que son langage imprudent était regrettable; mais ce qu’il combattait surtout, c’était le goût faux et ignorant des amateurs de son temps. Il disait des critiques d’art : « Ils croient que je déteste le Titien, parce que je les déteste, eux, — qu’ils le croient! » Une de ses plus amusantes estampes représente le Temps fumant un tableau, et couvrant de la fumée qui s’échappe de ses lèvres et de ses narines les couleurs criardes d’une œuvre moderne. Hogarth, comme artiste, avait pour devise :

Adressez-vous à la nature même

Sans consulter autrui sur ce qu’il faut sentir.

Les défauts de son tempérament étaient ceux qui sont inévitables chez un précurseur, chez un homme qui abat les vieilleries vermoulues pour élever à la place qu’elles occupaient un nouvel et solide édifice.

GEORGE KNAPTON

Connu principalement aujourd’hui pour avoir été le premier peintre ordinaire de la Société des Dilettanti, George Knapton s’était préparé à cet emploi par un long apprentissage en Italie. Fils d’un libraire de Londres, il était né en 1698. On dit que ce fut Jonathan Richardson qui lui enseigna les éléments de son art. 11 alla de bonne heure à Rome, d’où il revint après avoir visité Herculanum, que l’on venait de découvrir et dont il a donné une description en 1744. A partir de ce moment jusqu’en 1778, où il mourut à Kensington, il fut absorbé presque entièrement par ses travaux pour la Société des Dilettanti. Ses frères restèrent fidèles au commerce des livres, et George les aida à publier des ouvrages illustrés, notamment un volume de dessins pseudo-antiques imités des Italiens du xvn° siècle, qui est un curieux exemple de l’art faux, mais habile, qui plaisait au goût artistique de l’époque. Les meilleurs portraits de Knapton sont ceux qu’il fit des membres de la Société des Dilettanti, dont vingt-trois ont été conservés. En 1765, il fut nommé Conservateur des tableaux du Roi.

FRANCIS HAYMAN, R. A.

Frank Hayman, comme il s’appelait lui-même, était né à Exeter, dans le Devonshire, en 1708. Tout jeune encore, il vint à Londres pour gagner sa vie, et, comme il avait du goût pour les beaux-arts, il devint l’élève de Robert Brown, qui avait aidé Sir James Thornhill à couvrir l’intérieur des monuments anglais de tableaux religieux ou historiques d’un genre audacieux et décousu. Robert Brown était alors occupé à décorer, pour son propre compte, plusieurs églises de la Cité de personnages aux attitudes négligées, dans le style de Verrio et de Laguerre. Hayman l’aida et devint ensuite peintre de décors au théâtre de Drury Lane. Le moment décisif de sa carrière date de sa présentation à Hogarth, qui lui fit entrevoir un nouvel idéal artistique et dont il devint le disciple fervent et, plus tard, l’inséparable compagnon. Quand Jonathan Tyers rouvrit les New Spring Gardens, il employa Hayman, qui orna de peintures cet établissement et qui fut aidé, dit-on, par Hogarth; mais on ne sait dans quelle mesure. Le succès de ces décorations de Vauxhall, qui comprenaient une copie des Quatre Parties du jour de Hogarth, fit la réputation de Hayman, qui, toutefois, ne fut jamais qu’un disciple et un ami de Hogarth, qu’il accompagna en France en 1747. Mais, vers la fin de la carrière de son maître, Hayman se sépara de lui et affecta les allures d’un artiste indépendant et célèbre. 11 prit une part importante à la fondation de la Société corporative des Artistes, dont il fut président en 1766. 11 était membre fondateur de l’Académie royale et fut bibliothécaire de cette institution à partir de 1771. Hayman, qui avait la réputation d’un franc luron et d’un gai compagnon, était le roi des bons vivants. Son goût pour la bonne chère lui fut d’ailleurs fatal. Relativement jeune encore, il fut perclus de la goutte et il mourut prématurément le 2 février 1776. Dans sa jeunesse, Hayman était un beau et vigoureux gaillard. Hogarth nous a conservé ses traits en le prenant, en 1745, pour modèle du lord Squanderfield du Mariage à la Mode. On raconte de nombreuses anecdotes de la gaieté franche et un peu libre de Frank Hayman. C’était un des meilleurs amis de Quin, l’acteur, en compagnie duquel il courait Londres avec Hogarth, pour étudier les bizarreries de la vie nocturne. Hayman est surtout connu aujourd’hui comme l’auteur des portraits des joueurs de cricket qui appartiennent actuellement au Cricket Club de Marylebone. 11 fut le maître de Gainsborough.