LE DÉSESPOIR DE

du second de ces principes que fait Ibsen à la fin du cycle, lorsqu’il condamne ses propres œuvres parce que, malgré la beauté de leur forme, les vérités qu’elles expriment sont d’un intérêt trop médiocre. Il n’est pas un adepte de « lJart pour l’art ». Nous le savions. Il aurait été, en Norvège, le premier, et il était trop poète-penseur à la manière de Vigny ou de Paludan-Müller pour éprouver le besoin de réagir contre une conception traditionnelle non contestée, qui attribuait à la grande poésie un rôle hautement éducateur.

Cependant l’exposé de sa doctrine n’est donné ici qu’en passant, car il n’est pas l’objet du cycle. Ibsen n’aurait pas écrit ce long poème pour répéter la leçon apprise chez Heiberg. C’est son désespoir qu’il exprime sous trois formes différentes. D’abord dans les trois premiers sonnets, où son elfe noir lui dit qu'il ne croit plus à rien, et que son idéal est illusoire. Ensuite dans les paroles de la copieuse, dont la carrière artistique ressemble tant à la sienne, telle qu’il se la représente à ce momentlà. Enfin, dans les réflexions par lesquelles il termine, et où, — fait pour lui bien rare, — il parle en son nom. Il ose dire que son cas est le même, qu’il est épuisé (XVIII). Comment n’a-t-il pas senti sa médiocrité avant son essai d’envolée? Il n’est bon qu’à patauger parmi les canards (XIX). Ces lamentations sur son impuissance lyrique sont, d’ailleurs, ridicules (XX). Vide du noble et dangereux ferment lyrique, il n'a plus qu’à mener une petite vie bien sage (XXI). Il s’est habitué à son elfe noir, qui entretient encore en lui une angoisse, vaine hésitation entre le doute et la foi (XXII). Mais c’est l’automne, plus de fleurs, plus de chant d’oiseau, il ne lui reste que le souvenir (XXIII).

Dans toutes les œuvres d’Ibsen il n’existe pas d'autre confession aussi directe. Il l’a évidemment écrite pour lui-même. On y voit combien les images-symboles sont la forme même de sa pensée, en sorte que, le cycle une fois décidément condamné dans son ensemble, il n’aura qu’à y puiser pour trouver le

ŒUVRES DE KRISTIANIA

« vêtement poétique » de dix idées de poèmes. Et cette forme est très souple, car il est habile à donner de ses images-symboles des interprétations variées, même parfois contradictoires. Lorsque, vers la fin de 1859, il aura relu son cycle de 1854 à propos de la publication \ il sera dans une disposition d’esprit fort complexe, mais nullement déprimée, d’où sortira Svanhild , premier état de La Comédie de V Amour, et le cycle désespéré fournira ses images. Mais Falk verra, par exemple, avec une superbe indifférence, les fleurs de pommier dispersées par l’orage. Et l’oiseau « qui chantait pour moi seul » sur ses branches sera l’un des thèmes essentiels qui mettront la pièce en mouvement. Et l’idée de la femme qui se sent une vocation de peintre, mais à qui manque la « main d'artiste » reparaîtra non dans Svanhild , en 1860, mais dans La Comédie de V Amour en 1862.

On voit toutefois que s’il y a quelques rapprochements à faire dans le détail entre le cycle et la comédie, les deux œuvres n’ont pas entre elles de véritable lien. Elles sont écrites sous des impressions tout à fait différentes, et même opposées. Et si elles touchent toutes deux à des questions d’esthétique, elles ne les envisagent pas sous le même aspect, et il convenait de réserver pour cette place l’étude du poème de 1854 précisément pour mieux marquer la différence.

Dans « Au Musée » certains principes d'esthétique pure sont formulés presque dogmatiquement par un élève docile de Heiberg. La comédie ne parle pas de ces principes.

Au commencement de la pièce, lorsque Falk en est à ce qu’on peut appeler son premier stade, il a, selon la formule de la

1 Francis Bull (Fra « H&rnuendene » over « Vidderne » tiî a Kjarligh&dens Komedie », p. 17) pense qu* Ibsen a remanié ce cycle en 1859 et ne T aurait pas fait imprimer alors si le poème n’avait pas été à peu près conforme à ses idées sur l’art à cette date. Cette conformité, en ce qui concerne l’esthétique proprement dite, existait sans remaniement. Quant aux parties plus personnelles du poème, elles exprimaient un état d’esprit passé, et les lecteurs en étaient dûment avertis par une note de Botten Hansen.